Par les temps qui courent, dès qu’un sacré concert punk se passe dans votre ville natale, un seul réflexe est de mise : foncer ! Brian Hayart (batterie), Elliot Stassen (chanteur, bassiste), Damien Aresta (chanteur, guitariste) et Michael Goffard (chanteur, guitariste) constituent It It Anita, l’équivalent de la fierté rock de Belgique. Continuer la lecture
Au bord de la Meuse se trouve une excellente salle de concert : la Péniche Légia.
En ce mois d’octobre, les deux ex-membres de Mølk, Ben (guitariste) et Yoni (batteur), y jouaient en seconde partie de Little Lucid Moments. Ces jeunes musiciens forment dorénavant un groupe stoner, où l’instrumentale est maître mot : Hetouht !
La magie de ce duo réside en de nombreuses caractéristiques particulières.
Jouant sous un décors spécial, ils assument un univers qui leur est propre. Sur une toile est projetée La Planète Sauvage (1973), un film d’animation magnifiquement glauque. A quoi s’ajoute une odeur d’encens allumé, histoire de se sentir à une séance de yoga pervertie par deux musiciens exceptionnels. L’auditeur est alors spectateur d’un trip au cocktail malfaisant : une pluie de riffs sauvages, un rythme dynamique et un dessin animée déconseillé au moins de 99 ans.
Quant à la symbiose des deux compères, elle est assez incroyable! Bruts et minimalistes telle leur mise en scène, Ben et Yoni savent mêler des mélodies tout aussi sophistiquées que pulsantes. Mention honorable à un invité, le temps d’un morceau et pro au tambourin, un instrument dont on oublie souvent la complexité. Concernant Ben, tous les guitaristes bloqueront leurs vues au moins une fois sur l’ensemble de ses pédales ou de sa guitare sur table… la distorsion se voit manipulée de plusieurs manières !
Dans une ambiance où un pogo s’animait devant la scène, les mélomanes de la Légia vivaient un sacré concert. Sur cette péniche, il est aisé de ressentir toute la puissance sonore d’un groupe. Cet énorme avantage me donne envie d’y voir passer des musiciens aux morceaux toujours plus agressifs !
L’avantage est que tout est enregistré en pistes séparées, en vidéo aussi. On a alors tout récupéré et on va certainement sortir un album live, une fois mixé par notre ingé son, Gabriel Hanquet. L’acoustique est assez appréciable aussi. Ça peut aller fort sans pour autant te niquer les tympans. Puis, jouer dans un bateau, ça reste quand même hyper cool. -Yoni
Parfois, peu de choses amènent à un spectacle hors norme. Tout comme les White Stripes, Royal Blood ou encore Blood Red Shoes, Hetouht se constitue seulement de deux personnes pour réussir des exploits musicaux. Ils méritent le coup d’œil, tant leur performance scénique ne peut être comparée à un autre groupe belge.
DRAMA
Photos ©DRAMA – Légia, 28/09/2018
Winter comes. Le Soleil n’avait plus l’air d’être de mise en Belgique. Dans le pays de la frite, les 10 heures de Soleil de l’entièreté du mois de décembre 2017 faisaient pâlir tout ceux qui voulaient leur vitamine D.
Heureusement que les concerts rock ne manquent pas à Liège. Il me fallait une dose de musique bien brutale, à l’image de ce climat qui n’épargnait personne.
Mon souhait exaucé grâce à PopKatari, je me retrouvais au Garage (Liège) pour assister au live de tunic, un trio provenant de Winnipeg.
Ce soir là, j’enchaînais spectacle sur spectacle. Après avoir été voir The Greatest Showman sur grand écran, je pointais le bout de mon nez au café du Reflektor pour assister aux concerts de deux groupes. J’avais quitté une ambiance de démesure pour atterrir dans une autre beaucoup plus intime, posée et relaxante.
Accompagné de Serenaze, j’ai le temps de déposer mon sac à mes pieds et de me placer devant le premier groupe belge sur scène : Woods of Yore. Avant même que nous débarquions, ils jouaient déjà. Le ton était donné : nul besoin de calmants ou de médocs foireux, il n’y a qu’à écouter cette musique pour s’apaiser.
