Lors du confinement, j’écoutais tout style de musique. Les covers folk d’Alice Martin ne me laissaient pas indifférent. Elle participe alors à sa première interview ! Le temps de discuter de ses reprises, de son expérience musicale et de son futur EP.

Aujourd’hui, que signifie « être une chanteuse folk » ?

C’est un subtil mélange de charme, de peps, et de sensibilité. Au rythme dynamique d’une guitare, l’émotion se laisse transparaître dans la fragilité de la voix et à travers des textes pas toujours heureux, qui nous sortent des tripes. La base d’une chanteuse folk se résume à son jeu de guitare, à sa voix et dans une quintessence pure accompagnée d’un texte percutant.

Comment choisis-tu les morceaux de tes reprises ?

Depuis longtemps je voue un intérêt particulier pour la culture musicale des USA. Je pense au blues, folk, à Bob Dylan, Johnny Cash, Bessie Smith, ou aux Canadiens, comme Neil Young. Mais aussi les monuments mythiques anglais : The Beatles, Queen ou David Bowie… Je m’inspire énormément des chanteuses de rock, ou même parfois pop, qui sont charismatiques et qui prônent l’indépendance et l’émancipation de la femme. Patti Smith, Debby Harry, PJ Harvey ou même Lady Gaga. Et je tente de transformer tout ça à ma sauce.

Parmi ces chansons, en admires-tu une plus qu’une autre ?

Je pense avoir un coup de cœur particulier pour ma dernière cover qui fut le premier challenge d’une longue série à venir. « Do for the others » de Stephen Stills. Il est selon moi l’un des plus grands guitaristes vivant de ce monde. Sa chanson paraît simple aux premiers abords, mais elle demande beaucoup de travail sur le jeu de guitare. De fait, cet exercice m’a donné encore plus l’envie d’accroître ma pratique. Enfin, c’est avant tout une dédicace à mon père, qui m’a fait découvrir ce grand musicien.

Tu as voyagé à l’est des USA, sur la route du blues. Une escapade bouleversante à tes yeux. Quelle est la plus grande leçon retenue de ce voyage ?

Ce voyage m’a fait prendre conscience de quoi j’étais capable quand j’étais livrée à moi-même. Via les différents états que j’ai traversé, il m’a été vraiment difficile de m’imposer en tant que jeune chanteuse belge parmi des artistes locaux bien imprégnés. J’ai surtout réalisé que la musique avait une importance bien plus colossale que je ne le pensais dans ma vie. A travers de belles rencontres, j’ai eu la chance de monter sur des scènes à Nashville, au Texas, à la Nouvelle-Orléans, ou encore à New York. Ces rencontres m’ont aussi fait prendre conscience qu’il ne suffisait pas d’avoir uniquement l’envie, mais que le vrai challenge, c’était d’avoir l’audace de foncer sans se poser mille questions. “Smoke them all !”

Dorénavant confinée, ton envie de composer est d’autant plus nourrie.

Plus que jamais. A la base, je suis serveuse dans un restaurant à plein temps et je pense avoir trop longtemps fui l’univers de la musique en me noyant dans mon travail. Le confinement m’a permis de me reconnecter avec mes créations et de me concentrer pleinement sur ma musique. Je ne vois quasiment personne. Je suis comme devenue autiste mais ça me fait du bien. Je le vois comme une chance de rattraper le temps perdu. J’apprends de nouvelles choses, tel que le piano ou à utilisé les DAW pour m’enregistrer, ainsi que renforcer ma technique à la guitare comme pour les échauffements vocaux. D’ailleurs, je plains un peu mes voisins.

Parlons de ton EP prévu pour septembre.
Qu’est-ce qui t’as motivé à te lancer dans sa création ?

A nouveaux, ce sont de belles rencontres. Une petite équipe s’est doucement créée autour de moi. Le réalisateur Julian Bordeau, qui est un ami avant tout, m’aide à travailler mon image et ma confiance en moi. Parfois, il me pousse dans mes retranchements mais ça m’encourage beaucoup.
Ainsi que le producteur Théophile Moussouni, qui dès la première écoute de mes démos m’a mise directement en confiance et s’est impliqué dans le projet en apportant sa patte plus trip hop.

A quoi doit-on s’attendre ? Comment le décrire ?

Le projet étant toujours au stade de l’émergence, sera pour le moment un mix d’influences folk et trip hop, qui je l’espère sera très prometteur. Je mise aussi sur la qualité des textes, qui sont en anglais, mais auxquels je consacre énormément de temps. Il y a déjà un squelette et le reste se peaufine jour après jour, ou nuit après nuit.
Les sujets sont variés mais se concentrent beaucoup sur des extirpations de douleurs passées, la dépression, ou encore des sujets plus féministes… et naturellement, on y trouve un peu d’amour.

DRAMA – Photos ©Alice Martin

Dès 2017, Simon devient la tête pensante de Par.Sek. Marion le rejoint ensuite à la basse, tout comme Corentin aux percussions. Désormais, le chant de Simon enrichit les compositions electros de la bande. Découvrons l’univers chaleureux de ces Français souhaitant embrasser la pop ! Le groupe nous offre également la diffusion du clip « GALERE » en avant-première. Quel honneur !

Vos premiers morceaux expérimentent diverses sonorités.
On dirait que vous vous lancez plusieurs défis au niveau de vos compositions.

Simon : Le premier album était plutôt un album de recherche. J’étais encore seul dans par.sek à ce moment-là. J’avais juste demandé à Marion d’enregistrer des lignes de basse. L’idée était de me laisser aller dans mes envies. Les compositions ont été très orientées par des « erreurs » dont je m’inspirais pour continuer à composer, car je ne connaissais pas encore très bien les outils que j’utilisais. Je m’attendais souvent à autre chose que le résultat sonore que je trouvais. Plutôt que de chercher absolument à retrouver mon idée initiale, je laissais ces hasards et ces choses inattendues guider la suite des compos. Le seul « défi » que je me suis imposé a été de créer quelque chose de différent de ce que j’entendais dans la musique que j’appréciais à cette époque. Je désirais de travailler sur la surprise, les changements brutaux de rythme, d’ambiance sonore, et ne pas me poser de limites en termes de composition.

