Le 12 novembre dernier, le groupe de jazz LAKOTA a sorti son deuxième album, Venus Pancakes. Cet album est assez particulier, car il débute avec le morceau « Jacaranda » qui est également un single. Ce premier titre surprend vu que dans les premières minutes, un instrument sort du lot par sa sonorité atypique. L’instrument en question, c’est une mandoline, une sorte de guitare qui est originaire de l’Italie. C’est interpellant du fait que, dans le jazz, l’utilisation de la mandoline n’est pas courante. Et, c’est là, tout l’intérêt de cet album. En effet, Venus Pancakes n’est pas un album jazz classique.
Jazz, mais pas que
Venus Pancakes est un album jazz, mais pas que. En effet, le groupe est composé de musiciens qui n’hésitent pas, à travers leur instrument, à montrer leurs influences. Le dernier titre de l’album, « Pow-wow », illustre bien cela, car il débute avec un rythme folk et non jazz. En effet, on entend seulement une mélodie folk composée d’une guitare en fond et de l’harmonica qui joue le premier rôle. Quant à la deuxième partie du morceau, elle est plus jazz.
Ce morceau résume c’est qu’est l’album Venus Pancakes, un album jazz qui casse les codes.
Les influences
LAKOTA, c’est six musiciens et huit instruments dont un violon, une mandoline, une contrebasse, une guitare, une batterie, une trompette, un bugle et un harmonica. Sans oublier des influences comme le groove, la musique de chambre et le folk. Ceci explique certainement la richesse musicale de l’album.
Venus Pancakes est comme un labyrinthe. À certains moments, on se sent perdu, mais à l’instar de Thésée, on retrouve toujours le chemin vers la sortie, car le jazz nous sert de fil conducteur tout au long du projet.
Ecouter Echt! est une expérience. C’est accepter son corps en transe, presque transporté dans un décor froid et allemand, sous un Soleil de plomb. Oui, l’oxymore est electro-machiavélique. Les Bruxellois forment un projet où les instrumentations se confondent pour, non pas créer une cacophonie, mais des sonorités plutôt fascinantes. Heureusement, le quatuor, à la différence d’un Glauque, se passe du chant. Eurêka ! La recette fonctionne et les musiciens continuent sur leur voie en sortant un second album, sobrement nommé Sink Along (un titre ironique, une touche de fatalisme pour les mélomanes).
Echt! souhaite un public dansant à ses spectacles. Les Intelligences Artificielles ne remplaceront pas leurs mélodies. Leurs machines s’envolent au-delà du jazz, au-delà des frontières du Connaissable. Leurs machines sont un outil pour danser sur des boucles sonores jamais ennuyeuses, jamais pauvres en termes de rythmique.
Ce n’est pas un disque avec des mélodies évidentes et des itinéraires tout tracés. L’idée, c’est justement de se perdre dans les ambiances, de s’abandonner à la couleur des sons et de laisser une grande place à l’imagination du public.
Telles sont les paroles du batteur Martin Méreau. Si la danse est provoquée à l’écoute de Sink Along, la transe sera bel et bien inévitable !
Pourquoi j’aime les taiseux et taiseuses ? A la différence des personnes faisant part de leur hystérie, d’autres apparaissent sages, restant calmes en toute situation. Posées. Réfléchies. Ces personnes peu loquaces analysent souvent le monde avec des yeux uniques en leur genre. Les musiciens d’Aleph Quintet font sûrement partie des ces personnalités.
Le groupe émerge de la scène bruxelloise. Il propose une musique envoûtante, c’est-à-dire un style nord-africain mêlant jazz et culture soufie.
Le silence tient un rôle principal au sein de leur univers. Une information comprise en lisant une interview sur les pages de la revue Larsen. Surtout quand est nommé leur album, Shapes of Silence.
