Saya Kisaragi, une jeune lycéenne japonaise, habite dans une petite ville paisible. Chaque jour, elle répète le même rituel avant de se rendre à son école. Elle salue son père qui est près d’un temple shintoïste, puis, va prendre son petit-déjeuner dans un petit café, à côté du temple dans lequel elle vit avec son père. Ce café, dénommé Guimauve, est tenu par un curieux personnage répondant au nom de Nanahara Fumito. D’apparence, il semble être une personne tout à fait normale. Mais au fil de l’histoire, nous verrons qu’il ne semble pas si normal qu’il ne le laisse transparaître.

À la nuit tombée, Saya n’est plus une lycéenne normale mais une chasseuse de démons appelés Enfants Ainés. Nous voici dans l’univers de Blood-C.

Vous me direz, pourquoi me suis-je intéressé à un anime qui ne semble proposer rien d’intéressant en termes d’intrigue ? Vous me direz qu’une histoire autour d’une personne qui mène une vie normale la journée et combat le mal la nuit n’a rien de très original. Vous avez raison. Cette façon de faire se retrouve dans tous les genres, que ce soit dans le cinéma avec le héros Batman, ou dans les dessins animés pour enfants avec Les Pyjamasques.

Blood-C semble, de prime abord, être un manga sans intérêt, mais arrivé à la moitié de l’œuvre, les choses deviennent très intéressantes car un évènement curieux se produit.

Un anime de type Power Rangers

Tout le monde connaît les Power Rangers. Mais savez-vous d’où vient ce genre de personnage très atypique ? Je vais certainement vous l’apprendre. Ca vient du Japon.

Nos Power Rangers viennent à l’origine des séries japonaises appelées sentai. Selon Ryosuke Sakamoto : Le sentai, ce sont 5 personnages identifiés par une couleur. Ils forment une équipe et se battent contre le mal.

Qu’est-ce que j’entends par anime de type Power Rangers ? Par ce terme, je parle d’une œuvre dans lequel le même schéma se répète à chaque fois. Dans les séries Power Rangers, il se passe toujours la même chose : les héros passent une journée ordinaire, un monstre apparaît, ils ont du mal à le battre, ils font appel aux Megazords puis, réussissent à vaincre le méchant de l’épisode.

Blood-C peut être placé dans ce genre car le même schéma ne cesse de se répéter. On peut le résumer de la façon suivante : Saya passe une journée ordinaire à l’école, elle rentre au temple, son père lui annonce qu’un Enfant Ainé vient de surgir, elle combat et élimine ce dernier.

Honore le pacte…

Comme déjà expliqué, l’anime est clairement ennuyeux à cause du schéma peu surprenant. Mais, un élément vient chambouler l’histoire. Saya remarque que les créatures qu’elle combat peuvent s’exprimer. Le premier Enfant Ainé qui vient à s’exprimer n’est pas très loquace.
Après avoir été vaincu, ce dernier prononce 3 mots : Honore le pacte. À partir de cet instant, le quotidien de notre héroïne n’est plus aussi répétitif. Au plus les démons sont puissants, au plus ils sont loquaces et lui rappellent qu’il y a un pacte à respecter. Mais ils n’abordent jamais le contenu de ce dernier.

Du sang mais pas que

Une des particularités de Blood-C, c’est la présence du sang. Dans le genre des animes, il est rare de voir beaucoup de sang car la censure y est monnaie courante. A travers Blood-C, oubliez ça. Vous penserez sûrement qu’il est assez normal qu’avec un tel titre, le sang soit présent. Je répondrai par l’affirmation mais je préciserai qu’il y a un double sens. En effet, visuellement, il y a beaucoup de sang mais le sang de Saya est d’un type particulier et il explique pourquoi elle est capable de combattre ces étranges créatures.

Quelle fin !

Vous souvenez-vous de la fin de Devilman Crybaby ? La fin de Blood-C est dans la même lignée, en gardant ses spécificités. Comme je ne cesse de le rappeler, tout est question de rythme dans cet anime. Et, les 2 derniers épisodes dénotent avec le reste de l’œuvre car tout s’accélère à une vitesse hallucinante. Cette accélération n’est pas un hasard scénaristique pour permettre de boucler la série au plus vite. Toutefois, elle s’inscrit dans un schéma cohérent, celui d’offrir à Saya, la compréhension du monde qui l’entoure. Au début de la série, elle n’a qu’une compréhension basique des évènements. Ensuite, arrive un élément qui lui permet de comprendre son monde. C’est également cet évènement qui marque l’accélération de la série.

Blood-C est un anime qui s’apprécie au fil des épisodes. Il nous force à nous calquer sur le rythme lent de l’intrigue. Et, cette façon de faire est intéressante car nous avons le temps de réfléchir, nous avons le temps de deviner les évènements à venir. Une fois que tous les éléments sont introduits, l’anime accélère vu que tout est lié et cela conduit à une fin des plus surprenante.

Fortuné Beya Kabala

Nous sommes les seules créatures sur Terre à raconter des histoires. Aucune autre créature ne raconte des histoires, même si certaines sont très futées, comme les baleines. Nous sommes les animaux conteurs. Nous nous racontons des histoires pour comprendre qui l’on est.