Etes-vous toujours dans une perpétuelle recherche de nouvelles sonorités ou avez-vous trouvé votre style ?

Simon : Aujourd’hui, je pense qu’on a trouvé un style qui nous correspond, en effet. Cela dit, ça n’empêche pas d’être toujours en recherche de nouveauté en matière de rythme et de son. On garde toujours une porte ouverte à l’utilisation d’une autre gamme de son, à l’inspiration d’autres styles musicaux dans lesquels on va piocher ce qui nous plaît sur le moment pour l’insérer dans les nouvelles compos. Se garder une possibilité permet d’être toujours en évolution, ce qui nous paraît très important dans notre pratique de la musique. En plus, découvrir de nouveaux champs d’exploration permet de revenir sur les compos finies qui ne sont pas encore sorties, de les emmener plus loin à chaque fois qu’on a envie de revenir dessus. Mais bon, à un moment, il faut quand même savoir s’arrêter et fixer ce qui a été fait pour pouvoir avancer sur autre chose. Globalement, ce rythme de création est plutôt guidé par nos envies, et on a souvent envie d’avancer vers le futur, de créer du neuf, pour notre plaisir personnel, beaucoup, parce qu’on ressent que c’est vital de se renouveler.

Marion : Comme le style a pas mal évolué depuis le début en passant de l’instrumental à la chanson, j’ai l’impression que, même si on est plutôt fixé maintenant, on est assez libre de revenir sur le style plus instru et expé, si l’envie nous prend.
D’ailleurs, on n’a pas abandonné les anciens morceaux, car on continue à les jouer en live. Ce qui est assez chouette pour changer d’univers.

Pourquoi avoir décidé d’inclure le chant dans votre EP prévu pour septembre ?

Simon : L’idée initiale du groupe Par.Sek, c’est de créer un pont entre musique expérimentale et musique pop, de décider de ne pas faire de distinction. Avec Marion, on est allé en fac de musicologie. Là-bas, on nous apprend qu’il y a en gros, la musique savante d’un côté, et la pop de l’autre. Ce qui est un peu tristoune comme vision de la chose. Pour moi, ce sont des musiques qui s’appuient sur des ressorts différents, mais qui utilisent chacune un langage très complet, même si ce n’est pas toujours le même. Un des outils hyper importants de la pop, ce sont les paroles. Après le premier album, qui se situe dans un paradigme plus expé, on s’est dit que ce serait chouette d’aller voir ce qu’on pouvait trouver dans une musique plus pop. Et d’entamer ce geste avec l’ajout de paroles, sur des mélodies simples, comme on entend dans « GALERE ». Au fur et à mesure des EPs, d’albums, etc. On va essayer de trouver le point de rencontre, pile au milieu, entre ces deux « mondes » musicaux, qui sont quasiment des manières de voir l’art pour certains. Donc on oscille autour du point central, et on essaie de se rapprocher. Après, il faut admettre qu’on a pris goût à la chanson. Franchement, c’est super agréable à faire, et plus simple à partager en soirée.

Marion : Souvent, on se dit que c’est étrange parce qu’en dehors des gens qui viennent nous voir en live, personne n’est vraiment au courant de l’évolution pop de Par.Sek. Alors je trouve que faire un EP avec du chant, c’est aussi l’occasion de montrer cette nouvelle facette.

L’ajout de paroles à vos morceaux donnent moins d’espace et de liberté à vos instrus ?

Simon : Un peu, quand même. Le fait qu’il y ait moins d’espace pour l’instru se sent beaucoup dans « GALERE », où il y a vraiment peu de place pour la musique instrumentale d’une manière temporelle, et aussi peu de place pour la complexité musicale. Mettre des paroles, ça cadre toujours un peu, surtout qu’on voulait pouvoir les chanter, qu’elles soient rythmées,… Si c’est trop complexe, on en perd le sens à mon goût. Mais c’est une liberté et un espace qu’on compte retrouver dans nos prochaines compos. On la retrouve déjà un peu dans l’EP qu’on sort en septembre.

A l’écoute de « GALERE », on réalise que l’humain peut aller jusqu’à construire des navettes spatiales mais est parfois incapable d’avouer ses sentiments.
Qu’est-ce qui vous a poussé à écrire une chanson pareille ?

Simon : Il y a dans « GALERE » une volonté de raconter ça, en effet. Plus précisément, que ces choses que l’on construit, on les fait souvent aussi pour s’adresser aux autres, que ce soit nos proches ou le monde tout entier.
Il y a des gens qui choisissent de faire une carrière incroyable. D’autres qui veulent acheter des choses qui les feront briller, ou amasser énormément d’argent pour en faire profiter leurs proches. Puis, il y a les cadeaux qu’on s’offre, aussi. Tout ça, je le vois comme une multitude de manières de faire du bien aux gens qu’on aime. Ou bien, c’est une recherche de reconnaissance, mais je pense qu’on veut être reconnu parce qu’on aime l’autre, de base, et qu’on veut donc avoir de la valeur à ses yeux. En gros, les paroles, c’est « je parle à mes objets, mais ce que je vise n’est pas de leur parler à eux, mais aux autres ». Je ne sais pas si c’est de mauvais goût de faire une explication de texte comme ça !
Nous, on fait des objets musicaux, parce que ça nous permet de parler à des gens, de partager avec eux. On n’y arriverait peut-être pas juste en les croisant dans la rue, ou n’importe où, parce que c’est galère. Il y a plein de trucs qui rentrent en compte : le temps qu’on a, la timidité, les névroses, les galères en tout genre, qui font qu’être en société des fois, c’est compliqué.
Tout ça amène parfois à faire des choses qui ne sont pas si bonnes pour les autres en voulant leur parler. Par exemple, Elon Musk, pour parler à l’humanité et lui dire qu’il l’aime, il a décidé qu’il allait envoyer 32 000 satellites dans l’espace.
Je suppose qu’il voit ça comme un gros gros, gros, gros cadeau. Mais bon, au final, ça fait quand même un peu trop de satellites. Il y a plein de choses comme ça qui se font dans le monde.
Après, on ne peut pas se placer en juges et déterminer qui a raison ou qui a tort. Même si on a souvent notre avis sur la question, on doit très souvent se tromper. Alors, on n’a pas parlé d’Elon Musk, ni de personne d’autre dans la chanson. Juste de nous pour ne pas trop se mouiller.