J’étais encore dans ma session d’examen, mais je m’étais permis de craquer une nuit pour une escapade folk où les membres de Woods of Yore allaient me faire oublier l’espace d’un instant tout ce qui constitue mon quotidien.
C’était agréable d’écouter une violoniste, se fondant d’autant plus très bien avec le reste de la bande. Qu’elles soient frottées ou pincées, les instruments à cordes des musiciens de ce groupe se mêlaient très bien entre eux. Par moment, je me demandais si le chanteur, Greg Danger, étant membre de King Fu mais aussi de The K., n’allait pas se déchaîner à la voix ou à la guitare. J’ai eu ma réponse au dernier morceau, où la distorsion de son instrument était un tantinet plus violente que le reste des chansons.
Woods of Yore
Avant qu’elle ne fasse son show, j’avais été discuté avec l’artiste américaine nommée Lina Tullgren. Alors que les sonorités de ses chansons n’explosent pas vers une univers festif, au lieu de tomber sur une personne ultra morose, je dialoguais avec une fille très accueillante et souriante.
J’étais heureux dès qu’elle débutait sa première chanson. La qualité était présente car tout sonne comme lorsque j’écoutais l’entièreté de son album chez moi. Encore une fois, après avoir bu quelques bières, sous une certaine fatigue, j’avais l’impression de m’entraîner dans une bulle à part : une atmosphère calme et bercée par une voix féminine très particulière. Habillée tout de vert, Lina Tullgren dégageait une aura atypique. Le son de sa guitare prenait également beaucoup d’ampleur par rapport aux autres instruments sur scène.
Quelques questions me venaient à l’esprit. Pourquoi Lina Tullgren accordait sa guitare à chaque fin de morceaux ? Pourquoi son batteur sortait un frisbee ?
Lina possédait une vieille guitare qui nécessitait de bien s’occuper des cordes pour avoir les accords voulus. Quant au frisbee, ça n’en était pas un. C’était une espèce d’assiette en métal, qui accrochée à une caisse de la batterie, délivrait un son spécial.
Si l’occasion se représente, je foncerai voir une deuxième fois ce genre de concert (véritable repos pour tout mélomane). Qui sait, peut-être bien que j’irai disctuter plus longtemps avec Lina Tullgren suivi de Serenaze, encore prête à venir supporter mon anglais terrible ?
Lina Tullgren
DRAMA
Photos ©Fanny Pluymers – Reflektor, 23/01/2017
Rémi, bassiste de The Hype
Invité par PopKatari, ma motivation était telle que j’aurais bravé vents et marées pour assister à ces concerts. Au rendez-vous à cette soirée liégeoise : un groupe wallon (The Hype), un groupe flamand (Teen Creeps) et… Une bande d’américains (Dowtown Boys) !!!!
Dès les portes du Kultura franchies, je rencontre Lev. qui me salue après avoir participé au soundcheck. Malheureusement, ce mélomane ne pouvait rester, ce qui faisait que je restais seul. Et pourtant, j’ai très vite stagné à l’entrée du Kultura, en compagnie des gars de The Hype. J’étais vraiment ravi de les revoir et d’apprendre qu’ils remontaient sur scène après un an de « non-concert ». Ces vieux punks s’amusaient à dire « bonsoir » à chaque nouvelle personne qui entrait là où nous étions, gardant toujours un esprit d’humour et de convivialité.
C’est alors qu’ils montent sur scène, non plus au nombre de trois mais bien à quatre, suivi d’un second guitariste du nom de Nubuk.