Salman Rushdie prononce ces paroles récemment. Il pointe la force des humains. A savoir, transmettre des mythes et légendes de générations en générations, depuis les temps anciens. L’écrivain se serait bien entendu avec Kentaro Miura. Malheureusement, une rencontre entre les 2 artistes est irréalisable. Le dessinateur japonais décède en 2021. Il laisse derrière lui une œuvre magistrale.

Berserk suit l’épopée martiale de Guts. Ame guerrière. Homme d’action. Etre déraciné. Guts est un protagoniste fascinant. En anglais, guts signifie tripes, entrailles. Le ton est donné. Le personnage principal défie viscéralement les démons.
Comment le prouver ? Primo, suite à une catastrophe maléfique, il voit sa vie basculer de la lumière à l’ombre et porte une marque maudite attirant les menaces surnaturelles. Secundo, le chevalier noir défonce des apôtres à l’aide d’une armure absorbant son énergie vitale. Doit-on retenir la sombreur du manga comme élément pertinent ? Probablement. Pour l’instant, n’analysons pas les mésaventures sanguinaires.

Kentaro Miura exploite énormément de thèmes bouleversants. Mysticisme assumé. Courage sans borne. Amour impossible. Une thématique précise m’inspire à écrire. La place de la famille. Dès les premiers tomes de Berserk, Guts suit la Troupe du Faucon. Menée par Griffith, cette bande d’amis constitue un premier socle important pour Guts. Il s’identifie et s’affirme aux côtés de ce groupe… quand soudain, Griffith enclenche un énorme sacrifice pour le bien de son idéal.

Guts est désormais isolé, face à plusieurs diableries. Comment s’en sortir ? Kentaro Miura développe alors son talent. Il amène son personnage vers une reconstruction. Reconstruire ses valeurs et choix. Après avoir subi une tragédie, notre héros rencontre de nouvelles personnalités diverses et variées. Schierke, jeune sorcière, prudente et valeureuse. Un esprit habile et calme nommé Serpico. Farnèse, prête à survivre quoi qu’il en coûte. L’enfant impertinent qu’est Isidro. L’auteur questionne donc notre rapport aux autres. Qu’attendre de notre famille ? Quel est le meilleur enseignement qu’on accepte de recevoir ?

A une époque où médias et politiciens divisent les populations, les planches du mangaka rappellent la force du collectif. Un proverbe africain résume ma pensée : Seul, on va plus vite. Ensemble, on va plus loin.

brunoaleas – Illustrations ©Kentaro Miura

Pour cette semaine manga, notre vénéré rédacteur en chef, Bruno (aka Drama pour les anciens de la vieille), me propose une belle idée : puisqu’on rédige souvent des critiques positives, pourquoi ne pas faire un top des pires animes ? Voilà une excellente initiative !

Alors, selon le recensement que j’ai fait sur MyAnimeList, apparemment, j’ai vu, dans ma longue vie d’amateur d’animation, environ 270 saisons d’animes. Des animes, j’en ai vu de toutes sortes : des excellents, de très bons, des moyens et des barbants. Mais ceux que je vais vous présenter maintenant mesdames et messieurs, soyez sûrs qu’il s’agit de la lie, des animés qui ne sont pas seulement de qualité médiocre, mais qui sont des insultes aux consommateurs qui auront le malheur de poser leurs yeux dessus.

3. Pupa

Quand quelqu’un dit que les animes sont vulgaires et que les Japonais sont des pervers, ce qu’il imagine être l’animation japonaise doit ressembler à Pupa. Cette mini-série raconte une histoire ayant puiser dans tout ce qu’il y a de plus répulsif.

L’histoire est simple. Utsutsu et sa sœur Yume se font violemment battre chaque jour par leur père. Utsutsu (non mais quel prénom…) décide alors de protéger sa chère petite sœur à tout prix.
Quand un virus étrange transformera la gentille Yume en un dégoutant monstre cronengbergesque, le grand frère devra se sacrifier pour l’empêcher de devenir une meurtrière. Mais pas de soucis ! Il a lui aussi contracté le virus. Mais lui, il ne se transforme pas en monstre, à la place, sa chair se soigne toute seule.

Le scénario, d’une idiotie sans pareille, est clairement une excuse de l’auteur pour représenter graphiquement toutes sortes d’horreurs provenues de son psyché malade : l’horreur, la violence physique, et surtout, l’inceste. Les scènes centrales du scénario, sur lesquelles l’auteur se focalise le plus, sont celles où la sœur, désormais assoiffée de sang, dévore et arrache des lambeaux de chairs de son grand frère. Des actions illustrées dans une scène mimant l’extase sexuelle…

Un scénario dérangeant et dénué de sens donc. Pour ce qui est du graphisme, si le manga original avait au moins l’intérêt de présenter des dessins de monstres assez effrayants et pouvant vraiment plaire aux amateurs d’horreur, les animateurs de l’anime n’avaient apparemment pas ce talent. Citons un monstre en particulier, il n’est qu’une masse rose avec quelques dents pointues. Il perd tout effet surprenant. Une catastrophe à éviter, absolument.

Mais au moins, Pupa est une mini-série composée d’épisodes de quatre minutes. La souffrance est donc de courte durée. C’est déjà ça !

2. Green Green

Green Green est une petite comédie romantique datant de 2003. Pas gâtée par son âge, l’animation et les designs des personnages n’ont vraiment rien pour eux. Mais si elle se trouve dans mon classement des pires animes, c’est bien avant tout pour son scénario.