Corentin : Et puis, d’un point de vue sociologique, j’ai l’impression que la pudeur physique et verbale caractérisent de plus en plus nos échanges... Même si les signaux sont parfois contradictoires entre la volonté de se dévoiler aux autres et la peur de se montrer tel qu’on est. Et si rompre cette pudeur commençait par en faire le constat publique ?

Depuis des années, on assiste à la démocratisation de l’électro. Il existe même de sérieuses études concernant la rave party ! Quant à Flume, il s’allie aussi bien à Beck qu’à JPEGMAFIA. Aujourd’hui, en tant que musicien, désirez-vous créer la surprise ?

Simon : C’était un des objectifs du dernier album. Mais je trouve qu’il est trop difficile. Il y a beaucoup trop d’infos qui nous arrivent de partout pour pouvoir surprendre qui que ce soit. Surtout en musique électronique, comme tu le dis, il y a tellement choses différentes et excellentes de partout…
Aujourd’hui, ce que je voudrais, plus que créer la surprise, c’est créer un sentiment de liberté. Ce qu’on peut ressentir, quand on se dit qu’on peut faire ce qu’on veut musicalement parlant, et plus globalement en créant de l’art. C’est vraiment de la liberté qui fait de mal à personne, et qui est assez infinie. Je pense que je voudrais transmettre ça aux gens qui écoutent ce qu’on fait.

Marion : Pour ma part, plus que la surprise, j’aime l’idée de pouvoir toucher les gens, et les faire oublier un peu leur galère du quotidien. Ou même pouvoir prendre du recul dessus. Je ne sais pas trop si on y arrive mais c’est en tout cas ce que je ressens dans ce que j’écoute, et ce que j’espère pouvoir transmettre aussi.

Corentin : Tous ces mélanges sont super. Je me demande ce qui va naître de ces croisements de plus en plus fous et rapides entre les genres. Par rapport à la surprise, en tant que musicien, on cherche aussi à atteindre une forme de sincérité. Dans la composition, ce qui est parfois impalpable, mais aussi dans le texte. Je crois que le Graal est de se surprendre soi-même, en réussissant à aborder des sujets qu’on redoute ou qui nous paraissent hors de portée des mots qu’on imagine. C’est un chemin de prise de conscience et d’assurance.

Pour ce qui est de la France, elle a toujours été une terre sacrée pour l’electro (Justice, Daft Punk, SebastiAn, Mr. Oizo, etc.). Actuellement, certains groupes mêlent de plus en plus la langue française à des sons très surprenants. Entre Odezenne, Bagarre et Flavien Berger, avec qui prendriez-vous un verre ?

Simon : J’irais bien prendre un verre avec Flavien Berger. J’ai eu une grosse phase Flavien Berger, où je l’écoutais en boucle. Je trouve qu’il est très touchant. Je suis assez fasciné par sa musique. En plus, je serais trop intimidé pour aller prendre un verre avec un groupe entier comme Bagarre ou Odezenne. Ca fait plusieurs personnalités à rencontrer d’un coup. Je suis plus à l’aise avec une seule personne.

Marion : Même si je pense aussi qu’un groupe est bien plus intimidant, je choisirais de boire un verre avec Odezenne. Leur musique me touche beaucoup, dans leur sonorité et leurs paroles. C’est peut-être un des groupes dans lequel je me suis le plus plongée récemment.

Corentin : En soit si tout le monde veut faire la teuf, je suis preneur.

Pour terminer, j’ai une question trop importante à poser.
Simon, serais-tu le fils caché de Damon Albarn (Blur, Gorillaz) ?

Simon : C’est une question extrêmement flatteuse ! (rire)
Je demanderai peut-être à mes parents, mais je ne crois pas. Enfin, ce serait un sacré choc, sous tout point de vue !
En vrai, Damon Albarn est quelqu’un de très inspirant, musicalement, et dans ce qu’il représente. Via sa musique, il transmet ce sentiment de liberté dont je parlais. C’est très beau.

DRAMA – Bannière logo ©Clémentine Stfkn / Photo ©Intza Bagur

Marina Cedro viendra présenter son second album à La Cité Miroir (Liège) ce vendredi 4 octobre. Très engagée, elle chante et danse le tango depuis son plus jeune âge. A la question « Etes-vous une chanteuse engagée ? », la chanteuse argentine répond du tac au tac par l’affirmative. Mais ses nombreux textes sur la dictature argentine et ses messages d’amours libres ne résument pas entièrement son univers. L’artiste d’une quarantaine d’années chante la vie, ses émotions, ses souvenirs, reprend quelques classiques (Creep de Radiohead, I Put a Spell on You de Screamin’ Jay Hawkins) et fait vivre le tango de son pays avec passion.

Vous donnez quatre concerts en Belgique sur cette tournée, pourquoi ?

J’ai conservé un beau souvenir de mon concert à Charleroi en 2009. Initialement, j’avais même pour objectif de revenir durant un mois entier en Belgique. C’est un pays que j’adore parce que ’y retrouve une belle écoute de la chanson et un respect de la poésie.

Votre musique est passionnée, engagée. J’ai l’impression que de nombreuses causes vous animent.

Il faut avant tout que ce que je chante soit vrai. Je revisite mes paroles et mes écrits via mes émotions. Mes chansons parlent de tout. De l’amour, la colère, la révolte, la passion, le bonheur. Le message qui doit découler de tout cela est la vérité. Quand je chante une chanson d’amour, je la vis entièrement du début à la fin. Peut-être que cela éveille l’amour chez une autre personne. C’est cela que j’appelle l’émotion vraie.

Vous parlez beaucoup de l’Argentine de 1972. À quoi ressemble le pays aujourd’hui ?

Il n’y a plus de militaires. Mais il reste des silences et des blessures dans le pays. La censure et le tabou sont encore d’actualité. La force artistique argentine avait pu sublimer l’ancienne dictature. Ce qu’on a vécu devient aussi notre patrimoine. Notre rôle d’artiste est de continuer à créer.

