A de nombreuses reprises le cinéma s’est intéressé à la vie politique, aux arcanes d’un pouvoir qui nous est souvent (trop?) opaque. Entre Frank Capra, Bertrand Tavernier, Otto Preminger, et Roman Polanski, nombreux sont les cinéastes ayant tenté de montrer ceux qui nous dirigent de façon satyrique, plus humaine, ou à l’inverse plus cynique, voire machiavélique. L’excellente série House of Cards, produite par David Fincher, en est un des exemples les plus contemporains. Sans pour autant embrasser ce parti pris radical, Henri Verneuil, l’un des plus grands cinéaste de genre français, auteur de Un Singe en Hiver, Week-end à Zuydcoote, Le Clan des Siciliens, livre un récit teinté d’amertume sur la politique française telle qu’elle se pratiquait sous la IIIe République. Mais pas que.
Membre d’un groupe français, séjournant à Bruxelles, nommé Insecte, Oscar Pouts-Lajus a accepté de répondre aux questions de DRAMA. Après votre lecture, vous n’aurez plus aucun secret au sujet de ce petit phénomène en expansion !
D’où tirez-vous ce nom de groupe ?
À l’origine on s’appelait Inceste. Douce provocation qui n’a pas fait rire tout le monde. Dans notre intérêt, on a préféré inverser 2 lettres et voilà Insecte. Beaucoup plus facile à porter.
Pourquoi avoir choisi de chanter en français et non pas en anglais ?
Au début, je chantais en anglais. J’ai essayé un premier morceau en français (« Fil d’eau Fil d’air ») et j’ai trouvé ça tout de suite plus originale et plus intéressant. Comme mes influences sont en grande partie anglo-saxonnes, le simple fait de chanter en français me donne la sensation d’être moins dans le mimétisme d’une culture qui n’est en fait pas la mienne. Depuis quelques années, le français revient à la mode. Je pense que c’est une bonne chose.
Est-ce que les paroles de vos chansons ont une place importante (où les mots ont une certaine profondeur) dans vos compostions ou vous choisissez des mots juste pour qu’ils collent à une certaine mélodie, pour leurs sonorités ?
Avant d’écrire le texte d’un morceau, je compose toujours la mélodie. Les paroles sont donc au service de la mélodie. C’est rarement l’inverse. Le texte a tout de même son importance, même si il reste étrange, voire énigmatique. Le but c’est que chacun peut l’interpréter comme il le souhaite. Ça pousse à l’imagination.
N’avez-vous pas peur de vous renfermer très vite et très facilement dans un seul style de musique ?
Pas spécialement. Les 2 EPs ont été fait pendant la même période et sont liés. Il fallait qu’il y ait une certaine homogénéité entre les morceaux. On verra l’évolution qu’aura pris le prochain album.
Quels sont les auteurs, chanteurs, cinéastes qui vous ont poussé à faire de la musique ?
J’ai commencé à composer quand j’étais au collège. À l’époque j’écoutais les groupes du moment, c’est-à-dire Radiohead, Arctic Monkeys, The Strokes, etc. Mais très sincèrement j’ai toujours été passionné par la musique en générale. Je ne pense pas que ce soit des auteurs, chanteurs ou cinéastes en particulier qui m’ont poussé à faire de la musique.
Quels sont les albums que vous admirez pour le moment ?
Le dernier album que j’ai adoré c’est celui d’Arca qui s’intitule également Arca. Sinon je citerai Drunk de Thundercat, Process de Sampha, Recto Verso de Paradis et Have You In My Wilderness de Julia Holter. Ah oui, et Currents de Tame Impala bien sûr.
La chanson « Tokyoto » me fait énormément penser aux sons du groupe Le Colisée, les connaissez-vous ? Si oui, serait-il possible de voir une future collaboration entre eux et vous ?
Oui effectivement on les connaît. J’ai déjà fais des enregistrements pour leur prochain album. On verra comment cela évolue. Il y aura surement une collaboration avec David pour un projet futur d’Insecte.
Qu’est-ce qu’annonce et qu’est-ce qu’il faut comprendre dans le « Au Revoir ! » lâché de multiples fois dans le dernier morceau deDeux?
