Film

Pauvres Créatures

Yórgos Lánthimos… we don’t need no education. We don’t need no thought control. No dark sarcasm in the classroom. Teacher, leave them kids alone. Hey, teacher, leave them kids alone. All in all, it’s just another brick in the wall. All in all, you’re just another brick in the wall.

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Moonlight

Qui se souvient de Moonlight ? Ce drame américain récompensé par l’Oscar du meilleur film, en 2017. A mon avis, pas grand monde… les humains oublient plus qu’ils ne respirent. Ne soyons pas méprisants ! Une question me vient à l’esprit lorsque je pense aux propos du long métrage. Quel est le rôle des cinéastes ? Abderrahmane Sissako certifie son idée sur le sujet. Le réalisateur mauritanien l’exprime sur le plateau de Médiapart.

Le rôle d’un cinéaste, de tout artiste, est de se projeter loin dans le monde. Savoir ce qui arrive dans un pays, continent.

Barry Jenkins s’inscrit-il dans cette mission d’anticiper les faits et événements ? Le réalisateur de Moonlight décrit des situations précaires, tendues, extrêmes, c’est-à-dire, le quotidien d’un jeune Afro-Américain, près de Miami. Comment ? En illustrant trois périodes cruciales d’une vie. Barry Jenkins explore le présent sans poser un ridicule jugement quant aux futurs de ses personnages. De l’enfance à l’âge adulte, le protagoniste est notre serpent s’incrustant là où personne ne souhaite sa venue. Ni sa mère, ni ses camarades de classe. Chiron est régulièrement martyrisé. Mais à aucun instant, il va se plaindre.


A Liberty City, la vie est rude. Surtout si nous nous révélons être bien plus différents des autres. Mais quand tout semble perdu, quand tout semble illusoire, une lueur d’espoir n’est jamais très loin. Qui est la lumière de Chiron ? Juan. Incarné brièvement par Mahershala Ali, le personnage prend le gosse sous son aile. Non pas pour le former à être le prochain dealer du coin… mais pour jouer un mentor bienveillant.

Alors, qui se souvient de Moonlight ? Sans doute, les plus cinéphiles d’entre nous. Cependant, même si ma mémoire n’est pas la plus vive au monde, je me souviendrai toujours de l’œuvre pour un point émouvant. Il s’agit des sages paroles prononcées par Juan.

A un moment, c’est à toi de décider qui tu veux être. Ne laisse personne décider à ta place.

Le plan final devient alors mémorable. Comme si Chiron fut toujours éclairé par Juan. Ce clair de Lune est si chaleureux. Il suffit parfois d’une personne pour que nos vies soient bouleversées du jour au lendemain. J’en suis convaincu. Et si Barry Jenkins l’était aussi ?

brunoaleas

Augure

‘augure’ :  personnage important qui se croit en mesure de connaître et de prédire l’avenir, de faire des pronostics. Le Larousse ne ment jamais. Mais peut-on se tromper sur l’idée d’un film ? Sûrement. Lorsque je découvre le film de Baloji sur grand écran, je me trouve semi-subjugué. Les décors, les costumes, les panoramas et bien sûr les évènements mystiques illustrent une œuvre colorée où ressentir un trip psychédélique n’est pas à proscrire. Baloji est cinéphile.

Mon enfance à Liège, aux côtés d’une grande communauté italienne, a fait de moi un fan absolu de cinéma italien, de la famille des grands ‘i’, comme Pasolini, Fellini, Antonioni. Leur onirisme me parle. –Baloji

Sa passion, on la saisit pleinement à la vue des rites, du désert et de clans filmés soigneusement. Quelles en sont les conséquences directes ? L’envie de contempler un univers partagé entre naturel et surnaturel. Mention honorable aux magnifiques costumes accrochant notre regard du début à la fin.

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Au départ, nos yeux suivent le trajet de Koffie. Il est maudit dès l’enfance à cause de ses tâches de naissance. Le jeune homme revient au Congo pour rendre visite à sa famille, accompagné de son épouse enceinte. L’Afrique apparaît tribale, animiste, où de nombreux cultes doivent être respectés. Koffie met les pieds là où on l’accepte difficilement. Les points de vue basculent d’une personne à l’autre, afin d’apercevoir ce que le cinéaste appelle les vrais victimes de son histoire.