L’histoire se concentre sur Yusuke, un jeune homme membre d’une école réservée aux garçons. Lorsque pour la première fois, lui et ses camarades partent en classe verte avec une école pour fille, tout le monde est impatient de côtoyer l’autre sexe. Qu’elle ne fut pas la surprise de chacun quand, à peine arrivé, l’une des écolières de l’autre lycée se jette dans les bras de notre protagoniste !

Green Green est une très, très simple comédie romantique. Toute l’intrigue se base d’un côté, sur les quiproquos amoureux de Yusuke, et de l’autre, les complots de ses camarades visant à voir, en général, les filles de l’autre école se baigner ou réaliser d’autres pitreries polissonnes. L’humour, très bas du front, lié aux caractères absolument insupportables des personnages, rend l’expérience de visionnage particulièrement irritante.
Finalement, c’est une histoire barbante, portée par des personnages agaçants faisant des blagues vulgaires, peu drôles.

Mais ce qui tire cet anime dans les bas-fonds, se résume à une blague qui m’a consternée au plus haut point. Bacchi-Gu, le petit gros pervers de service, tente d’observer le héros et sa dulcinée en train de s’embrasser, petit voyeur qu’il est. Or, v’làtipas qu’un ours le surprend. S’ensuit alors une scène hilarante (non). Notre pitre se fait allégrement ENCULER par l’ours, pendant, ce qui a l’air d’être, une éternité. Mesdames et messieurs, je souhaiterais nominer cette séquence comme étant le pire gag de tous les temps. Autant de mauvais goût en une seule scène, ça ne devrait pas être légal.

1. Tokyo Ghoul √A

Je veux bien l’avouer, ici, c’est personnel. Tokyo Ghoul est mon manga préféré. La première saison de l’anime faisait un assez bon travail pour représenter l’œuvre. Cependant, afin d’encourager les lecteurs à lire le manga, je suppose, les producteurs prennent une décision audacieuse : l’anime et le manga auront 2 histoires similaires, mais différentes, à partir de la deuxième saison. Si dans le manga, notre héros, Ken, crée sa propre faction de ghoules pacifistes, dans l’anime, il rejoindra les méchantes ghoules d’Aogiri, l’organisation terroriste dont il venait pourtant de s’échapper…

Je ne suis pas très sûr de comprendre la stratégie derrière ces choix. Néanmoins, ce qui est limpide, c’est que c’est un échec total. La série est une catastrophe. Dans cette version alternative de l’histoire, les choix de Ken n’ont absolument aucun sens et le sortent complètement de la trajectoire d’évolution qu’il suivait. Au lieu d’un Ken plus sûr de lui, de ses désirs, on obtient un personnage sombre et violent. Peut-être dans le but d’appâter les fans de Sasuke Uchiwa. Ces personnes pour qui la vie ça pue.

Sans oublier, une absurdité. Le but des créateurs était d’attirer les lecteurs vers le manga, en continuant de produire normalement une saison 3. Il a bien fallu que les évènements importants restent les mêmes. Imaginez donc les incohérences scénaristiques de certains choix forcés pour respecter ce plan irréalisable.

Un autre fait m’a encore plus choqué. A la fin de la série, les caisses étaient complètement vides. La qualité de l’animation baisse drastiquement jusqu’à tomber à des niveaux plus bas que jamais. Une scène censée être émouvante à la fin de l’anime, où Ken porte le corps sans vie d’un de son allié, dure littéralement 3 minutes. 3 minutes de Ken marchant lentement, animé si pauvrement qu’on croirait par instant que seuls ses cheveux sont animés. Comme si on assistait à une pub déguisée pour un shampoing. Par pitié, allez lire le manga et lavez-vous des péchés commis par cette adaptation. Elle est clairement la pire des pires.

Pierre Reynders

Dans ma tête, quand j’étais enfant, j’avais le fantasme de dessiner un manga où la fin est la partie la plus excitante ! Je me demande si je peux en faire une réalité désormais !
Eh bien, j’ai bientôt fini l’arc Wano. Les préparatifs sont presque terminés. Cela m’a pris 25 ans… lol… cependant, vous êtes les bienvenus si vous commencez à me lire aujourd’hui. Parce qu’à partir de maintenant ça va être – le – One Piece ! Je vais dépeindre tous les mystères de cet univers que j’ai cachés jusqu’à présent. Ça va être amusant. Attachez vos ceintures et profitez du voyage !!! -Eiichirō Oda, communiqué datant de juillet 2022

One Piece est un manga encastré dans mon cœur. Dès l’enfance, son créateur, Eiichirō Oda, exploite intelligemment plusieurs thèmes universels : amitié, curiosité, loyauté, bravoure, etc. Or, l’équipage du Chapeau de Paille découvre mers et terres depuis près de 30 ans ! Est-ce lassant ? Pas vraiment. Néanmoins, il est temps d’apporter des réponses aux lecteurs.

Le majeur défaut de l’auteur se résume en peu de mots. Il ajoute trop de mystères à son récit. Le siècle oublié. L’origine du gouvernement mondial. L’incident de God Valley. L’identité du premier Joy Boy. Le point commun réunissant les porteurs du D., initiale mystique. Le véritable rêve de Luffy… bref, les premières énigmes de la série sont pratiquement éclipsées.