Je pense qu’on peut tout simplement voir ce morceau comme l’outro des 2 EPs. Et ça veut surtout dire qu’Insecte reviendra très prochainement avec de nouveaux projets.
DRAMA Interview faite le 21/04/17
Première photo : Lev. (prise à son, au Welcome Spring Festival, le 26/04/17)
Nocturnal Animal est le second long-métrage du styliste et cinéaste texan nommé Tom Ford.
La ville et les alentours désertiques de Los Angeles sont mis en exergue dans ce thriller us bien ficelé. Ce film focalise surtout son récit autour du personnage de Susan Morrow (Amy Adams). Galeriste blasée de son travail, femme trompée par son mari, elle reçoit le nouveau roman de son ex-mari, Edward (Jake Gyllenhaal). Les pages de ce même manuscrit appelé « Nocturnal Animals » développent une histoire qui lui est dédiée et dont Edward voudrait qu’elle lise, pour qu’il en reçoive son avis.
Vous aimez la logique? Vous n’aimez que les rappeurs qui s’expriment de manière sérieuse et sensée? Si la réponse est oui, vous allez avoir du mal à suivre le véritable délire que représente l’album Agartha de Vald.
Le petit Valentin nous a habitué à sortir de l’ordinaire, à se démarquer de différentes manières. Que ce soit dans la provocation sexuelle (allez voir le clip numéro 3 de « Selfie », vous m’en direz des nouvelles) ou encore dans le décalage complet (« Bonjour »), Vald a toujours été un artiste avec un univers très particulier. Il est inclassable. Il peut faire tout un son dans lequel il va kicker le monde du rap et un autre où il paraît romantique (à sa manière).Continuer la lecture →
Liège n’est pas la plus belle ville d’Europe. Liège est remplie de « barakis ». Liège est rarement synonyme de « convivialité ». Et pourtant, j’aime cette ville!
On peut lui attribuer tous les défauts qu’on veut, il y a bien pire que la Cité Ardente.
Je l’aime, d’autant plus que depuis un certain temps, il s’y respire un air rock’n’roll!
Le groupe Hungry Hollows a longtemps été comparé à Queen of Stone Age pour son style musical. Il est vrai que le stoner des deux groupes se ressemblent mais à qui la faute? C’est difficile en ces temps de ne pas étiqueter tout et n’importe quoi.
Si je devais interpréter leur nom de scène, j’expliquerais que les membres incarnent des fantômes ayant faim de prestations scéniques. Ils sont à l’image de leur animaux empaillés qu’ils mettent près d’eux, lors de leurs concerts: il suffit de les poser ensemble à un endroit, munis de leurs instruments, pour que toute l’attention soit portée sur eux grâce aux talents qu’ils dégagent.
Si vous voulez en savoir plus pour ce qui est de l’origine « des animaux empaillés », n’hésitez pas à jeter un œil sur l’interview que jcclm a pu avoir avec eux.
Cet article décrit l’un des plus grand mystère du Jazz nippon. Il s’agit de Shigeo Sekito, un joueur d’électron ayant sorti une série de 4 volumes de Latin Jazz totalement énigmatiques et passionnants dans le milieu des années 70.
Pourquoi mystérieux ? Parce qu’il est totalement impossible de trouver quelconque information biographique sur Sekito, sa ville ou sa date de naissance ou encore son âge… Certains forums de furieux de cette musique cherchent même à savoir s’il est encore vivant, entre deux liens de torrent.
Son instrument aussi est étrange, l’électron, mélangeant les sonorités d’un thérémine et d’ondes Martenot, sous forme d’un clavier.