L’Argentine est un pays à l’histoire riche, aux influences multiples. Comment le traduire en musique ?

Les migrants sont à l’origine de la naissance de Buenos Aires. Ils venaient de tout horizon. Tout le monde souhaitait faire sa vie dans ce pays où il n’y avait rien. Ces instants de trouvailles et retrouvailles demeurent une richesse. Nous sommes un pays très curieux. Dès que les Argentins sortent de leurs terres, ils vont s’intéresser aux autres cultures et reviennent avec leurs savoirs. Ce qui alimente notre amour de la psychologie, aussi. On est toujours en quête de soi vu que notre peuple est le mélange d’autres cultures. C’est ça le tango : être une éponge, une évolution constante. Je fais du jazz, du folklore et du classique, mais avec le tango, j’ai trouvé une façon de m’exprimer. C’est la voix de l’âme.

Vous expliquez également dans plusieurs interviews que le tango vous permet de tout essayer.

C’est une musique qui naît de plusieurs cultures. Le tango s’exprime autant dans la danse que dans les paroles. Toutes les émotions peuvent y être transposées : la mort, la solitude, la joie. C’est une trilogie : il y a le corps, la parole et la musique. J’ai appris les trois disciplines quand j’étais petite. Lorsque je joue du piano, je peux aussi danser avec mes jambes ou mon bras. C’est tout que j’aime dans le tango.

Votre tango est assez moderne. Votre collaboration avec le rappeur Mike Ladd y participe. Pourquoi l’avoir choisi pour ce second album ?

J’aime bien le rap mais ce que j’aime par-dessus tout, c’est dire les choses. Le rap est une manière de transmettre la vérité et de la manifester en rythme. Avec Buenos Aires 72, je voulais parler de révoltes. Mike Ladd a sa place dans La noche de los lapices. C’est une chanson qui décrit la Nuit des Crayons où des étudiants argentins ont été torturés et tués. Il me fallait une force pour expliquer ce qui s’était passé.

DRAMA – Photo ©Nathalie Carlier

Rumours est un groupe à l’univers spécial. Ils ont une apparence chamanique et humoristique. Découvrons-les en cinq questions !

Lorsque j’écoute votre musique, j’ai toujours l’impression d’assister à un véritable rituel. Comme si votre son reflétait l’atmosphère d’un sacrifice.
Concevez-vous votre musique comme cela ?

Quand nous écrivons notre musique, le son sera toujours une réflexion de notre humeur du moment. Nous n’écrivons pas des choses parce qu’elles sonnent biens, mais aussi parce qu’on le sent bien.
Nous sommes très sensibles à ce genre de choses. Le vrai sacrifice repose dans notre volonté de se submerger d’un sentiment particulier. Quelque chose qui nous fait du mal, ou quelque chose qui nous a fait du bien, puis essayer d’aller aussi profond que possible, et la capturer dans notre élan. Nous pensons que c’est la seule voie par laquelle les gens peuvent assimiler la musique. L’artiste doit vouloir aller jusqu’au bout pour que l’auditeur puisse être capable de ressentir ne serait-ce qu’un peu de ce qu’ils veulent dire.
On peut voir cette honnêteté comme un sacrifice, mais dans nos têtes, il n’y a pas d’autres façons de faire. Si c’est une charge ou une bénédiction, on ne le sait pas encore. Mais ça le vaut bien.

Quel est le sens caché de votre clip ‘I Dance’ ?

‘I Dance’ est là où tout a commencé. Hannah, a rendu ce groupe possible. Elle a toujours été intriguée par la manière dont l’endroit influence la musique qu’on fait.
‘I Dance’ a été fait dans un vieux monastère de Bruges, là où elle grandissait. Tous les sons de cette chanson ont été enregistrés dans cette pièce. Le clip essaye de capturer l’atmosphère qu’elle a ressenti pendant la réalisation de cette chanson : sombre, isolé, chamanique, mystique. Ce fut là le tout début de Rumours. Nous étions un peu obsédés par le mot chamanique. Pour nous, tout ce que nous faisions était chamanique. C’est un mot qu’à l’époque, nous ne comprenions pas tout à fait. C’était juste quelque chose qui apaisait nos esprits quand ils étaient coupés du monde qui nous entourait. Notre communauté est plus grande que ce que les gens pensent. Nous sommes entourés par de nombreuses personnes qui pensent comme nous et nous en sommes reconnaissants. Sans cette communauté, beaucoup d’entre nous ne pourraient survivre comme ils le font. Une fleur n’est jamais appréciée que parce qu’elle est belle. Personne ne sait que nous sommes les seuls à l’arroser.

Je pense que la série TV Dark s’apprêterait très bien de votre musique.

C’est justement le rêve d’Hannah de faire la musique d’une bonne série. Nous espérons que ça se passera dans le futur.

Stefanie est un membre du groupe BRUTUS. Elle fait les beats de Rumours. Procure-t-elle un peu de sa rage artistique dans les compositions de Rumours ?

Tout d’abord, elle ne fait pas que les beats de Rumours. Dans Rumours, chacun fait ce qu’ils ont envie de faire pour ce qui est d’écrire des chansons. Nous n’avons aucune barrière. Pour ce qui est du jeu, lorsque nous disséquons une démo pour la jouer en live. Nous ne prenons jamais en considération qui a écrit telle ligne. Nous savons juste qui va la jouer parce que nous connaissons bien nos instruments. La rage artistique est une mauvaise manière de décrire faire ce qu’on sent bien. On ne voit pas Stefanie comme une artiste malveillante, qui fait tout à partir d’une rage artistique. Elle écrit sa musique par amour, et uniquement par amour véritable. Sa musique peut sembler dure, mais si vous l’écoutez vraiment, c’est sa tendresse qui fait frissonner. Alors oui, elle nous procure sa tendresse artistique. Et pas qu’un peu.

Comment décrieriez-vous l’image et l’esthétique de votre groupe ?