Je ne souhaite pas cracher sur le manga le plus vendu au monde. Par le passé, nous pointions déjà quelques problèmes de l’œuvre. Je me préoccupe plutôt de son final. Voici quelques questionnements :

➜ Il y a tellement de mystères à résoudre. Comment ne pas bâcler le travail ? Est-il possible de relier tous les points d’interrogations du manga ?

➜ Si l’auteur vient à mourir, pourrions-nous voir un/e autre mangaka reprendre le flambeau ?

➜ Imaginons le final réussi. Puis, imaginons plusieurs suites publiées juste après. Ces suite ne viendraient-elles pas gâcher 30 ans de lecture ?

➜ La conclusion de Game of Thrones fut décevante,  – euphémisme activé –. Les derniers épisodes sont à ce point ruinés qu’il est impossible de conseiller la série. One Piece risque gros. Si son final est foiré, il sera difficile de conseiller la lecture du manga, comme si de rien n’était.

Désormais, je lis One Piece comme s’il s’agissait d’un feuilleton. Mais, je demeure fan. Féru d’un univers riche et vaste. Actuellement, Luffy et ses amis débarquent à Egg Head, l’île où se trouve un fameux scientifique, un puits de connaissances. Espérons recevoir plusieurs réponses, savourer les révélations !

brunoaleas – Illustrations ©Eiichirō Oda

Vous rêvez d’aller au Japon ? Mais comme moi, vous n’avez pas un rond ? JCCLM a LA solution ! La Cité Ardente regorge d’endroits où vous pourrez, le temps d’un instant, vous téléporter dans vos mangas ou animes favoris. Bienvenue dans notre tour, au Pays du Soleil Levant made in Liège.

Notre voyage commence chez Wabi Sabi, au 9 Boulevard Saucy. Un concept store où vous pourrez boire un verre ou manger de délicieux bentos (mais pas que…), assis sur un tatami. Puis repartir avec un souvenir, un kimono et des délicieux ingrédients pour refaire vous-même le plat que vous venez de déguster.

Tout ici rappelle avec nostalgie les restaurants de nos mangas : un endroit petit et chaleureux, la chef cuisinant avec passion, les conversations pleines de vie de tout un chacun, l’odeur apaisante de nos repas. L’ensemble se mêle pour créer un moment hors du temps.

Je suis allée à la rencontre de Vincent, patron de Wabi Sabi. Il se passionne pour le Japon notamment grâce au Club Dorothée. Aujourd’hui, il est actif dans l’ASBL Passerelle Japon et cela, depuis 14 ans. La naissance de son concept store s’est faite d’un subtil mélange entre une envie forte d’indépendance, de son amour pour le Japon, celui transmis par sa maman concernant la cuisine, inspiré par des voyages entre Montréal et New-York, où ce type d’établissement est en vogue.

Lors de notre échange, nous avons pu discuter des œuvres qui ont bouleversé et influencé sa vie. Elles sont multiples. Il y a entre autres Théo ou la batte de la victoire, en japonais Touch (très peu connu ici). Vincent nous partage les thèmes abordés : la jeunesse et le premier amour, traité avec drame et humour. Pour ceux qui seraient curieux de découvrir cet anime de niche, n’hésitez à aller découvrir son opening.

L’univers de Takeshi Kitano l’a aussi marqué comme son film de boxe Kids Return. Avec un coup de cœur pour la musique de Joe Hisaishi.

Toutes ces influences peuvent se ressentir dans son établissement. Quasi tout ce que je mets ici je les ai vu dans les dessins animés, déclare Vincent. Par exemple, les estampes, les tatamis, le shôgi viennent tout droit du monde du Ranma 1/2 !

La porte de Wabi Sabi, tel un portail, nous mène vers une expérience immersive visuel, gustative et remplie de souvenirs. Alors, si vous êtes de passage en Outremeuse, n’hésitez pas à l’ouvrir ! Qui sait ? Peut-être qu’un de vos personnages favoris vous y attendra…

Après un descriptif du resto, il est temps de savoir ce que souhaite Vincent à ses clients, lorsqu’ils sortent de son établissement. Le jeune homme va droit au but.

Qu’ils aient voyagé justement. Pour moi, c’est le plus important. Qu’ils aient vécu une expérience, que ce soit culinaire, mais pas que (…) Ce que j’aime bien aussi, ce que je trouve important et que j’adore, c’est quand les gens se rencontrent. Ils ne se connaissent pas et s’échangent leurs expériences. Ça me transporte.

C’est ici que notre premier voyage se termine. Restez à l’affût ! D’autres adresses exceptionnelles vous seront proposées tout au long de l’année.

Mouche – Photos ©Karl Delandsheere

La vie doit-elle avoir un sens ? Est-ce qu’un homme doit posséder un rêve pour exister ? Y a-t-il tant de mal à se laisser porter par les flots du temps, à s’oublier jusqu’à ce que nos choix soient faits à notre place ? Eh bien… certainement… oui.

Disons simplement que comme tout, c’est plus facile pour certains que pour d’autres.

