Tu pleureras ; de tes lèvres montera le nom de l’ami que tu abandonnes et souvent ton pied s’arrêtera au milieu du chemin. Mais, moins tu auras envie de partir, plus tu dois penser partir.

Ces paroles viennent d’Ovide. Et s’il avait raison ?

Existe-t-il un art d’aimer ? Faut-il le respecter ? Call Me by Your Name s’affranchit de ces questions. L’œuvre présente deux hommes, deux âges, deux personnages. L’un est fougueux et charmant (Elio, Timothée Chalamet), l’autre est séduisant et curieux (Oliver, Harmie Hamer).

Elio vit au sein d’une famille cultivée. Elle accueille Oliver, un Américain qui découvre les richesses de la Méditerranée. Il est censé aider le père du jeune adulte dans ses recherches archéologiques. La rencontre de nos deux acteurs bouleverse l’ambiance du film. Ils incarnent provocation, séduction et sensualité (tout en sueur !).

Il ne s’agit pas de dominant ou dominé. Ce film n’impose aucune règle dans leur relation. Nos protagonistes font l’expérience de l’hédonisme dans une Italie excessivement idyllique. Trop beau pour être vrai, comme cette histoire de fusion. Rien n’arrête leurs initiatives, même si elles sont secrètes.
Les bonnes mœurs apparaissent toujours comme un mur dans nos mentalités. Pourtant, les amoureux parviennent à évoluer main dans la main. Elio symbolise véritablement la jeunesse dans sa forme la plus aventureuse. Oliver voit une opportunité de goûter un fruit inoubliable. Rien ne semble superficiel. Sauf que le temps ne sauve rien. Tout a une fin.

Un monologue offre une séquence mémorable. Face à son fil, le père d’Elio adopte une vision optimiste. Il comprend la souffrance du garçon vivant une douloureuse rupture. Sa sincérité fait mouche : Aujourd’hui, tu es triste, et tu souffres. Ne te débarrasse pas de ces sentiments, ils s’en iraient avec la joie que tu as ressentie. Ses mots feront méditer bon nombre d’entre nous. Au lieu de sombrer dans un fatalisme, il joue l’érudit. Pourquoi ? Car les expériences amoureuses nous appartiennent. Personne ne peut détruire le goût d’un baiser, une joie d’antan, une chaleur inestimable.

Le final de l’œuvre ne laisse point indifférent. Les larmes d’Elio… quelle scène, quels frissons ! Le voici séparé d’Oliver, pour de vrai. Que reste-t-il ? Sûrement le souvenir d’un été où aucun code ne dictait aucune action, où chaque folie guidait chaque décision. Ces souvenirs brûlent chez l’adolescent, comme chez les spectateurs. Personne ne peut éteindre ce feu sacré.

brunoaleas

Christopher Nolan, el famoso fétichiste de la pellicule, revient en force ! Le cinéaste propose un film de trois heures centré sur un personnage historique. Pas n’importe lequel. Cet homme bouleverse et influence encore nos réalités. Robert Oppenheimer est certes fascinant, mais aussi détestable. Intelligent. Vif. Curieux. Le physicien réunit divers scientifiques au désert de Los Alamos afin de créer les trois premières bombes atomiques de l’Histoire…

Le réalisateur semble à nouveau écrire une lettre d’amour à la Science. Interstellar projette les spectateurs vers un espace fantasmé, tandis que son dernier long métrage se focalise sur des faits réels. Plusieurs figures apparaissent, de Werner Heisenberg à Albert Einstein. Pour la plupart, ils soulèvent une question très intéressante : à quel prix partager nos connaissances ?

En pleine guerre, Oppenheimer choisit de travailler avec les services militaires, d’autres savants refusent ce type de collaboration. Serait-ce là une démesure déjà trop prononcée pour notre Prométhée en herbe ? Qui sait ? Je n’ai jamais ressenti autant de dégoût pour des intellectuels si déconnectés, si naïfs, si dangereux… parfois, il faut se détacher de ses émotions pour contextualiser un évènement historique.
Retenons une citation d’Einstein, des mots que j’aurais aimé adresser aux participants du Projet Manhattan : La peur bloque la compréhension intelligente de la vie.