Nous avons pris de nombreux chemins différents, ces trois dernières années. Nous jouons un style chamanique jusqu’au rétro, en passant par la techno, jusqu’à littéralement des choses qui ne se combinent pas du tout ensemble. Nous avons toujours été conscients de ce à quoi nous devrions ressembler, mais pas de ce à quoi nous ressemblions vraiment. Surtout à nos débuts. Nous expérimentions avec ce qui nous faisait plaisir, ce qui nous faisait rire et nous rapprochait. Maintenant, on se rend compte que ce n’est pas vraiment dans les extrêmes que nous trouverons cette beauté ou cette densité.
Depuis notre EP Infant, nous étions obsédés par tout ce qui était sombre et bizarre. C’était la forme que la rébellion avait pris dans notre vie, je suppose. Mais maintenant nous sommes libérés de tout ça. Nous sommes plus vieux et plus à l’aise. Là où tout se joue maintenant, c’est à l’écriture d’une true story, qui pourrait ou pas inspirer les gens, mais que nous aurons avant tout écrit en tant que famille. Ce à quoi nous essayons de ressembler n’a désormais plus d’importance. Nous nous rendons compte que, plus tu es honnête à propos de qui, et de ce que tu es, plus les gens sont touchés. Et nous, en tant que musiciens, avons aussi besoin de faire quelque chose de nos vies, non ? Nous ne trouvons pas de sens dans l’amélioration de soi. Et si c’était le cas, on ne tiendrait même pas deux jours.

DRAMA – Photo ©Vi.be

Trompette et clavier se mélangent à un rythme dansant. The Brums, groupe liégeois, séduit grâce à des sonorités jazz et modernes. Programmé à La Zone, on ne pouvait nier leur concert, surtout pas après avoir joué dans le clip endiablé de « Kimberley ». Ces musiciens s’embarquent dans une première interview pour un site web !

Quels étaient les choix les plus importants à faire lors l’enregistrement de l’album ?

Clément Dechambre : On a fort changé notre manière de voir les choses. Juste pour cet album, notre son est particulier. On a lancé un nouveau mode de fonctionnement. Il fallait étoffer le coté électronique. C’était le premier choix.

Alain Deval : C’est l’élément déclencheur. On voulait y amener de l’acoustique. J’ai écrit trois morceaux et Clément un seul. On cherchait le rôle de chacun dans l’électronique. On souhaitait vraiment travailler sans sample et sans boucle, même si j’en utilise un peu. Tout est joué dans nos morceaux. Comme il y a deux claviéristes, c’était chouette de pouvoir jouer trompette et clavier en même temps. Tout aussi agréable que de trouver une manière réalisable de jouer cette musique en concert.

Vous y avez cru dès le départ ? Ou il y avait une petite crainte que ce mélange des sons ne percent pas ?

Alain : Non. Je fais ça depuis longtemps dans d’autres groupes. C’est un truc que j’ai beaucoup travaillé. En plus, j’étais au sein du groupe Quark avec Adrien donc j’imaginais déjà la partie sonore qu’il aurait eu avec son trombone. Puis, j’ai découvert Antoine, notre claviériste. Grâce à ça, on peut tous jouer ensemble en l’air à quatre, sans dépendre de sample ou de boucle.

Quels ont été les retours des premiers auditeurs ?

Alain : C’était un retour assez positif, ce qui était étonnant. Nos quatre titres étaient une démo faite en un jour. Au départ, on se dirigeait vers l’enregistrement de quatre morceaux de manière novice. On ne comptait rien sortir de ce EP.

Clément : Ça reste dans l’optique d’une démo présente gratuitement sur Internet. Ça circule et on a des retours assez positifs.

Des gens surpris ?

Alain : On était les premiers surpris.

Clément : Des labels nous ont contactés. C’était pas mal, parce que j’avais toujours l’impression que personne ne cherchait rien. Qu’on écoutait plus du tout des artistes aux nouvelles sonorités. Mais c’était faux.

Il reste pas mal de curieux.

Clément : Les gens ont vite parlé du projet après qu’on ait sorti la démo, sans qu’on ne fasse rien.

Alain : On n’a quasi pas envoyé de mail pour faire des concerts mais on nous envoie des mails pour nous en proposer.

Lorsque j’écoute vos morceaux, il y a ce mélange entre jazz et sons plus modernes. Est-ce que votre musique est tout public ?

Antoine Dawans : On en parlait tantôt, avec le clip qu’on va sortir. En fait, ça touche plus de gens qu’on ne le pensait. On croyait que le public était plus ciblé. Mais on a plusieurs retours de proches avec des profils assez différents. Ça doit être le côté dansant qui réunit cette foule. C’est expérimental mais c’est dansant.

Alain : Par rapport au jazz, l’idée que j’ai dans la compo, c’est de faire de la musique électronique. Comme on vient du jazz, le but était de ne pas abandonner cela. On désire plutôt un côté brut dans les thèmes, pas trop mélodique ou trop harmonique. On reste proche de la musique électronique.

Improvisez-vous sur scène ?

Alain : Oui. Si on fait n’importe quelle musique, si on est tous ensemble, il va toujours y en avoir. C’est notre manière de jouer. Même si on ne rentre pas dans les cases du jazz, improviser est un but. J’ai toujours eu l’impression de jouer comme un musicien de jazz.

Quand des musiciens improvisent, est-ce qu’il faut prendre en compte le fait qu’ils se connaissent depuis longtemps ?

Alain : Ça dépend des rencontres. Tu peux faire de l’impro avec des gens avec qui ça ne va pas coller et le résultat sera peut-être intéressant. Il y a plein de langages dans l’improvisation. Notre avantage est qu’on a énormément joué ensemble en dehors de ce projet. On se connaît beaucoup et ça nous aide.

Si un jour vous deviez ajouter du chant, il serait de quel type ?

Clément : On pensait ajouter des voix complètement tordues, faites nous-même, avec plein de disto.

Alain : Et peut-être sur le prochain disque, vu qu’on a en parallèle un spectacle avec une chanteuse dans des écoles, on pourrait faire un titre avec elle… On ne sait pas encore.

Clément : On a vraiment envie de garder l’aspect instrumental.

Antoine : Ce n’est pas rien d’ajouter du chant parce que tu changes vite d’univers. Si après on t’identifie avec une voix, tu ne peux plus faire marche arrière.

Alain : En tout cas ce ne serait pas central. Ce serait une voix instrumentale exploitant plusieurs effets.