Choujin X est la dernière œuvre de Sui Ishida, l’auteur de Tokyo Ghoul (qui se trouve être mon œuvre favorite). Et ce qui est sûr, c’est que même si graphiquement, il a énormément évolué depuis ses débuts, on reconnait bien son style et univers. En effet, les thèmes explorés au niveau de l’univers sont globalement les mêmes. Dans ce monde, certains humains sont des mutants/surhommes appelés Choujins. Un Choujin a le droit entre être renoncé à utiliser ses pouvoirs, être un criminel, ou devenir un keeper et utiliser ses pouvoirs pour le bien de tous. Puis, où se porte notre attention ? Sur deux lycéens. Tokio et Azuma sont très différents et pourtant ils sont meilleurs amis. Azuma est un garçon plein de ressources et semble être inarrêtable, tandis que le timide Tokio est indécis et vit dans l’ombre de son meilleur ami, tout en lui portant assistance comme il le peut. Leur destin sera à tout jamais bouleversé lorsque, acculé par un dangereux Choujin, ils n’auront d’autre option que de devenir eux même des surhommes.

Lorsqu’on prend du recul sur la prémisse, le scénario ne s’éloigne pas trop de Tokyo Ghoul. Les thèmes explorés au niveau de l’univers sont globalement les mêmes. Ici, on part plutôt sur des études de personnages très poussées. Les pouvoirs des Choujins sont liés à leurs inconscients et c’est en partant à la découverte de leurs propre personne que nos protagonistes apprennent à maîtriser leurs pouvoirs. Notre héros timide devra essayer de comprendre pourquoi son pouvoir le rends si fort et exubérant, et pourquoi, malgré sa modestie, il prend la forme du vautour, l’oiseau qui vole le plus haut. Son meilleur ami devra essayer de comprendre pourquoi lui, qui est si fort et qui a tellement confiance en lui, n’a pas réussi à développer le moindre pouvoir. Et bien sûr, c’est à coups de virements scénaristiques et de puissantes réalisations de nos protagonistes que l’histoire progressera.

Il y a aussi beaucoup de mystères. Ils ne reposent pas sur les personnages mais plutôt sur des plans cryptiques contenant des représentations symboliques. Plus on en apprend sur le monde des Choujins, plus notre sang est glacé. Le récit prend un peu de temps à démarrer, mais un excellent combat au tome 2, et certaines révélations exaltantes au tome 4, ne manquent pas de faire désirer la suite.

Le pouvoir et l’apparence d’un Choujin seront toujours en raccord avec les désirs de la personne qui contracte les pouvoirs. Souvent, lorsque quelqu’un devient cette créature, il entre dans un état de folie et d’hyperfixation. Notons un cas fascinant, un baseballeur connu pour ses balles plongeantes. Quand il se métamorphose, ses attributs physiques prennent l’apparence des équipements de baseballeurs. Son pouvoir est d’augmenter la gravité des choses pour qu’elles plongent comme ses balles. 

J’ai vraiment adoré les scènes d’actions de ce manga. Depuis Tokyo Ghoul, un grand effort de clarté est effectué. Les batailles sont de vrais ballets de violence mouvementée. De la pure brutalité. Une des caractéristiques les plus intéressants des Choujins est ce qu’on appelle le raise. Deux ou trois fois par combat, lorsque les surhommes meurent, il peut tenter de revenir d’entre les morts, bien plus fort qu’auparavant. Cela les poussera à utiliser des tactiques très risquées. Parfois, ils se brisent même la nuque tout seul, afin d’obtenir un avantage décisif. Cela donne des affrontements complètement débridés où les combattants n’ont aucune retenue.

En somme, on peut dire que j’ai été complètement conquis par cette œuvre. Bien qu’elle prenne un peu de temps à démarrer, cette nouvelle œuvre de Sui Ishida a beaucoup de chance de supplanter son œuvre précédente, dans la liste de mes mangas favoris.

J’aimais Tokyo Ghoul à la folie, pas pour les dessins, pas pour l’action et encore moins pour cette triste adaptation animée qui ne lui fait pas honneur, mais bien pour le soin, l’amour et la poésie que l’auteur insuffle à son personnage principal. Ken est un personnage qui avait besoin d’évoluer, de se remettre en question sans cesse. J’ai l’impression qu’à travers Choujin X, ce n’est pas à un, mais bien à trois personnages que ce soin va être apporté. Couplant cela aux nombreuses améliorations de l’auteur sur son dessin et son découpage, je ne peux qu’avoir de plus en plus hâte, à chaque tome sorti, de connaitre la suite !

Rêve, espoir, ambition, persévérance…

Rage, justice, beauté, amour…

Aux Choujins

La destinée fait don d’une apparence et d’une force qui leur conviennent le mieux.

(…)

Et lui, qui l’est devenu… ce garçon… la détenait-il réellement, cette fameuse nature ?

Pierre Reynders – Illustrations ©Sui Ishida

La nouvelle est tombée… Akira Toriyama n’est plus des nôtres. Comment y croire ? L’artiste derrière Dragon Ball, Arale, Blue Dragon, et bien d’autres dingueries, nous quitte à l’âge de 68 ans. Pourtant, il est impossible d’y croire… avouons-le, l’auteur fut la figure artistique la plus inspirante de ces dernières années. Pensez à DBZ. Combien de personnes, fans ou détracteurs, se souviennent de Goku, ses amis, ennemis et objectifs ?! Les 7 boules de crystal. Vegeta. Les haricots magiques. La liste est longue. Les références perchées et bons souvenirs sont beaucoup trop nombreux.