Une personne peut être silencieuse mais émettre beaucoup d’énergie et de messages aux autres. Sans qu’on le sache. -Théo Zipper, bassiste
Les membres suivent aussi la voie du soufisme. D’après Eric Geoffroy, auteur de La Grande Histoire de l’Islam (2018), cette croyance est née en Arabie au septième siècle. Elle se définit tel un aspect de la sagesse éternelle, universelle, qui s’est incarné dans le corps de la religion islamique. Les soufis étaient souvent de grands oulémas (savants en sciences islamiques). Ils rappelaient que seul l’Esprit est à même de vivifier les formes, et de lutter contre la sclérose de la pensée islamique.
Si cette spiritualité provoque les mélodies émouvantes et imprévisibles de la bande, autant continuer sur cette voie. Car le silence est souvent synonyme de sauvegarde. Le silence est un fructueux bouclier. Il sert à se protéger de l’énervement, des malentendus, de l’ignorance…
Aleph Quintet laisse notre imagination bercer aux sons de leurs instruments. Une action sacrée. Un jeu élégant. Sans qu’aucun chant ne gâche leurs instants de pur voyage vers l’Orient.
La musique naît du silence. Il faut faire mieux que le silence. -Akram Ben Romdhane, oudiste
Mes oreilles ouïssent enfin un groupe sortant du lot ! Fievel is Glauque est sur mes radars depuis un petit temps. Je surveille leurs productions et apparitions pour mieux découvrir leurs folies.
Détaillons la genèse de Fievel. La chanteuse bruxelloise Ma Clément et le multi-instrumentiste Zach Phillips imaginent et forment un groupe plutôt atypique. Montée lors de sessions d’enregistrement entre Bruxelles, New York et Los Angeles, leur formation musicale est composée… d’une trentaine de personnes !
Quand on aime, on ne compte pas. Cette expression serait un superbe slogan pour Fievel is Glauque. Le groupe prouve que tout est possible. Même lorsqu’on mêle un jeu jazz (bravo au batteur) ou un style rock (notable du côté des guitares).
Voulez-vous écouter une toute autre preuve ? Pas de problème. Le concert du groupe chez Audiotree reflète leurs nombreux talents. Faire respirer les instrumentations aux bons moments. S’arrêter puis reprendre brillamment le cours d’une chanson. Voix et mélodies demeurent claires et efficaces. Le son de Fievel is Glauque est totalement maîtrisé.
Appelez-moi Saint Thomas. Je ne crois que ce que je vois. Avouons-le. Sur le papier, Fievel is Glauque apparaît comme une idée totalement dingue. Mais je constate que ça sonne bien ! Puis, actuellement, ses membres apportent un vent de fraîcheur dans le champ musical.
Yôkaï et STUFF. débarquent d’une autre dimension. Pour certains, les deux groupes font partie de l’avant garde musicale belge. Il est peut-être trop tôt pour se prononcer là-dessus. En tout cas, leurs sonorités imbriquent divers genres dont le résultat est une formule aux riches mélodies.
Pour ce qui est de STUFF., ses musiciens allient dernièrement leur groove à l’art de Guy Vandenbranden (1926-2014). Les caractéristiques du graphiste sont le miroir des instrus surprenantes et académiques propres aux Flamands : symétrie, couleurs chamarrées, géométrie variable. Il ne restait plus qu’à donner vie à l’œuvre « Composition » (1967), exposée au Musée Royal des Beaux-Arts d’Anvers. Frederik Jassogne réalise alors un clip où les formes dansent à l’image d’un cobra se tortillant devant des charmeurs de serpents.
La démarche a de quoi être pertinente. Elle prouve qu’aucune frontière ne sépare les musées de la scène musicale. Le but étant aussi de savoir rendre hommage à des productions graphiques.
Cette inspiration offre un aperçu de ce que sera le troisième album du quintet. Tant pis si leurs morceaux ne passeront pas sur les ondes radiophoniques. Tant pis si le public ne sera pas au rendez-vous. STUFF. fait du bien aux plus curieux des mélomanes.
A l’image d’un ange déchu sur terre, il sonne vraiment comme lui. Il le cite d’ailleurs comme référence. Puma Blue se situe dans la droite lignée de Jeff Buckley. Ses envolées lyriques et sa voix presque androgyne rappellent la pureté vocale du défunt compositeur.