J’ai décidé de vous parler de son opus nommé Volume II car c’est celui que j’ai écouté en premier. Je fus directement halluciné par ces sonorités bizarroïdes et cette coolitude qui nous fait sentir comme dans un ascenseur interminable, nous menant au ciel. Les premières pistes nous mettent directement bien, confortablement posé sur un petit nuage, jusqu’à la 4ème et la 6ème piste où la mélodie semble familière ! Oui on connaît ces airs, mais d’où viennent-ils déjà ?! Ce n’est pas dur à trouver, je vous laisserai donc deviner. En tout cas, on comprend vite par la suite, que Sekito est un adepte de la reprise, procédé qu’il maitrise à la perfection tant il arrive à mettre son cachet sur ces chansons qu’on connaît tous. Mais le gros choc était encore à venir…
La 7ème piste intitulée « ザ・ワード１ », ou plutôt « The World I », commence de manière endiablée, et je me sens replongé dans mes heures les plus sombres de galère sur Sonic Advance sur GameBoy, à cette époque où je passais des heures à essayer de battre le méchant Eggman avec Tails ou Knuckles (#nostalgie).
Et je n’ai même pas le temps de m’en remettre que commence « The World II »… Et là, je me dis merde… Je connais aussi cette mélodie, mais elle n’est pas plus vieille que cet album, au contraire, elle a été reprise par quelqu’un que je connais très bien… Une petite vérification s’impose: c’est la mélodie de « Chambers of Reflection » du grand Mac DeMarco ! En effet le Canadien nous cachait des choses (Mac avait repris ce morceau pour son album Salad Days) ! Cette découverte a rendu les deux artistes encore plus géniaux à mes yeux. Surtout que les deux chansons, alors qu’elles sont très différentes, véhiculent exactement la même émotion !
La fin de l’album nous remet sur notre nuage, avec ces sonorités mêlant ambiance Nintendo et Latin Jazz encore et encore. L’avant dernière piste, « Blue Star », est parfaite pour une fin de journée ensoleillée. Elle fait du bien par où elle passe, alors que la dernière piste « Lost Horizon Share The Joy », plus énigmatique, semble nous lancer vers le Volume III des œuvres de cet étrange bonhomme qu’est Shigeo Sekito !
Les 4 volumes, appelé aussi Special Sound Series, sont conceptuels.
Leurs artworks sont juste magnifiques et me donnent envie de les rechercher en vinyles juste pour ça ! Mais bon… 100€/pièce le vinyle sur Discogs… Ils doivent être très rares, et je le comprends !
Ma plume m’a démangé et forcé à écrire T H E G A R D E N!
Comme je le disais dans mon top albums 2015, The Garden est un groupe unique en son genre.
ATTENTION: il se peut que je surestime ces deux jumeaux californiens, mais ils me rendent très positif en ce qui concerne l’avenir de la Musique!
C’est plus fort que moi, Wyatt and Fletcher Shears m’ont véritablement charmés.
Dès sa première écoute, j’étais tombé amoureux de l’album haha (2015) qui, encore une fois, montre le je-m’en-foutisme de ces deux artistes, dans toutes leurs majestés. Certains seront peut-être rebutés par l’hétérogénéité totale de l’opus: une basse agressive, des sons proches d’un générique pour une émission de « tunning » (« Cloak »), des paroles sans queue ni tête et des compositions d’une technique folle (« Egg »).
Ces nihilistes le sont dans le sens où, l’image du groupe n’a rien de sérieux. Ce qui n’enlève en aucun cas le fait qu’ils jouent extraordinairement bien de leurs instruments.
Serait-ce exagéré de considérer The Garden comme des artistes d’avant-garde?
Basse aux sons rétros, jeu à la batterie vif et rapide, piano ajouté parfois: c’est un groupe que j’aime écouter et réécouter car pour le moment, il n’a rien à voir avec le reste des groupes qui nous entourent. Je qualifierai ces deux jumeaux d’Americans DADA: la cover de haha, clip dans des toilettes publiques (« Vexation »), clip de quelques secondes à presque 30000 vues sur Youtube, etc. C’est dans leur atypisme (tant musical qu’esthétique) qu’on retrouve leur génie.
The Life And Times Of A Paperclip (2013) est le type d’album qui s’écoute du début jusqu’à la fin, sans interruptions. Il contient une constante force de frappe avec des morceaux encore plus courts que ceux des Pixies à leurs débuts. De la piste « Trust » à « The Rocket », tout le potentiel de bassiste et de batteur des frères est étalé avec aisance! Si vous ne savez pas par quel album commencer leur discographie, je vous conseillerai vivement ce dernier, vu qu’il dévoile la facette la plus naturelle de la « band »: une batterie, une basse et une voix loufoque sans aucun ajout de sons électroniques.