Clément : C’est difficile de savoir quel mot mettre sur une musique. On n’est pas doué avec ça. On a du mal rien que pour inventer des titres.

Le morceau « Liège » est à l’image de la ville ?

Alain : Oui. J’avais envie d’écrire un morceau pour Liège. Au départ, il se nommait « Tox City » mais cela pouvait sembler péjoratif. J’ai étudié à Anvers, puis j’ai beaucoup joué à Bruxelles et pas tant que ça à Liège. Ces derniers temps, je reviens de plus en plus à Liège avec ce groupe puisqu’il se passe de plus en plus de choses. Je me suis rendu compte que j’aimais beaucoup ma ville.
Avant, comparé à Anvers, quand je venais à Liège, je m’ennuyais. Je trouvais qu’artistiquement, il y avait pas grand-chose à faire, c’était dur. Avant, Liège se tournait vers le punk. Là maintenant, c’est beaucoup plus large. Notamment avec une salle comme le Kultura, de nombreux collectifs ou le Micro Festival. Tout le monde était un peu dans son coin mais tout s’est bien rassemblé. Je pensais que Jaune Orange ne favorisait que la pop mais ils nous ont contacté.

Il y a beaucoup de petits évènements à droite à gauche. Par contre, est-ce que les gens ne sont pas assez curieux ou est-ce que la publicité des shows n’est pas assez efficace ?

Clément : Les gens sont quand même curieux. Si tu te rends dans un lieu comme L’An Vert (ndr : Liège, en Outremeuse), où on est souvent amené à y jouer, des musiciens en tout genre y passent souvent. On y retrouve ceux qui sont à fond dans la musique.

Alain : Il en va de même pour le Kultura, où il y aura de l’expérimental un jour et de la techno le lendemain. Il y a une certaine ouverture. C’est génial.

Projetez vous dans le futur. Comment imaginez-vous The Brums dans deux ou trois ans ?

Alain : Moi j’ai vraiment envie de garder le coté brass band et jazz mais faire quelque chose de plus groove encore. J’écris des morceaux plus trap au niveau des beats. Je veux vraiment garder ce caractère assez brut, en n’oubliant pas de la grosse basse.

Il y a de plus en plus d’artistes qui exploitent la trap. N’avez-vous pas peur de perdre votre originalité ?

Alain : Non. On gardera toujours un mélange de tout. Comme il y a de l’instrumentation et qu’on n’est pas juste dans l’électronique, on ne va pas se mettre à rapper en triolet.

(na na na na, tchq tchk: le flow du groupe qui parodie le rap en pleine interview)

Alain : Depuis le début, on prend un truc qui m’intéresse dans un style puis on l’adapte à notre jeu. On a plein de morceaux qui ne sont pas encore dansants. Je veux que tout soit dansant. Qu’il y ait une énergie tant via des morceaux plus calmes que plus pêchus.

Je me rappelle au Reflektor, durant le tournage de « Kimberley », il y avait une sacrée énergie. Je trouve vos sons déjà dansants… Tu souhaites pousser les curseurs à fond de balle !

Antoine : Par exemple « Liège » n’est pas dansant. Enfin, ça dépend de ta manière de danser…

Clément : Moi je danse sur tout !

Antoine : Oui mais tu es un danseur fou.

(rires)

Pourquoi le poulet ? Dans vos publications, on retrouve souvent cet animal.

Alain : C’est ma poule qu’on voit souvent. On joue comme des poulets. Je devais faire la pochette très vite. Ça marchait bien avec le thème.

Antoine : Au synthé, on retrouve les cris similaires à cet oiseau.

(tout le monde caquette pendant les réponses)

Alain : On a fini par assumer la poule.

DRAMA
Photo bannière ©Sauvage Sauvage – The Brums au Reflektor, Liège
Autres photos ©Katerina Myshkin – The Brums à La Zone, Liège

SE RAPPROCHER LE PLUS POSSIBLE DE LA NATURE

Elle expose ses œuvres au Cupper Café, à Liège. Elle anime des soirées DJ. Elle dépeint un univers psychédélique et coloré. Elle se nomme Lunatic. Un entretien s’impose afin de comprendre les tréfonds de l’art abstrait !

Comment est né Lunatic ?

J’étais à Liège 1 de ma première à ma troisième. En quatrième, il m’ont dit: “Vas te faire foutre”. En gros, soit je doublais encore une fois, soit j’allais en qualif. Du coup, je suis allée à Saint Luc. Je voulais aller en photo mais il n’y avait plus de place. Je me suis alors inscrite en infographie, sans vraiment savoir ce que c’était, en attendant qu’il y ait une place qui se libère en photo. Au final, j’ai beaucoup aimé l’infographie. On a appris à gérer les logiciels Illustrator Design et Photoshop, des trucs assez basiques, pas très artistiques. En deuxième, on a eu un stagiaire qui venait de Saint Luc supérieure. Il parlait de choses un peu plus abstraites. Notamment du Bam Festival. C’est un festival à la caserne Fonck se déroulant une fois par an et mettant en avant l’art numérique. Il m’a montré quelques techniques dans Photoshop, pour être plus artistique, plus abstrait. J’ai commencé à faire plusieurs fonds d’affiches. Puis, en première supérieure, à Saint Luc supérieure, j’ai commencé à en faire de plus en plus et à ajouter des logiciels et plein de fonctions différentes. J’ai ensuite créé une page pour partager.
On est plein d’élèves à avoir les mêmes outils dans les mains mais chacun aura des réglages différents. Tout dépend de ce que l’on veut. J’adore les astuces qu’use un graphiste lié à Tame Impala. Il a fait beaucoup de pochettes d’album et également des clips. Il a toujours des univers hyper colorés. Ce qu’il poste sur Instagram ou sur Facebook, c’est un peu dans le même genre: des couleurs assez saturées, beaucoup de mouvements, tout en restant hyper abstrait.

Quels sont tes outils ?