Sur le papier, le sentiment du vide est un des thèmes qu’il chérit. Citons l’indémodable « She’s Just a Phase », où l’amour n’est que passager. Sans oublier sa nouvelle pépite moderne, « Velvet Leaves », en hommage à sa sœur. Cette dernière sortie délivre une ambiance de fragiles invétérés… pourtant, sa mélodie relaxe et colle parfaitement à l’évolution musicale de notre félin. Il n’en fait ni trop, ni trop peu. A la fin du titre, il se lâche juste assez à la guitare pour l’écouter en boucle !
Dans son univers, on danse bel et et bien sur la mélancolie. Avec classe. Sous un rythme lent ou dynamique. Parfois accompagné d’un saxophone endiablé.
D’ailleurs, Puma Blue entre assurément dans la case Blue Wave ! J’ai inventé ce terme afin de désigner tous les artistes anglais chantant le spleen via des accords jazz. Ce style domine les sonorités du Londonien, même si ses étiquettes demeurent nombreuses et floues.
L’auteur remet au goût du jour des progressions harmoniques. Non pas en les jouant à la vitesse de la lumière, ou de façon punk à l’image d’un King Krule, mais de manière à planer pendant des heures.
Au départ, je nommais Cosmo Pyke, prince de la Blue Wave. Il y a désormais de la concurrence. Cette dimension accueille un nouvel élu appelé Jacob Allen.
Son nouvel album est prévu pour janvier 2021. De quoi imaginer une future cure musicale tombée des cieux.
Pour produire la meilleure musique possible, je devais devenir un peu quelqu’un d’autre. J’ai pensé que le mieux serait de capturer un nom.
J’étais très attiré par cette couleur, le bleu, car je me sens très proche de l’eau et évidemment, il y a beaucoup de bleus dans la musique jazz. Puma a suivi tout de suite, je ne sais pas pourquoi. Je suppose que c’est à cause de l’idée d’un vieux chat sauvage assis dans un bar, très fatigué, un peu rejeté. -Puma Blue
Cet article décrit l’un des plus grand mystère du Jazz nippon. Il s’agit de Shigeo Sekito, un joueur d’électron ayant sorti une série de 4 volumes de Latin Jazz totalement énigmatiques et passionnants dans le milieu des années 70.
Pourquoi mystérieux ? Parce qu’il est totalement impossible de trouver quelconque information biographique sur Sekito, sa ville ou sa date de naissance ou encore son âge… Certains forums de furieux de cette musique cherchent même à savoir s’il est encore vivant, entre deux liens de torrent.
Son instrument aussi est étrange, l’électron, mélangeant les sonorités d’un thérémine et d’ondes Martenot, sous forme d’un clavier.
J’ai décidé de vous parler de son opus nommé Volume II car c’est celui que j’ai écouté en premier. Je fus directement halluciné par ces sonorités bizarroïdes et cette coolitude qui nous fait sentir comme dans un ascenseur interminable, nous menant au ciel. Les premières pistes nous mettent directement bien, confortablement posé sur un petit nuage, jusqu’à la 4ème et la 6ème piste où la mélodie semble familière ! Oui on connaît ces airs, mais d’où viennent-ils déjà ?! Ce n’est pas dur à trouver, je vous laisserai donc deviner. En tout cas, on comprend vite par la suite, que Sekito est un adepte de la reprise, procédé qu’il maitrise à la perfection tant il arrive à mettre son cachet sur ces chansons qu’on connaît tous. Mais le gros choc était encore à venir…
La 7ème piste intitulée « ザ・ワード１ », ou plutôt « The World I », commence de manière endiablée, et je me sens replongé dans mes heures les plus sombres de galère sur Sonic Advance sur GameBoy, à cette époque où je passais des heures à essayer de battre le méchant Eggman avec Tails ou Knuckles (#nostalgie).