En gros, cet album est une bonne claque musicale comme je les aime.
Découvrez cet album à Noël, le Nouvel An, l’année biSEXtile, la semaine des quatre jeudis ou à une autre fête…. MAIS écoutez le tout, en dansant dessus, ça en vaut la peine! Parole de DRAMA!
Il faut ajouter que ces jeunots ont une énorme discographie déjà derrière eux.
Il n’y a qu’à jeter un œil sur leurs carrières solos: Enjoy d’une part et Puzzle de l’autre. Enjoy, mené par le chanteur/bassiste, se rapproche beaucoup plus à du The Garden pour ce qui est des sons efficaces, rapides et bruts.
Puzzle, lui, pseudonyme solo du batteur, se lance plutôt dans de grandes envolées électros avec des morceaux beaucoup plus planants. Comme quoi la fusion des deux créent la symbiose si magique de The Garden, c’est-à-dire un son neuf, frais et extrêmement riche.
Puzzle explose toutes boules à facettes avec sa sonorité underground! L’album Soaring (2016) prouve que la « chill attitude » ne se détache jamais de la peau de Fletcher Shears. On plane toujours et encore via ces airs de space opéra sous acides.
Sorti en 2015, Punk Planet d’Enjoy m’a aussi surpris! Il en est même devenu un de mes albums préférés, c’est vous dire!
Des chansons écrites et enregistrées par Wyatt Shears, qui livre une prestation aux mélodies entraînantes et mémorables. Encore une fois, l’effet de sa basse (sa marque de fabrique) et ses constructions musicales découlent de l’inhabituel pour pour mes oreilles.
Ce projet solo est le jumeau maléfique de Phoenix: il partage une envie de danser de la façon la plus excitée possible.
Me rappelant souvent la sonorité de l’opus Unknown Pleasure (1979) des Joy Division, Punk Planet est mené de main de maître par un bassiste enragé.
Grâce à ses chansons courtes, aux teintes de vieux sons électros et à une star de basse, Enjoy suffit à être lu pour être apprécié à l’audition.
Listen and… Enjoy of course!!!!
Vous l’aurez compris, les frères Shears sont à suivre de très près.
Le seul groupe qui me remémore le style de musique de The Garden est The Drums. Cet autre groupe de New York met également en avant un son de basse qui se démarque beaucoup des autres instruments et fusionnent sons électroniques, mélodies et paroles qui restent en mémoire très facilement.
Cette parenthèse, made in jcclm, dédiée à ces deux dandies d’un punk dada, se clôture en une description du « Vada Vada ».
« Vada Vada » sont des termes inventés par le groupe et qui signifient une certaine liberté qui n’a nul besoin de conseils et qui n’a aucune frontière.
Qui sait si nous aurons droit à la naissance de plusieurs autres groupes attachés à cet état d’esprit?
Encore et encore une découverte transmise via The Lazylazyme (comme quoi cette chaîne Youtube deviendra une espèce de sponsor jcclm).
Common Holly est un groupe qui nous vient de Montréal. Sur leur mur Facebook, ils définissent leur genre de « dark indie/folk/rock ». Ce papier ne va pas se limiter à ce « dark indie » car si vous trouvez que ce groupe est ténébreux à souhait, alors laissez-moi vous prouver le contraire.
Dès le premier morceaux de l’opus, Playing House, la couleur de l’album est annoncée: des échos, des percussions qui tapotent et des guitares très saturées. Continuer la lecture →
Le 3 mars 2017 est sans doute devenu la date la plus importante dans la carrière de Deen Burbigo parce qu’elle correspond à la sortie de son premier album, modestement nommé Grand Cru.
Deen Burbigo découvert par la plupart, dont je fais partie, grâce à sa participation au « Rap Contenders », tout comme un certain Nekfeu.
Mais revenons-en à ce fameux Grand Cru.