Ses propos ne me choquent pas. Cependant, je ne valide pas sa pensée. Quand Baloji s’exprime lors d’interviews, il explique précisément les images de son film. D’après lui, la personne à plaindre n’est pas Koffie. Les personnages les plus à plaindre sont les protagonistes décidant de rester en Afrique. Ces femmes et hommes n’ayant pas le luxe de quitter leur terre natale… c’est pourquoi, le jeune réalisateur définit Koffie comme un privilégié.
Ne serait-ce pas trop prétentieux de sa part ? Que signifient ces termes ?! Selon l’artiste, si Koffie réalise des va-et-vient, c’est qu’il est extraordinairement chanceux. En d’autres mots, si Koffie vit chez les Occidentaux, il n’est qu’un homme différent des siens. Baloji s’engouffre dans une généralisation hâtive. Même si son message clair à ses yeux, il passe à côté de la plaque. Quitter sa terre est chose aisée… qui ose le prétendre ?! Trouver un job à l’étranger, est-ce complexe, vraiment ?! Croiser des racistes, est-ce une bénédiction ?! Ne plus revoir sa famille pendant de longues années, un paradis pour tant de personnes… mais bien sûr…

Vous l’aurez compris, Augure est fort au niveau formel. Quant au fond, le propos derrière les métaphores de l’artiste, il est impossible de le deviner. Je me renseigne souvent sur les coulisses d’un film. D’habitude, j’aime découvrir l’envers du décor, ce ne fut pas le cas pour l’œuvre du jeune sophiste.
Baloji ne laisse pas aux spectateurs l’opportunité de déceler sa pensée profonde. Puis, tant mieux. Si c’est pour avaler ses paroles… non merci. L’exil d’une personne n’est jamais comparable à celui d’une autre.

brunoaleas

La Zone d’Intérêt

Le commandant d’Auschwitz, Rudolf Höss, et sa femme, Hedwig (Sandra Hüller, rôle principal de la Palme d’Or, Anatomie d’une chute), s’efforcent de construire une vie de rêve pour leur famille dans une maison avec jardin à côté du camp.

C’est au bord d’une rivière que s’ouvre La Zone d’Intérêt. Le commandant Höss passe une agréable journée avec sa famille. La journée a d’abord commencé avec un déjeuner sur l’herbe puis la joyeuse famille est allée se baigner dans le lac. Enfin, il était temps de plier bagage car un orage s’était déclaré.

Avant d’aller voir ce film, je ne connaissais rien du synopsis ni du thème abordé. Donc, j’ai été encore plus frappé par le fait que nous sommes entrainés progressivement dans l’horreur la plus glaçante. Ce qui est le plus fascinant dans ce film, c’est le fait que le réalisateur Jonathan Glazer ne fait jamais rentrer la caméra dans le camp de concentration. Tout au long du film, le spectateur ne verra que la parfaite vie de famille de Rudolf Höss de l’autre côté du mur qui jouxte celui d’Auschwitz-Birkenau.

Le retour à la réalité

Ici encore, tout se passe en subtilité. Le basculement vers l’horreur se fait étape par étape. On aperçoit d’abord cet imposant mur puis des internés du camp, et finalement la fumée sortant de l’effroyable cheminée. Dans un premier temps, on fait appel à notre vue puis à notre ouïe et enfin, à l’odorat. Et, c’est pour ce dernier sens que la réalisation s’est sublimée. En effet, comme dans un cinéma nous ne pouvons pas sentir les odeurs, Jonathan Glazer fait appel à une personne en particulier. Ce choix n’est pas anodin. Dans le film, la mère d’Hedwig vient rendre visite à la famille pour un moment. Elle ne reste que quelques instants au sein de la maison Höss car, contrairement aux autres, elle n’arrive pas à passer outre le fait que des personnes soient exterminées juste à côté. Chaque nuit, lorsque les corps sont brulés et que la fumée commence à s’échapper de la cheminée, une odeur horrible s’empare de toute l’habitation. On ne peut plus faire abstraction de la réalité. Et c’est, selon moi, le fait d’être incapable de fuir la réalité qui lui fait fuir la maison.

L’éléphant dans la pièce

L’expression anglophone the elephant in the room désigne un problème manifeste que personne ne souhaite mentionner.

Le mal est banalisé dans le quotidien de la famille Höss. L’exploitation des internés du camp de concentration est vue comme du simple travail. Ils travaillent comme jardinier, comme femme de ménage ou nounou. Mais, rien n’est dit explicitement. Pour les jardiniers, on devine qu’ils viennent du camp à leurs vêtements caractéristiques. Pour les femmes juives, qui s’occupent des tâches ménagères, ce sont les menaces de Mme Höss en l’encontre de leurs vies qui nous mettent la puce à l’oreille.

En prenant la partie de raconter la Shoah à travers les yeux du bourreau, Jonathan Glazer décide de relater l’horreur sans montrer le camp. Mais, la nature a horreur du vide et l’imaginaire du spectateur parvient à faire surgir de l’ombre l’éléphant dans la pièce.