Et je n’ai même pas le temps de m’en remettre que commence « The World II »… Et là, je me dis merde… Je connais aussi cette mélodie, mais elle n’est pas plus vieille que cet album, au contraire, elle a été reprise par quelqu’un que je connais très bien… Une petite vérification s’impose: c’est la mélodie de « Chambers of Reflection » du grand Mac DeMarco ! En effet le Canadien nous cachait des choses (Mac avait repris ce morceau pour son album Salad Days) ! Cette découverte a rendu les deux artistes encore plus géniaux à mes yeux. Surtout que les deux chansons, alors qu’elles sont très différentes, véhiculent exactement la même émotion !
La fin de l’album nous remet sur notre nuage, avec ces sonorités mêlant ambiance Nintendo et Latin Jazz encore et encore. L’avant dernière piste, « Blue Star », est parfaite pour une fin de journée ensoleillée. Elle fait du bien par où elle passe, alors que la dernière piste « Lost Horizon Share The Joy », plus énigmatique, semble nous lancer vers le Volume III des œuvres de cet étrange bonhomme qu’est Shigeo Sekito !
Les 4 volumes, appelé aussi Special Sound Series, sont conceptuels.
Leurs artworks sont juste magnifiques et me donnent envie de les rechercher en vinyles juste pour ça ! Mais bon… 100€/pièce le vinyle sur Discogs… Ils doivent être très rares, et je le comprends !
J’aimerais écrire en lettres de feu cet article car Emily’s D+Evolution d’Esperanza Spalding est chaud chaud chaud !!!!
La première fois que j’ai découvert Esperanza, c’était dans un live du Tiny Desk, du temps où elle avait une coupe afro épique.
Après son troisième opus, Chamber Music Society, je n’avais plus suivi ce qu’elle produisait. Quand un jour, une sainte envie m’est venue de me remettre à écouter ses chansons. Un pur enjouement ! Son dernier album représente une sublime fusion entre rock et jazz.
Produit par Tony Visconti (producteur de 13 albums de David Bowie), cette œuvre a reçu 4 étoiles sur 5 de la part du Rolling Stones Magazine.
Les chœurs et les multiples voix s’entrechoquent au turbulent premier morceau : « Good Lava ». Tout démarre en trombe et laisse place ensuite à « Unconditionnal Love », piste assez tranquille qui nous conte une certaine perception de l’Amour. J’interprète les paroles de cette dernière ainsi : « Les relations amoureuses peuvent souvent sembler de pénibles routines, changeons les normes. ».
Si j’ai pioché ces deux premières chansons pour les analyser, c’est pour illustrer les atmosphères diverses de Emily’s D+Evolution. Entre bruits tout aussi posés que bestiaux, l’ivresse instrumentale qui s’y dégage donne envie de s’intéresser à la discographie de l’artiste.
« Earth To Heaven », incontestablement, mon morceau favori, est tout à fait particulier. Débutant avec une cadence assez brute, le piano, lui, exécute une musique que l’on pourrait très bien entendre dans une quelconque salle d’attente. Survient ensuite un refrain qui me fait rêver. Une fois arrivé à ce même refrain, les musiciens jouent moins fort, l’ambiance se calme et la voix d’Esperanza s’impose, puis, se mélange à plusieurs cordes vocales. Tout s’entremêle pour former un véritable crescendo sonore de la part de la guitare, des voix et de la batterie.
Ultime album que j’ai savouré du début jusqu’à la fin, Emily’s D+Evolution symbolise une brulante caresse de 2016.
En général quand je vois ce genre de nom apparaître sur Youtube, je clique… Et souvent je fais bien… En effet, le saxophoniste londonien Shabaka Hutchings et son groupe sud-africain sont ma découverte du mois !
A la première écoute, j’ai été plongé dans un monde où le jazz d’avant-garde british, sonnant comme un clavier Rhodes dans une rue de Camden Town, se mélange avec d’étranges forêts africaines aux allures vaudous enivrantes. Un parfum de Nouveau et d’Ancien se dégage. Certains sons rappellent étrangement l’album Bitches Brew de Miles Davis, quand le mystérieux chanteur Siyabonga Mthembu nous fait penser au grand Fela Kuti. Heureusement, les références sont subtiles, on ne fait que les imaginer car l’album est nouveau, frais et éclatant !