Mon outil principal était Photoshop. En ce qui concerne le dessin, je suis vraiment nulle, ça me saoule. Je ne suis pas assez patiente pour ça. J’aime Photoshop et dupliquer plein de calques, les saturer et voir ce que ça donne. Dès que je commence, je n’ai pas une idée de ce que ça va donner. Je teste et quand ça rend bien, je l’enregistre et je le garde de côté. Là, ça fait un an que mes outils commencent à se multiplier. J’utilise du glitch avec de nombreuses applications sur ordi ou iPad. C’est ce qui provoque des bugs comme des séparations de couleurs. Récemment, j’ai acheté l’iPad Pro. Il est muni d’un stylet et tu peux dessiner tout ce que tu veux. C’est assez pratique parce que les tablettes graphiques externes, c’est 1200€ pour l’A4. L’iPad coûte 600€. Je l’utilise tous les jours et il me permet des modifications plus précises comparé à Photoshop. Ces outils me servent à obtenir une meilleure ligne conductrice et à savoir ce que je veux.

Il y a quand même une part de hasard liée aux logiciels. Tu as une idée en tête mais tu ne prévois pas où va tomber le trait.

C’est ça. Le premier album que j’ai créé s’appelait Kaléidoscope. D’ailleurs, le nom que je donne souvent à la photo c’est celle de l’image de base. Par exemple, pour Fruit, c’était une photo de fruit un peu nulle, trouvée sur Google Images. Junk était une photo d’ordure. Ou Arc-en-ciel, c’est celui que j’ai vu sur ma manche. Après ça, l’arc-en-ciel ne ressemble plus à sa forme initiale.

Maintenant, tu fonctionnes autrement. Tes idées sont plus claires à visualiser.

Oui. Avant ce n’était pas le cas.

Es-tu autodidacte ?

Oui. Parfois, je créé des photos une fois par jour, mais il y a des mois où je n’en fais pas du tout. Ça dépend du temps. Avant d’avoir l’iPad Pro, je commençais un peu à m’ennuyer, à faire tout le temps la même chose, alors j’ai attendu que l’inspiration vienne à moi. Là, je varie pas mal. Pour mon expo, j’avais essayé de me mettre à la peinture. C’est une technique qui consiste à prendre un gobelet, y mélanger des couleurs et les renverser sur une toile. C’était chouette. Via la peinture, j’obtenais un effet similaire au digital. L’expo permettait d’alterner entre le digital et la peinture.

Pense-tu reproduire ça plus tard ?

J‘en fais de temps en temps. C’est cool à faire. Même s’il faut de la patience.

Envisages-tu d’exposer à l’étranger ?

Avec les cours, le taff, c’est compliqué d’organiser ça. Mais ça me plairai, c’est sûr.

Est-ce qu’on t’as déjà proposé des collaborations ? D’autres artistes sont venus vers toi ?

A Saint Luc supérieure, la plupart de mon entourage fait de l’art. La peinture, on l’a fait à deux avec d’autres compositions. Aucun artiste étranger n’est venu à moi. Il y a plusieurs comptes Instagram que j’adore. Il y a une fille qui se fait appeler Mala Vida. Sa technique est d’user de techniques proches de la peinture puis, de les scanner et de les retravailler à fond sur l’ordinateur. Ça fait des effets très stylés. Ca serait cool de travailler avec elle mais je ne sais pas si ça pourrait être possible.

Tu as peut-être déjà répondu à cette question… Mais allez posons la.
Qu’est ce qui est le plus séduisant dans le type d’art que tu pratiques ?

Au lieu de faire un truc totalement abstrait, j’efface un peu certains éléments. Prenons l’exemple de la photo de bus modifiée par mes soins. Au départ, c’est une photo de bus que j’ai transformé à mort. Puis, j’ai effacé toute modifications à certains endroits.

J’ai essayé de retrouver cette photo parce qu’elle ma marquée.

Ca m’intéressait de rendre la chose un peu abstraite, tout en utilisant la technique d’une espèce de pluie. Prendre les pixels et faire tomber les gouttes grâce à l’iPad. C’est cool parce que y a du glitch, de la couleur et un peu d’abstrait mais aussi un univers et une ambiance.

Cela ne tente pas d’interpréter l’imagination de quelqu’un ?
On croirait que c’est une illusion, une vision de l’avenir…

J’y ai jamais pensé mais c’est intéressant. Je fais des rêves très très bizarres. Je racontais mes rêves à un pote et on se disait que ce serait drôle de l’illustrer en BD.

Cette question est longue. Prépare-toi mentalement. Dominik Lange modifie totalement l’environnement qu’il prend en photo. Il a déclaré en interview qu’il ne peut pas révolutionner le monde dans lequel il vit. C’est pourquoi, il le transforme symboliquement dans ses films. Est-ce que tu penses pareillement par rapport à tes œuvres ? Souhaites-tu bouleverser les sens et les esprits ? Veux-tu provoquer des émotions chez le spectateur ?

Dans ce qu’il exprime, il y a une démarche artistique, ce que je n’ai pas encore. Ce qu’on peut me reprocher, même si cela semble inconscient de ma part. Je fais juste du visuel. Oui, je veux que ça touche ceux qui voient mes œuvres. Il me plaît de voir ceux qui se perdent dans le visuel. Ceux qui y le fixent assez longtemps et qui y voient différentes choses. J’aime quand on me parle de formes différentes et distinguées. J’ai juste envie que cela provoque quelque chose, que ce soit chaleureux. J’utilise très rarement des couleurs froides ou du noir et blanc.

L’interactivité avec les spectateurs pourraient fonctionner pour tes expos.

Oui, j’allais y venir. Pour ce soir, j’aide un DJ à La Zone, grâce à un logiciel qui permet à une boule de réagir selon le son qui passe. Ca déclenche une activité interactive avec le son. Mon but  serait de brancher une Kinect et d’obtenir différents effets selon nos mouvements. Ça peut aller loin, et c’est pour ça que je suis à fond là-dedans. Installer des attractions interactives, plutôt que des posters.

As-tu un prochain projet sur le feu ? D’autres idées ?

L’interactivité. A Saint Luc, chaque fin d’année, il y a un jury. Pour ma première et deuxième, le sujet était de “visualiser le son”. L’objectif était de savoir ce que les vibrations sonores peuvent créer comme visuel. Il n’y a qu’à penser à l’expérience d’Ernst Chladni. Tu poses une plaque de métal sur une haut-parleur et il fera vibrer la plaque de métal. Tu mets du sable dessus et les vibrations vont faire des patterns de dingue.