Le premier épisode de Dragon Ball donne le ton. On découvre Son Goku, un enfant doté d’une force surpuissante. Il se joue d’un tigre à dents de sabre et pêche un piranha géant. Il vit simplement avec ce que lui procure la nature. Il chérit aussi un don de son grand-père, une boule de cristal. Un beau jour, il rencontre Bulma, une jeune fille de la ville. Les jeunots décident ensuite de partir vers l’inconnu. Une fois aux côtés du candide Goku, nous voici plongé à l’intérieur d’un monde vaste, riche, mais surtout, surprenant. Akira Toriyama dévoile alors des scènes cocasses, érotiques, absurdes, épiques, mémorables. Ce qui démarre comme une aventure banale, deviendra un mythe. Goku représentera une figure héroïque. Pourquoi ? Le protagoniste fait preuve de bonté en respectant une attitude admirable : il relève n’importe quel défi, partout et tout le temps !

Goku marque les esprits car il ne freine devant rien, ni personne. La peur n’est plus un obstacle. La soif de pouvoir n’est nullement un idéal. Le cœur n’est pas de pierre. Vous l’aurez compris, Akira Toriyama pond une bande dessinée fascinante. Comment l’oublier ? Ou plutôt, oubliera-t-on sa patte artistique, son magnifique univers ? Le dessinateur trace une histoire intemporelle. Akira Toriyama est immortel.

brunoaleas

J’aurais pu encenser One Piece, continuer à lire HunterxHunter, mais je préfère découvrir les nouveautés de cette année (exception faite à Chainsaw Man, dinguerie toujours plus créative). Du Mouvement de la Terre surprend tant son cadre et propos fascinent. Dans l’Europe de la fin du Moyen Âge, les lecteurs apprennent ô combien le Savoir est une arme. Le jeune personnage principal devra douter pour comprendre que ses convictions sont fausses.
Puis, mon numéro uno fait honneur à un poète de l’image. Hayao Miyazaki débarque à temps pour rappeler que la seule victoire à gagner est une paix entre les peuples. Ses œuvres nous embarquent dans cette idée pacifiste et Le Voyage de Shuna développe plus précisément, l’esclavagisme. Le manga, illustré par d’incroyables aquarelles, introduit déjà un thème évident dans la filmographie de l’artiste : l’enfance demeure une lueur d’espoir au sein de nos sociétés ravagées par la haine. –brunoaleas

TOP 3

1. Le Voyage de Shuna – Hayao Miyazaki

2. Chainsaw Man – Tatsuki Fujimoto

3. Du Mouvement de la Terre – Uoto

Illustration ©Antoine Wathelet

Pourquoi est-ce si dur d’exprimer ses sentiments ? Pourquoi est-ce que l’avis des autres m’importe tant ? La peur de voir ses fiertés détruites par le regard de ses pairs nous rend si malheureux, mais en même temps, elle donne un intérêt à la pratique de l’art. Artistes de tout genre, jeunes, vieux, débutants et vétérans, rassemblez-vous tous autour de l’œuvre nommée Blue Period.

Nous suivons l’histoire de Yatora Yaguchi, un lycéen de dernière année. Beau, intelligent et populaire malgré son style de mauvais garçon. Il vit sa vie en se laissant porter au gré du vent. Yatora prend ses études et ses relations sociales très au sérieux et voit tout sous le prisme de la question Que dois-je faire ?. Il n’a aucune passion, aucune vraie envie. Il n’est pas malheureux ou déprimé, mais sa vie manque de relief.

Un jour, par hasard, il tombe néanmoins sur le tableau d’une élève en club d’art. Cette vision le subjugue littéralement et à partir de là, en essayant lui-même la peinture, il découvre un tout nouvel univers et un moyen de remplir le vide qui l’habite.

Il entre en contact pour la première fois avec sa propre sensibilité et son monde intérieur et découvre l’ivresse de la véritable expression. En réfléchissant à sa propre vision des choses et en trouvant une occasion de la transmettre sans mots, il a pour la première fois l’impression de vraiment communiquer avec les autres.

J’aime vraiment ce manga. Tout d’abord, je l’ai repéré de la meilleure manière possible : la couverture m’a complètement accroché.

La plupart des couvertures de manga sont très belles, mais ne parlent finalement qu’à ceux qui connaissent. Rares sont les concepts de couverture vraiment accrocheurs. Ici, presque toutes les couvertures nous montrent un personnage différent du manga. Et à chaque fois, on nous le présente sous la perspective… du tableau qui est en train d’être peint. Cela donne une merveilleuse occasion de voir les personnages dans leur transe créative, mis dans de magnifiques couleurs et débordant de personnalité.

Pour ce qui est du dessin, c’est sympathique sans non plus dépasser des sommets. L’auteure est douée pour les expressions, ce qui aide bien son récit, mais il n’y a pas de fulgurance particulière à déclarer. Les nombreuses œuvres d’art sont empruntées, avec leurs accords, à des étudiants en arts japonais. On y ressent une bonne impression d’authenticité. Mais deux petits problèmes : l’absence de couleurs est clairement en défaveur de ces œuvres et, puisque souvent plusieurs artistes différents prêtent leurs œuvres au même personnage, le fait que celui-ci peigne des œuvres avec des styles complètement différents, qui n’ont vraiment rien à voir l’une avec l’autre au niveau du style, est tout de même un peu troublant.

Mais bien sûr, toute l’âme de l’œuvre se trouve dans son scénario !

Le récit, qui aurait pu être très court et même se résumer au premier tome, ne cesse malgré tout d’approfondir son sujet et d’explorer toujours plus profondément les tourments qui peuvent animer l’âme de chaque artiste.