Fortuné Beya Kabala

Anatomie d’une chute

Le 30 aout 2023, le 4e long métrage de Justine Triet, Anatomie d’une chute sort au cinéma. Depuis sa sortie, le film a remporté pas moins d’une vingtaine de prix, dont la Palme d’or au dernier Festival de Canne. Cet article ne sera pas une critique de ce film, mais l’anatomie de sa réussite.

Avant de débuter l’analyse, rappelons de quoi parle le film. Anatomie d’une chute est un film de procès dans lequel une femme se retrouve accusée du meurtre de son compagnon. Tout au long du film, il y a des allers-retours entre le futur et le présent dans le but de comprendre l’état du couple au moment de la mort du compagnon en question.

Un film de procès

C’est un film de genre et, a priori, le spectateur connait la rengaine. Mais, c’est ici que le film décide de le surprendre en lui montrant très tôt que les choses sont plus complexes qu’il n’y paraît. Arthur Harari, co-scénariste du film, confirme ce choix au micro de Guillaume Erner. Ce parti pris est un élément qui peut expliquer ce succès. En effet, le but n’est pas de trouver le coupable de ce meurtre, mais comprendre comment cela a pu arriver.

Ce procédé me rappelle celui utilisé dans le film Saint Omer d’Alice Diop. Que nous affiche la réalisatrice ? La culpabilité n’est pas le centre de l’intrigue. La réalisatrice tente de nous expliquer les raisons complexes qui poussent une mère à mettre fin à la vie de son nouveau-né.

Un film de couple

Lorsque l’on se renseigne sur les raisons du succès du film, beaucoup de personnes disent aimer le film car il parle d’un couple. Et, il est question de domination et du partage équitable de responsabilité dans le couple. Une fois de plus, la thématique n’est pas particulièrement originale, mais Justine Triet décide de bousculer le spectateur dans ses certitudes. En effet, lorsqu’il s’agit de domination ou d’une relation non- équitable, dans un couple hétérosexuel, la femme est souvent la victime de la relation. Mais ici, c’est l’inverse ! Simon est celui qui estime être lésé dans la vie de couple. Et, toute la scène de la dispute illustre le mal-être de ce dernier.

Je pense que le fait de ne pas dépeindre un schéma classique de domination peut avoir contribué au succès du film. Comme expliqué plus haut, Anatomie d’une chute a pour prétention d’inviter le spectateur à se rendre compte de la complexité dans les choses simples de la vie.

La polémique

En mai 2023, Anatomie d’une chute est récompensé de la Palme d’or. Justine Triet profite de cette exposition pour critiquer la réforme des retraites. Ce discours ne plaît pas car la Première ministre de l’époque, Elisabeth Borne, déclare, dans la foulée, qu’elle n’irait pas voir le film.

Après cet épisode, Anatomie d’une chute n’a pas été choisi pour représenter la France lors de la cérémonie des Oscars alors que le film était le grand favori. Certains expliquent ce choix par le fait que Justine Triet avait critiqué le gouvernement. Quant à la commission du CNC, chargée de désigner le film français qui concourra aux Oscars, elle affirme qu’il n’y a pas eu de pression lors de cette décision.

Malgré la qualité indéniable de ce film, il me semble très probable que cette polémique ait contribué au succès de cette œuvre. Effectivement, on imagine bien que la curiosité a été la raison pour laquelle une partie du public est allée voir ce film. Les gens ont certainement voulu voir le film de la réalisatrice qui a osé critiquer la politique du gouvernement français. De même, certains ont voulu voir le film qu’Elisabeth avait refusé de voir.

Fortuné Beya Kabala

Stand by Me

Le critique Jean-Philippe Guerand ne tient pas sa langue dans sa poche. Il diagnostique sévèrement un film : Avec la banalisation du fantastique et la généralisation des effets spéciaux, le cinéma moderne a perdu une partie de son âme en troquant l’innocence des pionniers contre une technologie hypersophistiquée. Nous sommes en 1992. L’œuvre jugée mauvaise se nomme Candyman.

Ces paroles résonnent encore. Observez l’ignominie visuelle qu’est Flash, réalisée par Andrés Muschietti. C’est pourquoi, faire un bon dans le temps, puis, comprendre le succès des classiques du cinoche, n’est pas insensé.
Les années 80 ne me fascinent pas du tout (à bas le disco, s’il vous plaît). Pourtant, les spectateurs découvrent 
Stand by Me à cette époque… étudions son cas, et la raison pour laquelle il apparaît, encore aujourd’hui, comme un film franchement bien écrit.

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Direction l’Oregon. On y suit quatre garçons d’une douzaine d’années. Ils partent à la recherche d’un corps… celui d’un enfant de leur âge, Ray Brower. Les jeunes aventuriers souhaitent passer dans les journaux grâce à leur découverte.