Antoine Flipo et Martin Grégoire, les membres de Glass Museum, nous ont confessé de profondes pensées. Leur adoration de la musique, leurs goûts musicaux ou encore le jazz sont au centre de l’interview. Ce talentueux duo de Louvain promet!
De nos jours le public qui écoute du jazz est un public très particulier et unique en son genre?
Antoine : Ça dépend parce qu’en fait, on s’en rend compte qu’il y a une certaine « démocratisation du jazz » comme dirait Martin (rire). Aujourd’hui, le jazz part un peu dans tous les sens et du coup, c’est beaucoup plus accessible pour un public beaucoup plus large. On est amené à jouer devant différents types de personnes. Autant on a fait des cafés concerts où c’était plutôt des vieilles personnes qui appréciaient notre musique, autant on a déjà fait des festivals avec des publics de tout âge. Pour nous, le public ne se restreint pas.
Qu’est-ce que tu entends par « le jazz part dans tous les sens »? Antoine : Avant le jazz était assez élitiste. Il fallait avoir une certaine connaissance pour apprécier le jazz parce que c’est une musique assez compliquée qui nécessitait un savoir de base pour pouvoir l’aimer dans sa complexité. Tandis que maintenant, ce genre de musique se définit comme une musique qui fait passer des émotions. C’est au final une musique de dialogues. Quand on joue ensemble, on fait pas forcément du jazz, mais il y a quand même un dialogue qui se crée entre nous deux et on retrouve énormément cela dans des vieux groupes de jazz.
Martin: Je pense que le fait que le jazz s’inspire de plus en plus du rock et de l’électro, montre que des gens qui n’en écoutaient pas, vont alors s’y intéresser. Ça peut se noter par une première porte d’un groupe jazz au sens large, comme Snarky Puppy ou BadBadNotGood qui font un jazz proche du rock et qui sortent de l’aspect traditionnel du genre. Ces types de groupes vont amener la curiosité du public à écouter du jazz brut parce que c’est une voie d’accès plus libre.
Je suppose qu’Internet aide beaucoup à rendre plus accessible cette musique.
Antoine : Oui c’est certain. Ça s’avère être vrai beaucoup plus chez les jeunes que chez les personnes un peu plus âgées.
N’avez-vous jamais pensé choisir un chanteur ou une chanteuse pour vos chansons?
Antoine : Jamais.
Martin : C’était vraiment naturel dès qu’on a commencé à faire de la musique à deux. On avait commencé à « jamer » et à aucun moment on s’est posé la question de mettre un chant. Par contre, on a déjà pensé vouloir faire une collaboration avec un violoncelliste ou encore avec un trompettiste. On est super ouvert à plein de collaborations et si on était amené à ajouter un chant, ce serait toujours dans cette optique de collaboration, mais pas dans notre projet même. Dans nos styles respectifs, les choses font qu’on aime avoir énormément d’espace pour s’exprimer un maximum.
Antoine : je pense que si on devait ajouter un chant, on ferait alors un autre projet.
Martin : Ce serait une autre manière de composer et de réfléchir la musique.
Antoine : Le chant c’est nous qui le faisons.
C’est joli. Qu’est-ce qui vous motive le plus à faire de la musique?
Antoine : Martin dirait: « Les meufs. ».
(rire)
Martin : Le plaisir simple de faire de la musique est motivant parce que j’ai toujours aimé en faire. J’aime bien être derrière ma batterie et faire des concerts. C’est ce que je préfère faire et je me sens bien sur une scène. Alors que je me sens très mal à parler sur une scène, les approches productives et créatives qui se dégagent en studio et sur scène sont hyper enrichissantes, ce qui nourrit mon bonheur.
Antoine : Moi je pense que j’en ai toujours eu besoin. C’est comme si t’avais besoin de faire du sport…
Martin : Comme on respire.
Antoine : Ouais c’est ça.
Une passion.
Antoine : C’est quelque chose que tu développes très tôt. C’est un besoin au final. Je me lève le matin et joue de la musique, tout comme le soir. J’entends la musique chaque jour. Je ne suis que musique! (rire) Je ne sais pas imaginer ma vie sans musique parce qu’elle fait partie de moi maintenant. Depuis que je suis tout petit, j’ai tout de suite accroché à ça. C’est devenu une passion, c’est devenu un besoin. Physique et émotionnel.