Yatora débute complètement dans le dessin. Il aura de très nombreuses leçons à apprendre de la vie d’artiste. Vivre de sa sensibilité nous rend vulnérable et les périodes de doutes et de remises en question seront légion. Tant de thèmes sont explorés que je ne pourrai les mentionner, comme l’expression de soi, le regard des autres ou le fameux débat qui fait rage depuis la nuit des temps : mieux vaut-il avoir du talent ou faire beaucoup d’effort ?

Mais au-delà du scénario, j’aime la manière dont le manga introduit son lecteur à son sujet avec beaucoup de patience et de compréhension. Le monde de l’art n’est pas accessible à tous. Les concepts et les techniques de base sont bien expliqués et on ne se sent jamais dépassé par le propos, peu importe à quel point on l’approfondit.

Blue Period n’est pas seulement une œuvre qui parle d’art, mais avant tout une analyse minutieuse des artistes. À sa lecture, il se pourrait que vous en appreniez plus, non seulement sur l’art, mais sur l’artiste qui sommeille en vous également, et ça, ça vaut bien le détour.

Pierre Reynders

Rien de mieux que des animes avec peu d’épisodes. Ils sont simples, efficaces et percutants. Voilà leur recette. Ils sauront vous transporter sans qu’un goût de trop peu ne vienne tout gâcher. Ils auront la qualité de ne pas vous lasser. Koni no tabi : The beautiful World, ReLife, Araburu et bien d’autres en font partie ! Ils seront sujets à plusieurs articles écrits dans les prochains mois. Aujourd’hui, je présente Kotaro en Solo.

Voici votre nouveau voisin ! Il s’appelle Kotaro, a 4 ans et vit seul. Il est espiègle, borné, rempli d’imagination, insouciant, touchant et surtout il a dû grandir trop vite. Il a besoin de vous, de votre amour mais il ne vous le dira pas. Il doit déjà être adulte. Pour lui c’est une nécessité. Il n’a pas besoin d’aide ! Il vous fera rire et pleurer. Vous agacera et vous épatera. Mais malgré lui et malgré vous, l’immeuble dans lequel vous vivez deviendra sa nouvelle famille. Petit à petit, il se laissera aller dans vos bras. Il se laissera le droit d’être un enfant.

Kotaro en solo met en avant avec justesse et finesse ce que peut vivre un enfant qui, très tôt, est obligé d’affronter l’abandon. L’anime arrive à faire comprendre les mécanismes internes (et les comportements qui en découlent) qu’un petit être à peine né peut développer pour se protéger face à ce type de traumatisme. Ceci en partie grâce au travail de recherche sur la psychologie de l’enfant abandonné qu’a certainement dû faire l’auteure, Mami Tsumura. Je sens à plusieurs reprises que les problématiques amenées dans les épisodes sont approfondies et recherchées. J’ai l’impression de refouiller mes cours, de revivre des discussions avec mes professeurs de psychologie, lors de ma formation en éducation spécialisée. Ainsi, je conseille vivement cette série à de futurs travailleurs sociaux ou futurs psychologues. Kotaro sera d’une grande aide pour mieux appréhender vos cours et mieux comprendre la théorie vis-à-vis de ce thème.

La plus grosse force de l’œuvre réside dans la mise en scène de la thématique de l’abandon. Elle allie humour et émotion avec brio au point d’être joyeux et triste, sans qu’une émotion n’en surpasse une autre. Elles se complètent. Je ressens alors un sentiment particulier. Comme si l’autrice tentait d’expliquer qu’un enfant coupé de liens familiaux ne doit pas être accompagné avec un excès de tristesse ou dérision. Ni avec surprotection, ni avec négligence. Mais avec tendresse, une douce fermeté, gaieté et amour.

Kotaro en solo fera de vous un voisin comblé, le tout en 10 épisodes.

Mouche

Il est 15h30, la cloche sonne. Je mets tout dans mon sac et me dirige vers le bus scolaire. Je n’ai qu’une seule hâte, revoir mon compagnon d’infortune. J’arrive devant la maison, je rentre. Je suis beaucoup trop impatiente. Je m’installe devant la TV. Naruto est là, l’aventure peut commencer. Je plonge dans un récit où le personnage principal est rejeté de tous parce qu’il accueille en lui un Démon Renard à Neuf Queues. Il devra se battre pour se faire accepter des autres ninjas du village de Konoha.

J’ai 11 ans lorsque je fais la rencontre de cet anime. Cette œuvre me procure des émotions suffisamment fortes pour me donner l’impression que l’univers des ninjas existe et que j’en fait partie. Quand on est une enfant aux amitiés bancales qui a du mal à trouver sa place, ce monde devient quasi instantanément un endroit où je me sens épanouie. Naruto Uzumaki, à travers son parcours, sa ténacité et sa joie de vivre, a pu, d’une certaine manière, me soutenir.

J’ai 23 ans. J’enregistre une série de podcasts pour une Maison de Jeunes où j’effectue mon stage. Ayant plus que remarqué l’attrait de quelques adolescentes pour les mangas, je décide d’entamer une discussion sur ce sujet. Après quelques minutes d’échange, nous citons Naruto. Là, je suis surprise et touchée. Des larmes coulent sur le visage de 2 d’entre elles. Le petit rejeté de Konoha les chamboule.