Une fois embarqué parmi cette bande, il est impossible d’abandonner l’écran. Comment vont-ils s’en sortir dans la nature ? Ce pauvre Ray est si facile à retrouver ? Qui veut vraiment passer dans les journaux ? Mais surtout, qui sont réellement ces gamins ? Cette aventure n’est qu’un prétexte pour étudier ces personnages. Lorsqu’on s’en rend compte, le scénario brille de plus belle. Stand by Me dévoile diverses fêlures. Le petit frère en deuil. Le faux vaurien voulant s’éloigner de tout le monde. Le fanatique de guerre. Ces quelques exemples nous plongent dans un monde sans artifices foireux, sans fond vert abusif, sans attitude superficielle.

On transpire tout au long du parcours pour savoir quel final nous attend. D’ailleurs, ce final détermine la beauté de l’œuvre. De fait, les dernières paroles de notre narrateur provoque une envie : pleurer à chaudes larmes. La réalisation de Rob Reiner donne à réfléchir. L’amitié est amour. Mais n’oublions pas que nos similitudes ne définissent pas entièrement nos amis. Nos différences réunissent du monde !

En juin, les citoyens belges se rendront aux urnes pour élire leurs représentants au fédéral, à la région et à l’Europe. Stand by Me peut réellement s’interpréter comme une certaine prise de conscience, tant sa fin est d’une sagesse extrême.
Que désirons-nous pour l’Autre ? L’œuvre semble développer un message clair et net : il faut d’abord travailler sur soi-même pour vivre en société.

brunoaleas

TOP FILMS 2023

Le Chat Potté et Le Garçon et le Héron l’ont comme thème centrale. Dans un univers chatoyant, les héros la rejettent, essayent de la comprendre et finissent par l’accepter. Vous sortirez joyeusement chamboulés du visionnage de ces deux films, où la mort après tout, reste une belle aventure.

Interdit aux chiens et aux Italiens. Derrière chaque immeuble, chaque mine, chaque usine, chaque  armoire se trouve la vie et la mort de milliers personnes. Ce ne sont pas des choses inanimées mais animées par l’histoire de chaque Humain ayant contribué à leurs existences.

Falcon Lake. Une ode aux doux fantômes parcourant nos vies.

Hunger Games : la Ballade du serpent et l’oiseau chanteur. Lorsque la fin est injuste, choisie de manière malsaine, elle devient source de haine. La mort n’est pas un problème mais bien une manière utilisée pour faire naître crainte et peur au creux des personnes.

La mort est en nous. Elle est là présente, bien vivante. Nous ne faisons que la nier en espérant qu’elle ne viendra pas toquer à notre porte, alors qu’elle est depuis notre naissance bien installée dans notre maison. Les films sont là pour nous rappeler de l’embrasser, de l’aimer et de surtout ne pas oublier sa profonde humanité. –Mouche

TOP 5

  1. Le Chat Potté 2 : La Dernière Quête – Joel Crawford et Januel P. Mercado

  2. Le Garçon et Le Héron – Hayao Miyazaki

  3. Interdit aux Chiens et aux Italiens – Alain Ughetto

  4. Falcon Lake – Charlotte Le Bon

  5. Hunger Games : la Ballade du serpent et de l’oiseau chanteur – Francis Lawrence

J’ai décidé cette année de créer un top exclusivement dédié aux films d’animation de l’année, simplement parce que je me suis rendu compte qu’ils étaient ceux qui m’avaient le plus marqué.
Nous avons eu droit à de belles production cette année. Pixar et Miyazaki ont fait leur grand retour, mais pourtant, c’est Dreamworks et Sony qui ont conquis mon cœur cette année.

Le Chat Potté, sorti en décembre de l’année précédente, m’a véritablement époustouflé. C’est un film quasiment parfait à mes yeux, regroupant absolument tout : une action décoiffante, des blagues hilarantes, une animation fulgurante, et en plus, une histoire fascinante et très intelligente.

Spider-Man 2 est aussi excellent que son prédécesseur. On a vraiment hâte de voir la suite pour vivre l’expérience complète du scénario, qui se conclut ici de manière abrupte.

Miyazaki nous a offert une nouvelle œuvre, très personnelle et peu innovante, comme s’il faisait un bilan de sa carrière. Mais quand on a un univers et une carrière comme celle de Miyazaki, on ne peut que tomber sur un chef-d’œuvre d’imagination, un vrai rêve éveillé à l’écran.

Je n’ai pas grand-chose à dire sur Super Mario Bros., si ce n’est que le défi de créer un film divertissant qui rend hommage aux mascottes est bien réussi.