Malgré mon aversion pour Oppie, le film est plutôt magistral. Images frénétiques. Chaos. Propulsions. Explosions. Lumières. Puis, la mise en scène, qu’elle soit explosive ou verbeuse, est sublimée par son travail sonore. Bruits et ambiances offrent un rythme accrocheur. Pensons à la scène où le protagoniste fait un discours sous moult applaudissements étouffants, voire anxiogènes. Merci à Ludwig Goransson. Cette sorte de messie compose quelques morceaux reposant le cerveau… car si l’œuvre est réussie, dévoilant un Nolan plus cru qu’auparavant (une scène de sexe est vraiment détonante), comment nier qu’elle fut une rude épreuve visuelle ?!
Trop d’informations sont à ingurgiter ! C’est pourquoi, je ne contemplerai pas ce film une deuxième fois. Je préfère voir le réalisateur aux commandes de fictions extraordinaires, comme Le Prestige.

Christopher Nolan filme le temps, une matière inépuisable et inspirante. Le temps bouffe Prométhée. Le temps est souvent notre ennemi. Laissons-le aux mains de la communauté scientifique, qu’elle puisse juger la folie des Hommes.

brunoaleas

Beau is afraid est le troisième long métrage d’Ari Aster (Midsommar, Hérédité). Tantôt drôle, tantôt perturbant, le film nous conte les peurs de Beau.

Le film débute avec un écran noir inquiétant. Le spectateur comprend rapidement qu’il est en train d’assister à la naissance du personnage principal. Tout de suite après, nous nous retrouvons une quarantaine d’années plus tard avec Beau (Joaquin Phoenix) face à son psychiatre.

Les choses s’emballent lorsque Beau doit rentrer chez lui. Sur le chemin du retour, il assiste à des scènes loufoques : la ville est dans un état post-apocalyptique, un étrange personnage tatoué de la tête aux pieds l’attend devant l’entrée de son immeuble pour l’agresser physiquement. Dès cet instant, le spectateur se questionne pour savoir si tout ceci est la réalité ou le fruit de l’imagination de l’étrange Beau ?

Tout partout, et en même temps

Ari Aster construit son film en trois grosses parties. Chaque partie peut être considérée comme un voyage dans les tréfonds des traumas de son protagoniste. Chaque élément garde une certaine cohérence et on peut apercevoir un fil conducteur jusqu’à l’issue de la première partie. Dès l’entamé de la deuxième partie, le spectateur est littéralement noyé par les informations. Le réalisateur utilise cette partie (la plus longue des trois autres) pour remonter aux origines des traumas de Beau. L’exercice qui, initialement, ne semble pas périlleux, se transforme en une séance de psychanalyse incompréhensible. En effet, nous embarquons dans des scènes qui sont à la fois drôles, étonnantes, sans queue ni tête et malaisantes. Pensons au moment où le film se transforme en un tableau de peinture vivant.

©La Libre Belgique

Un peu trop long ?

Depuis ces dernières années, il y a une surenchère sur celui ou celle qui réalisera le film le plus long. Beau is afraid n’échappe pas à ce phénomène. Cette longueur est paradoxale car on ressent une impression d’inachevé à la fin de la projection. Ce sentiment s’amplifie par le fait qu’on reçoit énormément d’informations durant tout le film, sans pour autant comprendre où tout cela conduit.

Freud is everywhere

Aster n’hésite pas à faire appel aux théories du plus connu des psychanalystes, Sigmund Freud. Tout au long du voyage de Beau, celui-ci se confronte au complexe d’Œdipe. Effectivement, Beau semble vivre une relation très glauque avec sa mère. Cette dernière a une emprise très malsaine sur lui.

La sexualité est également un sujet récurrent dans l’intrigue. Malheureusement, le cinéaste n’exploite pas en profondeur les symboles freudiens. Il se contente de simples évocations qui parfois tournent à la caricature. La scène dans laquelle Beau découvre l’identité de son géniteur l’illustre parfaitement. Freud a théorisé le concept du ‘ça’ qui renvoie notamment aux pulsions sexuelles. Le réalisateur le caricature un peu lors de la conclusion de cette thématique dans son œuvre, car il dépeint le père de Beau sous forme d’un phallus géant. Il assume certainement ce choix pour rajouter un élément d’absurde lié au côté comique du film. Cependant, cela demeure frustrant de ne pas avoir une explication plus complexe des angoisses sexuelles de son personnage principal.

Heureusement, Joaquin Phoenix, coutumier du rôle du gars pas bien dans sa tête, livre une performance hors norme. Il réussit, magistralement, à transmettre aux spectateurs la confusion qui règne dans sa tête. Finalement, Beau ne serait-il pas un Joker qui tente de comprendre sa folie ?

Fortuné Beya Kabala