A peine le concert commencé, le batteur (Brian Alleur) se met torse poil, le chanteur/guitariste (Benoît Culot) les présente de façon succincte et ces lurons jouent de plus belle. Comme à son habitude, Brian se fait entendre (telle une machine de guerre) et en impose de par son jeu agressif à souhait. Ben, lui, envoie le pâté avec sa voix rauque, à se demander s’il n’a pas fumé plus que Gainsbarre pour en arriver à ce résultat. Quant à Rémi, son énergie m’a épaté et m’a entrainé à bouger mon cul sur chaque morceau. Les fioritures qu’amenaient Nubuk étaient ultra plaisantes à écouter et donnaient encore plus de richesse sonore aux chansons. J’attendais avec ferveur « Ocean » et ma joie est toujours la même lorsque je redécouvre les divers effets aux guitares qui la composent.
Après avoir enflammé le public, je me demandais comment allait faire les deux autres groupes pour délivrer une meilleure prestation.
Ramses Van Den Eede, batteur de Teen Creeps
Le deuxième groupe, Teen Creeps, est typiquement le groupe qui sonne beaucoup mieux en live qu’en mp3. Constitué d’un batteur déchaîné (Ramses Van Den Eede), ce groupe traduisait une fougue rock qui m’amenait à penser que ce soir-là, le Kultura avait une ambiance assez proche des concerts grunge du Seattle des années 90. Oui j’en viens à de tels propos ! Le répertoire des Teen Creeps était vraiment parfait pour les oreilles d’un jeune adolescent sale, remuant et endiablé.
Le dernier show était incroyable. Il se détachait complètement des précédents et était aux commandes d’un groupe signé sur Sub Pop : Downtown Boys !
Le peps de la chanteuse (Victoria Ruiz) s’est tout de suite senti et l’aura des Downtown s’est transmise en un battement de cil. Chaque membre était un spectacle à lui tout seul, en passant par le saxophoniste/claviériste (Joe La Neve DeFrancesco) habillé dans une espèce de combinaison propre à un pilote d’avion de chasse, jusqu’à Victoria qui dansait, criait ou livrait un discours politique entre chaque morceau. Les pistes chantées en espagnol déchiraient et se faisaient porte parole des populations niées venant des USA. Car il faut savoir que Downtown Boys reflète de manière extrême une certaine déception américaine, face à la victoire de Donald Trump aux dernières élections. Chaque auditeur a bien évidemment le droit de ne pas partager leurs convictions. Il n’empêche qu’il est agréable de voir que des groupes engagés existent encore, surtout aux States, où les idéologies propagées ressemblent le plus souvent à des télé-réalités foireuses sans queue ni tête.
La variété qu’ont réussi à proposer ces trois groupes m’a donné encore plus envie de m’intéresser de plus près à leurs projets.
A coup de bonnes distorsions, de saxo frénétique ou de chants puissants, cette soirée était à inscrire dans le Panthéon des meilleurs concerts rock’n’roll de Liège !
Victoria Ruiz, Mary Regalado et Joe La Neve DeFrancesco des Downtown Boys
DRAMA
Je chéris le samedi 7 mai 2016, jour où j’ai assisté au concert de Cymande, au Bi Nuu à Berlin. J’ai cru rêver. Une sensation que j’avais déjà ressentie précédemment, lorsque j’ai vu Faith No More au Pukkelpop à Kiewit en 2009.
Ces deux groupes ont en commun, outre leurs identités très fortes, l’arrêt, supposé définitif, de leurs carrières respectives. »But it’s Alright, if you still go on. »
La « reformation » de Cymande étant cependant beaucoup plus improbable que celle de Faith No More. Et pourtant…!!! « The time is right now ».
J’ai rarement eu l’opportunité de vivre un moment de « communion » aussi agréable. L’entièreté du public, ainsi que tous les musiciens du groupe, nous arborions tous un large sourire, tout au long du show. C’était un cadeau. Comme lors de certaines fêtes, où tout le monde offre et reçoit en même temps. Tout ceci peut sembler naïf, j’en suis bien conscient.
La philosophie peut elle aussi sembler naïve. Notamment celle à laquelle Cymande fait référence, à savoir: le Rastafarisme. D’ailleurs, l’espace d’une soirée, nous étions tous conviés à devenir « Rastas ».
Nul besoin d’être un érudit pour constater que l’actualité n’est pas des plus apaisante, heureusement, le message de Cymande est un réconfort. Le groupe se serait donné pour mission d’à nouveau diffuser leur message de paix, d’éducation et d’amour, par ces temps obscurs où nous avons encore plus besoin de cela.