En fin de liste, on retrouve étonnamment le Pixar de l’année. Le studio est habitué au haut du classement, mais Elémentaire, malgré la multitude d’idées à la seconde que son identité graphique dévoile, n’arrive pas à proposer un scénario stimulant. On plonge rapidement dans des clichés trop vus et un scénario si prévisible qu’on croirait qu’il a été copié-collé d’une vieille formule pour écrivain sans inspiration. –Pierre Reynders

TOP 5

  1. Le Chat Potté 2 : La Dernière Quête – Joel Crawford et Januel P. Mercado

  2. Spider-Man : Across the Spider-Verse – J. Dos Santos, K. Powers, J. K. Thompson

  3. Le Garçon et Le Héron – Hayao Miyazaki

  4. Super Mario Bros. – Aaron Horvath et Michael Jelenic

  5. Elémentaire – Peter Sohn

L’année 2023 a été une année riche en superproductions hollywoodiennes. Mais, pour moi, 2023 rime avec Margot Robbie. Elle a été la reine incontestable ! Cependant, les choses n’ont pas si bien commencé pour la Barbie. Début 2023, Babylon débarque dans les cinémas belges. Quelques semaines après le lancement du film, les nouvelles ne sont pas bonnes pour le film de Damien Chazelle. Malgré les belles critiques, les salles ne se remplissent pas. Pourtant, Babylon est un film formidable ! Les décors sont incroyables, le scénario est parfait et que dire de la musique, une merveille. Finalement, plus de peur que de mal car le film est un succès et réalise plus de deux millions d’entrées en France.

Est-ce que je vous ai dit que Margot Robbie était l’actrice de cette année 2023 ? Après Babylon, l’actrice américaine s’attaque à un autre mythe et cette fois-ci, c’est la fameuse poupée Barbie ! Mais, comment parler de Barbie sans parler d’Oppenheimer ? Aussi curieux que cela puisse paraitre, il y a eu un duel acharné entre le film de Christopher Nolan et celui de Greta Gerwig. Hasard du calendrier, les deux productions sont sorties le même jour et cet hasard a donné lieu à ‘Barbenheimer’.

Comment parler de cinéma sans parler de Joaquin Phoenix ? Il est devenu, depuis ces dernières années, un grand nom des superproductions américaines. Et, 2023 ne fait pas exception car nous avons pu le voir, en cette fin d’année, dans Napoléon réalisé par Ridley Scott. Malheureusement, ce film ne figurera pas dans mon top de cette année. Néanmoins, Joaquin Phoenix sera dans cette liste car il a le rôle principal dans Beau is afraid. Ce film est réalisé par Ari Aster et produit par A24. Après avoir eu ces informations, vous comprenez directement qu’on est face à un film ‘spécial’. Allez juste voir le film car la langue française ne contient pas de mot assez précis pour qualifier cette création !

Parlons cinéma belge. Cette année, on a eu de belles pépites comme la série 1985. Côté film, Wil de Tim Mielants a plus particulièrement retenu mon attention. Un film que je conseille à tout un chacun car il explore la nature humaine en période de guerre. Tout au long de l’histoire, on suit l’évolution de deux jeunes hommes durant l’occupation allemande lors de la Seconde Guerre mondiale. J’ai été fortement marqué par ce film car il dépeint la vie des civils pendant la guerre et laisse de côté les évènements liés au déroulement de la guerre. –Fortuné Beya Kabala

TOP 5

  1. Babylon – Damien Chazelle

  2. Beau is afraid – Ari Aster

  3. Wil – Tim Mielants

  4. Oppenheimer – Christopher Nolan

  5. Barbie – Greta Gerwig

En 1895, le cinématographe nait en France. Qui dépose son brevet ? Les frères Lumière. Le cinématographe fonctionne grâce à une manivelle. On utilise un film perforé de 35 mm de largeur passant par un obturateur à une vitesse de 16 images par seconde. L’objet fonctionne comme une machine à coudre. Des images apparaissent alors avec fluidité à l’écran. Dès ce moment, les frères Lumière partage une vraie révolution pour le monde de l’art.

Aujourd’hui, le cinéma s’est exporté à l’international. En Italie, Nanni Moretti continue son parcours engagé et crie toujours avec autant d’espoir. Quant au cinéma asiatique, il est fascinant. Pensons à des figures comme Takeshi Kitano, Hirokazu Kore-eda, ou tout simplement l’oscarisé, Bong Joon-ho.