Naruto est une œuvre bouleversante parce que Naruto Uzumaki a été discriminé. Il a perdu ses parents, il a été tout seul toute son enfance. Ça m’a bouleversé parce que parfois, ce sont des choses qui arrivent dans la vrai vie.
Le voir évoluer, devenir Hokage et papa, c’est trooop. C’est vraiment une leçon de vie, une leçon de morale. Ça montre que le travail paye. –Anonyme, 18 ans

Ce qui me bouleverse, c’est le fait qu’il soit seul versus le reste du monde. Tu le vois petit sans personne et là, il est suivi même par les personnes qui le jugeaient. Naruto n’est pas devenu méchant alors qu’il aurait pu le devenir après tout ce qu’il a vécu. –Anonyme, 17 ans

12 années s’écoulent entre le moment où je découvre Naruto pour la première fois et l’instant où ces jeunes ont été chamboulées. Pour moi, la force d’un manga réside dans sa capacité à changer, bousculer, aider, faire évoluer le réel. La première partie consacrée à Naruto (à la différence de sa suite nommée Shippuden) réussit avec brio ce défi… ce shonen m’a aidé. Il a montré à ces jeunes que tout était possible malgré l’adversité. Nous nous sommes reconnues en lui et ce, peu importe la génération.

Ce que je trouve le plus bouleversant et impressionnant, c’est que même si Naruto a été seul, moqué de tout le monde, il a su garder sa fierté, il ne s’est jamais rabaissé à se dire que c’était fini. Il a toujours cru en lui, même si personne ne croyait en lui. Même si tout le monde lui tournait le dos, lui était là pour lui. Au final, lorsqu’il a grandi, les gens étaient là pour lui. Ce retournement de situation est bouleversant. Il est toujours resté fidèle à Sasuke. Il a toujours gardé ses valeurs. Il a essayé de le chercher, de le faire revenir à la raison. Franchement digne d’un vrai ami. –Anonyme, 15 ans

Mouche – Illustrations ©Masashi Kishimoto

Les malédictions seraient-elles parfois des bénédictions ? C’est grâce à mes souffrances que je peux aimer comme ça. C’est grâce à mes larmes que tes baisers sont si doux. Et il n’y a aucun malheur que l’amour ne saurai pardonner.

Ranking of Kings, qui se traduit par Le Classement des Rois, à la particularité d’avoir été réalisé par Sōsuke Tōka, un créateur de livres pour enfant. Lorsqu’il a commencé à écrire l’histoire de ce petit prince sourd-muet, il n’a pas pu s’arrêter d’écrire et, pris dans cette frénésie créative, le projet a fini par devenir un manga.

Cela explique pourquoi le dessin et le scénario sont aussi différents du reste, un esprit enfantin nostalgique imprègne cette œuvre. Dessins très simples, peu détaillés, et scénario à la fois très simple et pourtant si profond.

Nous suivons l’épopée du Prince Bojji, fils de géant et héritier de la couronne, un petit garçon sourd-muet et frêle comme une brindille. Qui l’accompagne ? Son ami l’ombre. Leur objectif sera de faire de Bojji un grand roi puissant, capable de se hisser à la toute première place au classement des rois.

Comme je l’ai dit plus haut, si le scénario du manga est magnifique, les dessins sont trop simplistes. Il n’y a presque aucun détail et le manque d’expérience de l’auteur dans ce médium se fait ressentir.
Heureusement, une adaptation en anime est sortie et celle-ci est excellente. Tout en étoffant l’esthétique et les arrière-plans, les magnifiques couleurs et l’animation fluide transforment une œuvre sympathique de par son scénario en véritable bijou. La musique médiévale qui parcourt le dessin animé est légère et optimiste. Elle donne une atmosphère joviale à l’ensemble. On a presque l’impression de regarder un dessin animé occidental, tellement ce style de dessin, de musique, change des autres animes japonais.

Pour ce qui est du scénario, je dois bien avouer avoir été très impressionné. Ranking of Kings repousse toutes les limites de la narration, bouleversant notre empathie et sensibilité. Qui aurait cru qu’une œuvre avec une façade aussi infantile cachait en son sein une des histoires les plus touchante que l’animation peut proposer ?

Ranking of Kings possède bien un personnage principal en la personne de Bojji, certes. Mais dans les faits, ce manga fonctionne presque comme une anthologie. Même si on a envie d’encourager ce petit héros vertueux tout du long, le soin apporté aux autres personnages est juste décoiffant. Chaque personnage secondaire sans exception possède à la fois une origine détaillée, mais aussi des objectifs, des valeurs et des sentiments complexes qui lui sont propres et qui font avancer l’histoire par leurs exécutions.

A l’écran, de nombreux sujets difficiles défilent. Ils sont développés avec beaucoup de délicatesse, de sensibilité. On nous parlera de deuil, discrimination et regrets. En se souvenant que rien ne peut balayer un amour sincère et rien ne peut vraiment séparer les cœurs conjugués, nos personnages traceront la voie vers un plus bel avenir.

Chaque mal provient de quelque part. L’âme humaine tend naturellement vers le bien mais les blessures du passé peuvent nous pousser à nous méprendre. Mais c’est aussi en traversant des épreuves qu’on apprend, qu’on comprend, et qu’on grandit… vous pouvez compter sur Bojji pour vous le montrer.

Pierre Reynders