« It’s only freaks, out there »(..) « Gotta be aware, don’t get too lost in your dreams! ». J’entends le sage qui accompagne, renforce, encourage, donne les éléments pour affronter la dure réalité. En bref, tout l’opposé des messages diffusé par les grands médias de notre société occidentale. Cette société qui préfère que nous dormions, là où Cymande nous invite à l’éveil.
Oui la vie est une épreuve, oui le monde est impitoyable, oui l’injustice est permanente, oui nous sommes entourés d’ogres. C’est effrayant, mais c’est la réalité. Ouvrons les yeux, acceptons. Ne nous laissons pas corrompre, et accomplissons-nous.
Rompons avec l’individualisme, associons-nous, partageons, vivons en tribu, soyons prêts à affronter l’ennemi en permanence, et à communier avec ce que la nature a de meilleur à nous offrir.
Dirigeons-nous vers la simplicité. La mégalomanie est un vice. Ne souhaitons pas les richesses, ni le pouvoir. Repensons le monde autrement. La seule coercition légitime est celle de la nature.
Instruisons-nous, dans tous les domaines. Valorisons la connaissance, ne « l’élitisons » pas. Je m’emporte. J’expose mes utopies. Pourtant, je tiens à vivre en fonction de ces valeurs, avec ou sans vous. Je m’éloigne, lentement, de cette léthargie imposée. J’accepte la lutte inégale, je n’ai pas le choix.
Merci à Cymande de m’insuffler tout cela. La poésie existe, elle est un Art de vivre qui nécessite un engagement profond.
Ce samedi 7 mai, j’ai partagé un moment d’osmose avec quelques uns de mes semblables. Et je me suis senti soutenu dans mon combat contre « le démon », qui est tant intérieur qu’extérieur.
Au delà de ces considérations, Cymande nous a offert un spectacle délicieux.
Un « Brothers on the slide » magistral en ouverture, malgré un flingue discret du chanteur. Des versions rallongées de « Bra », de « Zion I », et de « Rickshaw », chaque musicien ayant à son tour l’opportunité d’improviser. Quelques chansons du nouvel album, qui m’ont moins marqué (à réécouter au calme). Ainsi qu’une amusante surprise (quoiqu’ils l’avaient déjà exécutée à Paris récemment. Mais, à Paris, cela reste moins surprenant) vers la fin du show, Cymande qui reprend MC Solaar, qui avait lui-même samplé Cymande. La boucle est bouclée? « The message is Music, and Music is the message! ».
Ma petite déception: « Dove » manquait à l’appel. Peu importe, c’était une soirée de fête, de retrouvailles, de musique, de philosophie, et Berlin en était le parfait creuset.
Tout un symbole.
Vincent HALIN
S’ouvrir l’esprit, s’ouvrir les yeux et les oreilles, s’aventurer en terrain inconnu… Cette soif de découverte est l’apanage de l’enfance. A l’âge adulte, ces besoins diminuent, ces envies disparaissent… chez la plupart d’entre nous. La pression sociale, la peur et la fatigue sont généralement à la source de l’effritement de notre curiosité innée.
Heureusement, nous ne nous soumettons pas tous à cette fatalité. Nous pouvons rester éternellement frais. Ma curiosité est mon moteur. Mes découvertes sont mon carburant.
Diamanda Galas fut une magnifique découverte pour moi. Elle nous raconte des histoires, dans une ambiance de Piano-bar sombre, déjanté, voire Gothique (ou même d’Art Gothique, au sens où Fulcanelli l’entendait). Même dans une salle de plusieurs centaines de personnes, on peut ressentir un climat très intime.
Elle ne s’adresse pas à tout le monde, elle s’adresse à ceux qui le désirent! En effet, ce qu’elle exprime n’est pas agréablement reçu par tous. Elle aborde la musique d’une manière très personnelle, très unique. Elle excelle tant au piano qu’au chant, et empreint ces deux disciplines de son univers particulièrement singulier. Nombreux sont les détracteurs d’une telle approche… Je fais partie des amateurs. Soit.