Qu’en est-il en France ? Certains projets font pitié. A titre d’exemples : les Asterix & Obelix devenus des pages publicitaires, Dany Boon et son jeu insipide, ou quelques films de batailles conçus par des personnalités fantasmant une France d’un autre temps. Heureusement, des auteurs expérimentés continuent d’épater nos yeux. Citons deux artistes aux films rafraichissants.
Le premier se nomme Michel Gondry. Il opère un retour réussi via une ode à l’imagination, une lettre d’amour à l’esprit d’inventivité,
Le Livre des Solutions. Le second s’appelle Quentin Dupieux. Il sort un film par an. Cette fois, son moyen métrage, Yannick, m’émeut totalement. Pour son propos sur le monde artistique, et sa manière de le juger. Pour son écriture comique assez directe et ses acteurs efficaces. Vous découvrirez de bons vivants à l’écran, des comédiens sur scène démontrant leur faiblesse face à un spectateur qui ose prendre la parole, pour ensuite créer son univers.

Mentions honorables aux films animés inclassables parmi les autres films du top (ces œuvres méritent indubitablement la première place dans quelconque classement) : Suzume, Le Garçon et Le Héron, Le Chat Potté 2, ElémentaireSpider-Man : Across the Spider-Verse. –brunoaleas

TOP 5

  1. Yannick – Quentin Dupieux

  2. Le Livre des Solutions – Michel Gondry

  3. Aftersun – Charlotte Wells

  4. Les Bonnes Etoiles – Hirokazu Kore-eda

  5. Vers un Avenir Radieux – Nanni Moretti

Illustration ©Antoine Wathelet

Le Garçon et Le Héron

Le drame, puis la disparition. Mahito doit quitter Tokyo pour partir vivre à la campagne, après avoir perdu sa mère lors d’un incendie. Le jeune garçon s’installe avec son père dans un vieux manoir situé sur un immense domaine. Il y rencontre un héron cendré. L’animal apparaît tel un guide et l’aide au fil de ses découvertes, une fois à l’intérieur d’un monde défiant nos lois et raisonnements.

Ne pas comprendre. Ressentir. Voici comment résumer Le Garçon et le Héron, dernier film en date du cinéaste japonais, Hayao Miyazaki. Nos yeux prennent le temps de s’habituer à un décor vert et ensoleillé, à des personnages aimant vivre, à une histoire bercée par une perception infantile. Que ne faut-il pas oublier ? Nous suivons les aventures de Mahito. Lorsqu’il débarque à la campagne, un nouveau chapitre s’ouvre à lui. Accepter son deuil. Accepter une nouvelle famille. Accepter.

Il ne s’agit pas de deviner si nous observons des rêves ou la réalité… quand Mahito suit le héron, c’est pour laisser jouer son imagination à 200%. Nous l’accompagnons sur son chemin. Faire table rase de nos connaissances devient une évidence. Une tour, si énigmatique, se transforme alors en refuge, où se croisent des personnalités du passé, des mirages éternels et des visages inoubliables.

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L’œuvre dévoile aussi une autre force du réalisateur passionné par la beauté de la nature. L’image parle d’elle-même. Le Garçon et le Héron illustre de vrais tableaux où les scènes s’enchainent pour déployer la maestria de l’artiste. L’animation est toujours aussi folle. Tant au début du long métrage, où flammes et vitesse se mêlent pour provoquer une prouesse technique, tant à sa fin, lorsque les cieux, la terre, l’espace s’ouvrent à un univers surnaturel, lumineux, cruel, mais aussi fragile. Devant ces constatations, une question demeure. Qu’est-ce qui intéresse Hayao Miyazaki ? En 2003, il partage une réponse claire et nette.

Les vrais paysages m’inspirent, les maisons banales, les êtres humains que je rencontre. Ce n’est pas en regardant des photos ou des films que j’ai appris mon métier. Ce n’est pas en regardant le cinéma qu’on devient cinéaste, c’est en observant la réalité du monde autour de soi.

Le douzième film du maître de l’animation est une réussite. En ces temps troubles, où les guerres se déroulent toujours à quelques kilomètres, l’œuvre épouse une vision sereine de la vie, surtout, à propos de notre envie de survivre. Même si nous perdons des proches chaque année, ils ne sont jamais très loin pour offrir leur flambeau… afin d’embrasser la dureté de l’existence.

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Les Bonnes Etoiles

Tout le monde a ses raisons, prononce Jean Renoir. Ce n’est pas parce que tout le monde a ses raisons que ces raisons sont équivalentes, complète François Bégaudeau. Ces mots rappellent un fait intemporel. Il n’existe pas de manuel expliquant comment être de bons parents. Hirokazu Kore-eda, s’il ne le pense pas, le démontre via Les Bonnes Etoiles.

L’histoire débute en suivant So-young. La jeune femme ne souhaite plus s’occuper de son bébé et le laisse dans une boîte prévue pour accueillir les enfants abandonnés. Elle se ravise rapidement et retourne chercher son bébé. Mais elle rencontre Sang-hyun et Dong-soo. Les gaillards lui proposent alors de vendre illégalement son enfant.