Le morceau « Joyous » en est un excellent exemple où le trio percussion-batterie-basse vient créer une nappe rythmique écorcée mais douce et herbeuse, parfaite pour les envolées de Shabaka et de son saxe ténor. Un morceau qui prend de l’ampleur au fil des minutes avant de doucement redescendre et atterrir confortablement.
C’est d’ailleurs le mot d’ordre de beaucoup de morceaux sur cet album : monter prendre de la force, s’assagir au fil des minutes (certains morceaux font entre 9 et 13 minutes), grandir et s’affirmer au final. D’où la Sagesse des Anciens ( Wisdom of Elders )…
Et encore une fois dans « The Sea », il ne suffit que de deux notes de basses pour partir sur la mer houleuse d’Afrique du Sud, dont les vagues prennent écho dans le son des cuivres. Il y a de ça, quand on lit que Shabaka est parti de Londres très jeune pour grandir dans les Caraïbes. Il traîne un gros bagage culturel derrière lui, et en veut visiblement plus avec cet album enregistré à Johannesburg.
Si je suis aussi imagé, c’est parce que j’écoute l’album au moment où j’écris à son sujet. Je l’ai écouté à beaucoup de sauce, que ce soit en jouant à Battlefield, ce qui améliorait mes performances (véridique) ou en apprenant à conduire, ce qui n’était pas vraiment une bonne idée… Pour en revenir à « The Sea », à 8:54 minutes, le batteur tape sur la cloche de sa cymbale, le saxophone sonne magnifiquement bien, le faux calme est envoutant et le percussionniste commence à son tour. Qui a dit que les Africains n’étaient pas dans le coup ? Voici de la qualité en tout point, tant en ce qui concerne l’enregistrement que les musiciens.
« Natty » et « Obs » sont aussi de très bons morceaux, très organiques.
Mais le morceau qui m’aura le plus marqué sur cet album avec « Joyous » est l’énormissime « Give Thanks » de 8 minutes qui est d’une force et d’une intensité rare ! Le batteur est épatant: il commence le morceau en jouant sur tout ce qu’il peut avec une organisation qui rappelle Antoine Pierre. Ce morceau est un déferlement violent de frappe et de saxophone qui grandit et vrombit comme un arbre fort et grand, poussant en dégageant tout les autres, lentement mais surement, incontrôlable… Un belle démonstration de ce qu’est la force de la nature. C’est peut-être un morceau et un opus que beaucoup de gens devraient attentivement et analytiquement écouter, en ce monde où tous ses aspects naturels et sauvages de la vie sont en train d’être détruits. Où l’on refuse également de tirer l’enseignement de l’Ancien, pour recommencer encore et encore les mêmes erreurs…
Pour ce qui est de Wisdom of Elders, tout est dit. Non pas que je rejette le Nouveau et que je vénère l’Ancien mais je prône la combinaison des deux au profit de l’avenir, tout comme cet album en somme, ainsi que ses 8 magnifiques musiciens. On dit que la prochaine grande puissance mondiale sera l’Afrique… J’espère que c’est vrai.
« Du jazz ?! » « Ca se fait encore ça ?! » « Du jazz belge en plus ?! » « Avec quoi tu viens toi ?! ». Je suis sûr que c’est ce que vous vous êtes dis en voyant de quoi parle cet article.
Nous sommes bien sur loin de l’âge d’or du jazz qui doit se situer entre les années 20 et 60, mais ce genre de musique hybride est loin d’être mort, bien au contraire, il se cache là, sous ces vieux magasines, dans le meuble de télévision de ton grand-père, bien au chaud, et il attend les curieux, les intéressés, ceux qui veulent revoir leurs définitions du mot Musique (avec un grand M). N’hésitez surtout pas à vous plonger dans ce style riche car au mieux, vous découvrirez une nouvelle passion et au pire, vous aurez un sujet de conversation avec votre beau-père qui aime surement le jazz (si si ! Je vous assure !) .