Un concert de cette Artiste est une expérience interpellante. Cela va bien au-delà du simple divertissement, il s’agit d’une invitation à l’éveil. J’ai ressenti quelque chose de mystique pendant son spectacle. Il y a une dimension invisible, habituellement rejetée par notre société. La magie, la transmutation, les Esprits, tout ça n’existe pas, n’est-ce pas ? A moins que… ??? Vous préférez regarder une publicité montrant une jeune femme à moitié nue, lascive, qui semble vous désirer? Elle correspond parfaitement aux critères esthétiques imposés par la société de consommation, pourtant, ne serait-ce pas elle le mirage ?
Etes-vous prêts à regarder, à écouter le monde tel qu’il est? Dans la splendeur secrète de son horrible réalité ? Il semble que ce soit bien là que se situe le peu de libre-arbitre auquel nous pourrions prétendre. Nous avons le choix de croire ce qu’on nous dit, ou de chercher une autre vérité.
Diamanda Galas nous incite à la découverte d’un monde caché, au même titre que Platon, Zarathoustra, ou d’autres… N’ayez pas peur de ça, c’est bien plus enrichissant que la télé-réalité. Ne vous reposez pas. Un homme avisé m’a dit un jour: « Ne te conforte pas dans l’eau chaude de tes problèmes, et plonge-toi dans l’eau froide de la vie! ». Je ne peux pas vous dire qui est à l’origine de cette phrase, mais je vous souhaite de vous approprier cette cinglante sentence!
J’ai adoré le concert de Diamanda Galas au Handelbeurs de Ghent, ce mercredi 20 avril 2016 ! Elle m’a élevé.
Vincent HALIN
Photo ©Vincent Halin
60 ans de musique… Essentiellement de musiques de films.
En effet, qui n’a jamais écouté Ennio Morricone, n’a jamais vu les classiques du Cinéma occidental (en particulier européen). On pourrait aller jusqu’à dire qu’Ennio Morricone a créé le concept même de « bande originale ». Il n’est pas le premier à s’y être exercé, mais il est le premier à avoir sublimé l’exercice. D’autres ont suivi naturellement.
Bien qu’il continue d’augmenter sa filmographie (ndlr : récemment avec The Hateful Eight, de Quentin Tarantino. Je vous invite d’ailleurs à lire la critique de Cymophan à ce sujet), le Maître accorde sa préférence à la direction d’orchestre. C’est ainsi que nous avons saisi l’opportunité d’aller le voir à l’œuvre, en concert.
Sa précédente tournée « My Life in Music » avait des odeurs de crépuscule. Concerts annulés ou reportés. En cause, initialement un mal de dos qui deviendra plus tard une thrombose…
Heureusement, un répit lui a été accordé, et nous avons pu assister à un concert magistral au palais 12 du Heysel à Bruxelles, le 3 février 2015 (le show était, à l’origine, programmé le 24 octobre 2013).
Revisitant ses œuvres les plus célèbres, pour le plus grand plaisir des fans, même des plus incultes.
La présence de la Diva Susanna Rigacci est comme une cerise sur le gâteau. Son interprétation de « L’Estasi Dell’Oro » (« Ecstasy of Gold », tiré du film non moins grandiose : Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo, plus connu en français sous le titre, Le Bon, La Brute et le Truand), symbolise un peu le point d’Orgue du spectacle. Ce morceau est d’ailleurs rejoué en rappel presque à chaque concert.
Le 20 Février 2016, pour la tournée « 60 years of Music », Monsieur Morricone se produit à nouveau au plat pays. Cette fois, c’est le Sportpaleis d’Anvers qui l’accueille. Nous ne pouvions manquer cela! Cette tournée est annoncée comme étant différente des précédentes. Nous pourrons écouter ses nouvelles œuvres. La sortie récente du dernier Tarantino (dont le seul intérêt est justement la participation d’Ennio Morricone… J’aime la critique facile et gratuite) lui donne l’occasion de diriger ses nouvelles pièces en public.