(rire)
Martin : Sinon au niveau des meufs c’est clair que…
(rire)
Est-ce que vous essayez de dépasser certains modèles de la musique, des artistes inoubliables?
Martin : Ce serait prétentieux de vouloir prétendre dépasser quelque chose parce que je pense que « créer » passe par une série d’influence, de recyclage d’idées et de groupe qu’on aime bien. On a pas la prétention de vouloir innover ni le jazz ni le rock.
Antoine : Ah je sais pas…
Martin : On a envie de faire un truc différent. On a envie que les gens nous voient en concert. Ce qui est intéressant dans ce projet-ci, c’est que la formule est assez originale au niveau du son.
Antoine : Ce qu’on fait a déjà été entendu mais en Belgique, il n’y a pas beaucoup de groupes avec un duo formé juste d’un pianiste et batteur. Même si tu n’aimes pas spécialement ce type de musique, il te reste en mémoire si tu n’as pas vu ça ailleurs.
Martin : A notre niveau, ça ne fait qu’un an qu’on joue et on est encore un groupe qui se fait connaître. On ne peut pas encore dire qu’on a été influent sur une scène. Glass Museum est encore en développement. Un groupe qui est influent sur un style propre, est un groupe qui a déjà fait quelques albums et qui est assez entendu à travers le monde. C’est ainsi qu’il pourra influencer d’autres artistes.
J’ai noté que vous pouvez jouer assez rapidement et ralentir la cadence très aisément. Est-ce qu’il y a des artistes qui se rapprochent de ce que vous faîtes?
Antoine : Gogo Penguin ou encore Tigran Hamasyan s’y rapprochent. Ce sont deux de nos influences importantes. Quand on a commencé à jouer, on s’est basé là-dessus parce que c’était un style qui nous convenait tous les deux. Au fur et à mesure, on se décroche petit à petit de ce style pour construire quelque chose de beaucoup plus personnel.
Martin : Je suis tout à fait d’accord. Tu peux aussi associer ça au free-jazz même si on est pas vraiment des amateurs de free-jazz. Personnellement, je suis suis un très grand fan de math rock. C’est un style rock où au niveau des compositions, c’est un peu barré et ça peut partir dans tous les sens.
Les sons sont quand même bien calculés dans le math rock, non?
Il n’y a rien qu’à penser à Foals. Martin : Foals est déjà plus droit. C’est vrai que c’est un style de musique assez coordonné.
Avez-vous eu du mal à commencer à faire du jazz vu que c’est un genre qui a la réputation de demander beaucoup de travail?
Antoine : Aucun de nous deux n’a vraiment étudié le jazz. Quand on a débuté, on ne s’est pas dit : « On veut faire du jazz. ». On veut faire de la musique. Après quelques concerts, des gens se sont dits qu’on participait à « un réseau jazz ». On nous a juste posé une étiquette.
Martin : Les gens aiment bien définir des styles.
Antoine : On n’avait pas du tout l’envie de faire du jazz au départ. On veut juste faire de la musique via quelque chose de différent.
Martin : Et rigoler quoi.
(rire)
Martin : On s’est juste dit qu’on allait prendre un piano et une batterie pour faire des jams et pour s’amuser.
Si vous deviez ne prendre qu’un seul album avec vous dans une île déserte, lequel choisiseriez-vous?
Martin : Je prendrais le premier album éponyme de SBTRKT.
Antoine : Je n’ai pas vraiment de réponse mais pour l’instant, j’opte pour un album que j’écoute cette semaine et qui se nomme Elaenia de Floating Points.
Cette critique est une dédicace à tous ceux qui croyaient que le rock était mort après la séparation d’Oasis. Non pas que Dead Sullivan soit comparable au groupe des frères Gallaghers, c’est juste qu’il dépoussière la scène musicale pour y imposer son « rock ».
En terme de découvertes, je ne peux que remercier une chaîne Youtube qui a mis en avant la chanson « Server » de l’album Imbecile : The Lazylazyme (check this, it’s worth it). Continuer la lecture →