J’ai décidé pour ce premier papier de vous parlez de jazz belge et plus précisément de l’album « Wanted » de Jean Paul Estievenart, 31 ans, trompettiste de son état. Ses grandes influences furent Chet Baker (qui enregistra d’ailleurs quelques albums dans notre plat pays, avec des musiciens belges) et Freddie Hubbard (virtuose du Bebop/ Hardbop … « Ouuh les mots bizarres qui veulent rien dire ! » Non, ces mots sont pleins de sens quand on s’y intéresse, vous verrez). Il est accompagné sur ce disque par le batteur belge du moment, Antoine Pierre, un gars à vraiment voir en concert si vous êtes batteur ! Deux musiciens que vous pourrez retrouver ensemble dans de différentes formations comme le Lg Jazz Collective ou le projet Urbex, leadé par ce même Antoine Pierre. Une bande d’amis donc, avec en plus le bassiste multi-facette Sam Gerstmans, sideman de Melanie de Biasio et l’espagnol Perico Sambeat. Pour les avoir plusieurs fois vu en concert, ils en valent vraiment la peine.
Le premier morceau « The Man » donne tout de suite le ton, après une intro classique, on comprend très vite que ce sont essentiellement Estievenart et Pierre qui nous guiderons sur les terrains en pente du jazz européen, avec brio… Le phrasé percussif du trompettiste et la finesse technique du batteur envoient du lourd !
Ensuite il y a « Am I Crazy ? », sorte d’hymne de la joyeuse bande que vous pouvez être sûr d’entendre en concert, morceau oscillant entre moment de suspens et d’accélérations subites, on croirait entendre Lee Morgan et Art Blakey… Avec en prime un petit solo de Pierre, ceux-ci sont toujours assez impressionnant de maîtrise et de technique, ils donnent toujours l’impression que c’est la pluie qui joue de la batterie…
« Amok » est aussi un morceau impressionnant, avec ses 3 notes de basses répétitives et envoutantes donc, et les roulements de balais à la batterie.
Il vous est interdit de rater « Lazy Bird », petit délire bordélique qui commence par 2 minutes 30 de trompette et de batterie, à la limite de l’improvisation ! C’est dans ce genre de morceau qu’on sent que l’âme du jazz peut bizarrement et fort heureusement se trouver même en Belgique.
Ce qu’il y a de réellement déroutant sur cet album et qu’on retrouve assez bien sur le morceau « Sd », ce sont les petites touches rapides d’Antoine Pierre, il tape des petits coups sur tout ce qu’il peut, afin de former ses nappes de percussions remplissant absolument tout les espaces et créant une atmosphère rythmique, parfaite pour les solos d’Estievenart, qui alternent de longs et courts phrasés. Sur « Sd », ce rythme presque africain est parfait pour le trio trompette/basse/batterie, car comme le dit Estievenart dans une interview donnée au Soir, il compose toujours en fonction de ses musiciens.
Le morceau « Wanted », lui, se fait attendre… Et à juste titre ! Cet excellent swing langoureux et dépressif mute après quelques minutes en un genre de free jazz frôlant la perfection ! Un grondement sourd qui fait attendre l’auditeur jusqu’à un final maîtrisé… Et voilà comment se fini ce qui surement restera l’un des albums de jazz belge de la décennie, et Dieu sait si ce jazz belge a tendance à tourner en rond ces derniers temps.
En résumé, je vous conseille vraiment cet album qui vous prouvera que le très bon jazz belge existe ! En effet, le « Wanted » de Jean-Paul Estievenart est de très haut niveau, surtout pour les amateurs de solo de trompette ou de batterie (Antoine Pierre est vraiment un garçon à suivre, tout comme Estievenart). Voilà, c’est tout pour moi, j’espère que vous aurez été jusqu’au bout de mon premier jet, et si oui, que vous l’aurez apprécié ! À la prochaine !