Quel délice.
Mes compagnons et moi-même aurons régulièrement la chair de poule.
La musique d’Ennio Morricone est subtilement saupoudrée d’envolées lyriques flamboyantes qui vous submergent. Et c’est encore plus vrai en concert.
Ajoutez à cela que, pour beaucoup d’entre nous, ces musiques rappellent aussi des œuvres cinématographiques majeures. Vous seriez, très certainement, plongé dans une atmosphère pouvant provoquer l’effet « Madeleine de Proust ».
Ce concert du Sportpaleis était sublime. Susanna Rigacci fait montre d’un talent exceptionnel et d’une technique incroyable. En la regardant, en l’écoutant surtout, j’ai mesuré à quel point le chant est le sommet de l’expression musicale. L’instrument le plus mystique, le plus précis, et le plus magique. On ne triche pas avec le chant. On ne se cache pas.
Ennio Morricone a, comme tous les génies, toujours su choisir ses collaborateurs. Il a longtemps travaillé avec la Soprano Edda Dell’Orso, mais aussi avec le virtuose de la Flûte de Pan Gheorge Zamphir, notablement. Il a collaboré avec Sergio Leone, Pier Paolo Pasolini, Giuseppe Tornatore, Roland Joffé, Brian De Palma, Georges Lautner pour les réalisateurs…
Son approche de la composition était assez novatrice (Elle l’est toujours, mais c’est moins flagrant aujourd’hui, tellement il a inspiré d’autres artistes).
Sans rentrer dans des développements de théorie musicale, Ennio Morricone est un champion de « variation sur un même thème pour orchestre ». Par exemple, le thème joué par les violons, pendant que le reste de l’orchestre accompagne, sera repris par les cuivres, alors qu’à leur tour les violons accompagnent, ensuite ce sera le tour du piano, et ainsi de suite.
Ennio Morricone joue aussi beaucoup sur les décompositions d’accords par différents instruments. Là où le violon jouera la tonique de l’accord, le violoncelle jouera la tierce, la trompette la quinte, et la guitare la 7ème, par exemple.
Enfin (et surtout), il est à l’écoute de la nature, dont il s’inspire judicieusement. Les différents bruits, bruissements, bruits de vent, cris d’animaux sont une source inépuisable dans laquelle le compositeur va se servir. Il a déclaré, dans une interview accordée à L’express :
(…) Même le banal tapotement d’un stylo sur une table, isolé de son contexte, peut se réincarner en musique. Le cri du coyote, si on l’écoute bien, est éminemment musical. Pour le traduire en musique dans Le Bon, la brute et le truand, j’ai demandé à deux chanteurs de crier ensemble, puis j’ai mixé leurs deux voix en ajoutant de l’écho. (…)
Il y a peu de « spectacle » lors de ce genre de concert. ce n’est pas pour cela qu’on se déplace. Les concerts s’écoutent, et se ressentent dans le chair (les poursuiteurs sont au chômage, les lampistes au repos, les danseuses au vestiaire, et le Signor Morricone ne fera pas de « Stage-Diving »).
J’encourage tous les amateurs de musique, qui n’en auraient pas encore eu l’occasion, à assister au concert d’un orchestre philharmonique. Le son produit par 6 violons, 4 contrebasses, plus de 70 choristes, un piano, des dizaines de cuivres et de bois, une basse électrique, une guitare électrique, une batterie, des percussions, un piano, une Harpe, une Soprano… C’est véritablement envoûtant. (par contre, je n’encourage pas les cinéphiles à aller voir le dernier Tarantino… D’ailleurs je n’encourage pas les cinéphiles, tout court).
Sans vouloir faire l’oiseau de mauvaise augure, si vous en avez la possibilité, allez voir Ennio Morricone, tant qu’il est encore parmi nous.
C’est un des compositeurs contemporains les plus intéressant et productif, bien qu’il se considère comme un « chômeur » en comparaison avec Johan-Sebastian Bach.
Et oui, seulement 60 ans de musique.
Vincent Halin