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Le thème n’est pas simple à aborder. Les évènements illustrés par Les Bonnes Etoiles attirent notre attention sur le trafic d’enfants en Corée du Sud. Ensuite, l’œuvre questionne nos responsabilités. Des parents doivent-ils laisser leur enfant à d’autres, lorsqu’ils vivent des situations misérables ? Ou doivent-ils coûte que coûte élever leur progéniture ?

Les protagonistes ne donnent pas de réelles réponses. Ils suivent leur instinct. Ils ne sont point présentés comme des criminels. Chacun essaye de survivre dans un monde où la survie ne devrait pas être la première préoccupation des plus petits. C’est pourquoi, en voyant l’état de So-young, les camarades prennent la route pour offrir un cadre familial digne de ce nom à son bébé.

Le réalisateur japonais ne coche pas la case dépression. Il dépeint des personnages sans vouloir exploiter un pathos explicite, sans afficher des caractères mielleux qui sonneraient faux. Les dialogues se suffisent pour comprendre la détresse de tout un chacun. L’ambiance ne se définit pas par des musiques pesantes et omniprésentes. Mais bien par des silences longs, véritables cachets pour décrire le mal-être d’une société.
Quand des parents abandonnent leur enfant, l’entraide est un signe divin.
Les Bonnes Etoiles l’annonce dès ses premières scènes émouvantes. A la fin de l’histoire, une et une seule question se pose. Qui assume encore ses actes, quand la société n’offre plus aucune perspective d’avenir ?

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Unicorn Wars : guerre au pays de Bambi

Et si les licornes n’étaient pas ces magnifiques créatures magiques, inoffensives ? Avec Unicorn Wars, Alberto Vazquez vient bousculer notre conception de ces créatures féeriques.

Le paradis perdu

L’histoire se passe dans un monde où une guerre terrible oppose les licornes aux ours en peluche. Selon la propagande des oursons, à l’origine, licornes et oursons vivaient en paix dans la forêt magique. Mais un jour, les licornes ont pris les armes contre eux à cause de la jalousie suscitée par la connaissance que les oursons ont acquit au fur et à mesure de l’histoire. À l’issu de terribles batailles, les maléfiques licornes gagnent et chassent les ours en peluche de la forêt magique.

La contre-offensive

Le film débute dans le Camp Joli Cœur, lieu où la compagnie d’oursons, formée par le sergent Gros Câlin, prépare la contre-offensive. Au premier abord, ce camp ressemble au monde des Bisounours. Cependant, tout change lorsqu’on aperçoit écrit sur la plaque d’entrée : Honneur, douleurs et bisous. Dès cet instant, le spectateur comprend qu’il n’est pas devant un film d’enfant.

L’histoire se concentre sur le développement de deux frère, Dodu et Célestin. À travers le regard de ces deux ours en peluche, nous suivons la préparation de la compagnie à l’art de la guerre.

Un film pour enfants interdit aux enfants

Unicorn Wars est typiquement le film qu’un parent, peu attentif, peut aller voir avec ses enfants. En effet, l’affiche ne fait pas spécialement peur et donne peu d’information sur l’œuvre en soi. La réalité est tout autre car Alberto Vazquez signe une réalisation qui est plus proche d’un film d’horreur que de Bambi.

Hormis le sang qui est très présent, notons également qu’il règne une atmosphère drôle et malsaine. C’est illustré notamment par le fait que la relation entre les deux frères est tantôt fraternelle, tantôt flirt avec l’inceste. De l’autre côté, la devise une bonne licorne est une licorne morte m’a personnellement fait rire.

Hormis le style de dessin très beau, le point fort du film réside dans son humour. Le réalisateur en use de manière particulière. Il mélange l’humour noir à un humour plus grotesque, et cela donne des répliques à mourir de rire.

La nature profondément cruelle des êtres

Au-delà de son monde haut en couleur, à l’instar d’un film Barbie, Unicorn Wars nous compte le récit d’une lutte entre deux camps qui ont une haine infinie les uns contre les autres. Cette haine conduit ces deux races à n’aspirer qu’à une chose, éradiquer l’autre.

Et pour y parvenir, chaque camp n’hésite pas à user de récits de propagande pour alimenter et justifier la haine de l’autre. Finalement, via Unicorn Wars, Alberto Vazquez livre un conte aux couleurs chatoyantes qui sonne comme un terrible rappelle que la haine pervertit même les meilleurs.

Fortuné Beya Kabala

Aftersun

Cette année, nous parlons peu du septième art. Mais un film retient l’attention. Bien plus qu’une production Marvel lancée par des scénaristes arriérés. Aftersun est une expérience cinématographique assez mémorable. Pourquoi ? Pour qui ? Pour tout le monde. Les films d’auteurs sont à surveiller. La première œuvre de Charlotte Wells ne fait pas figure d’exception. Elle s’adresse à un public prêt à trembler d’émotions.

Sophie se remémore ses vacances sur la côte turque avec son père, Calum. Elle s’amuse en faisant du karaoké, en se baignant. A cette période de l’histoire, elle se situe entre l’enfance et l’adolescence. Elle partage avec son père bonheur et conflit. À travers ses souvenirs, elle semble chercher des réponses. Les spectateurs deviennent ses yeux. Les yeux d’une jeune fille qui semble passer à côté d’un évènement tragique, d’un souvenir à la fois doux et amer.

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Aftersun est une expérience naturiste. Je ne choisis pas ce mot au hasard. Le Larousse vient à la rescousse. Naturiste signifie une tendance à prendre la nature pour seul guide dans son comportement, sa manière de s’alimenter, de vivre. La caméra filme chaque action en prenant en compte l’ennui, la spontanéité et complicité des protagonistes. Les décors nourrissent un imaginaire paradisiaque, quelquefois trompeur. De fait, Calum perturbe durant certaines scènes. Lorsque l’œuvre arrive vers sa fin, vous devinerez sûrement pourquoi ce père souffre d’un mal-être visible depuis nos sièges, invisible pour la petite Sophie. La relation père-fille apparaît alors comme un énorme point d’interrogation. A la fin de l’aventure, que reste-t-il ? Une question. Pourquoi ce long métrage est intense à regarder ?

Ma personnalité et celle de mon père sont la base de celles de Calum et Sophie. Mais est-ce que tout ceci s’est produit, est-ce que j’ai vécu ces vacances ? Non.Charlotte Wells

Nul besoin de voyager vers des galaxies pour décrire les failles des êtres humains. La mise en scène de la cinéaste est inspirante. Parfois, il suffit de puiser dans notre passé pour pondre un objet artistique poignant.

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Call Me by Your Name

Tu pleureras ; de tes lèvres montera le nom de l’ami que tu abandonnes et souvent ton pied s’arrêtera au milieu du chemin. Mais, moins tu auras envie de partir, plus tu dois penser partir.

Ces paroles viennent d’Ovide. Et s’il avait raison ? Existe-t-il un art d’aimer ? Faut-il le respecter ? Call Me by Your Name s’affranchit de ces questions. L’œuvre présente deux hommes, deux âges, deux personnages. L’un est fougueux et charmant (Elio, Timothée Chalamet), l’autre est séduisant et curieux (Oliver, Harmie Hamer).

Elio vit au sein d’une famille cultivée. Elle accueille Oliver, un Américain qui découvre les richesses de la Méditerranée. Il est censé aider le père du jeune adulte dans ses recherches archéologiques. La rencontre de nos deux acteurs bouleverse l’ambiance du film. Ils incarnent provocation, séduction et sensualité (tout en sueur !).

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Il ne s’agit pas de dominant ou dominé. Ce film n’impose aucune règle dans leur relation. Nos protagonistes font l’expérience de l’hédonisme dans une Italie excessivement idyllique. Trop beau pour être vrai, comme cette histoire de fusion. Rien n’arrête leurs initiatives, même si elles sont secrètes.
Les bonnes mœurs apparaissent toujours comme un mur dans nos mentalités. Pourtant, les amoureux parviennent à évoluer main dans la main. Elio symbolise véritablement la jeunesse dans sa forme la plus aventureuse. Oliver voit une opportunité de goûter un fruit inoubliable. Rien ne semble superficiel. Sauf que le temps ne sauve rien. Tout a une fin.

Un monologue offre une séquence mémorable. Face à son fil, le père d’Elio adopte une vision optimiste. Il comprend la souffrance du garçon vivant une douloureuse rupture. Sa sincérité fait mouche : Aujourd’hui, tu es triste, et tu souffres. Ne te débarrasse pas de ces sentiments, ils s’en iraient avec la joie que tu as ressentie. Ses mots feront méditer bon nombre d’entre nous. Au lieu de sombrer dans un fatalisme, il joue l’érudit. Pourquoi ? Car les expériences amoureuses nous appartiennent. Personne ne peut détruire le goût d’un baiser, une joie d’antan, une chaleur inestimable.

Le final de l’œuvre ne laisse point indifférent. Les larmes d’Elio… quelle scène, quels frissons ! Le voici séparé d’Oliver, pour de vrai. Que reste-t-il ? Sûrement le souvenir d’un été où aucun code ne dictait aucune action, où chaque folie guidait chaque décision. Ces souvenirs brûlent chez l’adolescent, comme chez les spectateurs. Personne ne peut éteindre ce feu sacré.

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