Comme pour « High Ball Stepper » de Jack White.

Oui, exactement.

Encore une fois, c’est l’aléatoire qui joue.

Il intervient beaucoup moins. Selon la fréquence, les patterns diffèrent. C’est fou ! A ma deuxième année, j’ai utilisé un haut-parleur qui faisait vibrer un ballon où se trouvait un miroir. Un laser s’était projeté sur le miroir et était dévié sur le mur

Les Totally Spies !

Oui ! Des ronds parfaits apparaissaient sur certaines fréquences.

Utilises-tu de la gelée ou des liquides ?

On a fait ça avec de la maïzena, c’était drôle. Vu que mon copain a fait des formations d’ingénieur du son, il m’apporte tout le côté technique des sonorités. On applique un mix entre le son et le visuel. On vise à se rapprocher le plus possible de ce que nous montre la nature.

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Interview réalisée le 02/09/18, à Liège / Illustrations ©Lunatic

RAGE, POGO ET BOULETS DE LIEGE

Faire du krav maga, courir un sprint ou dégommer une porte… ces instants de rage ne valent pas le plaisir que procure le punk endiablé de Pogo Car Crash Control. Les Français sont de passage à la Guerre des Gaules X ! Ils y délivrent un entretien sans langue de bois.
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ABANDONED TO DANCE

Alors que l’on pouvait comparer les premiers morceaux de Valeero à du Queen of the Stone Age tout craché, « Charade » nous emmène vers un Ailleurs. Aux méthodes rigoureuses, ce groupe allie sons et images en adéquation à un rock dansant.
Entretien avec le chanteur, Antoine Litt.

Y a-t-il un message particulier derrière le clip de « Charade » ?

Avec le réalisateur, Thomas Mancuso, on a discuté pendant longtemps du morceau avant de tourner quoi que ce soit. Le but était de laisser le spectateur un peu dans le flou, pour qu’il puisse se faire sa propre projection de la chanson et du personnage. Le clip est une non-intrigue comme dit Thomas, une sorte d’excuse à l’image.

David Lynch a déclaré que ce qui effraie le plus, ce n’est pas la réalité, mais ce qu’on imagine qu’elle cache.

Ça rejoint un peu ce que j’expliquais. Dans nos morceaux, nos paroles et nos images, on préfère ne pas tout dire et laisser la place à l’interprétation du public.

En termes d’images, quels sont vos objectifs ? Et qui sont vos modèles ?

Le but est simplement de produire des images qui collent bien avec notre son et qui le renforce. Il y a beaucoup d’échanges avec Sébastien Plumier, notre graphiste, avec qui on bosse depuis 10 ans. Il est un membre à part entière du groupe. Nos discussions tournent plus autour de thèmes, d’inspirations, de couleurs que de modèles. Je lui envoie des images ou des screenshots non-stop et quand on se voit on met tout en commun pour voir où ça peut nous mener. Pour le visuel de « Charade » par exemple, Seb nous avait fait pas mal de propositions, ça n’a pas été facile de choisir mais le résultat final est top !

Stany Ponitka joue toujours dans vos clips. Pourquoi l’avez-vous choisi ? Y a-t-il un fil conducteur entre chaque histoire de vos clips ?

Quand il a joué dans notre premier clip, on ne savait même pas qu’il serait aussi bon. Comme Sébastien, il comprend tellement bien l’ambiance que l’on cherche à dégager de nos morceaux qu’il ne faut pas lui expliquer longtemps.
Tourner avec d’autres acteurs nous a bien effleuré l’esprit, mais à chaque fois, il revient comme l’évidence. A la base, ce n’était pas notre volonté d’en faire un fil conducteur mais au final, pourquoi pas ! Le liant entre les clips, c’est plutôt une ambiance qui est propre au groupe, une façon de mettre en avant la track sans trop en dire.

Qu’est-ce que vos nouveaux morceaux ont de différent par rapport aux anciens ?

Un côté dansant, une certaine légèreté. On tient à s’amuser en les enregistrant, et surtout en les jouant sur scène. On touche aussi à d’autres instruments et à des sonorités plus synthétiques. Les compositions sont travaillées en studio le plus tôt possible et pas juste à l’enregistrement, ça permet d’avoir plus de recul.

Comment s’est passé l’enregistrement de votre album ? Avez-vous une anecdote liée à l’enregistrement ?

Pour l’enregistrement de Sweet Abandon, le groupe a passé beaucoup de temps sur les détails, à peaufiner les paroles, les mélodies…
On voulait que tout soit parfait pour le premier EP de Valeero.
Avec Yannick Lemoine à la production, il nous a fallu 3 jours et 2 nuits en continu pour enregistrer les tracks de base en studio et 4 mois pour faire le reste, c’est-à-dire les voix, solos, ambiances… Aujourd’hui, la méthode de travail est un peu différente et nous marchons plus au feeling. Nous sommes toujours en quête de nouvelles sonorités et le fait de sortir les morceaux un par un nous permet d’expérimenter un peu plus loin à chaque fois.

Où avez-vous toujours rêvé de jouer ?

Dour, La caverne, samedi 22h30 par exemple… (rire)

DRAMA
Interview faite le 27/11/18

TH DA FREAKENSTEIN !

Aux sonorités brutes et grasses, TH da Freak a tout de suite attiré mon regard ! Magnifier une distorsion musicale, réaliser des clips aux images saturées ou chanter des textes décomplexés, telles sont les forces de ces rockeurs.

La scène rock de Bordeaux est vraiment particulière.

Il y a énormément de bons groupes rock à Bordeaux. On s’entraide pas mal entre nous. Les personnes qui organisent des concerts sont aussi très déterminées, si leur salles ferment, ils en ouvrent une autre dans la foulée.

En ce qui concerne vos clips, avez-vous envie de créer des vidéos à l’image de vos musiques, de renouer avec des clips réalisés à l’ancienne, ou de juste délirer ?

C’est juste une question de moyen et d’esthétisme. On n’a pas d’argent pour s’acheter une caméra de ouf, donc on a pris la vieille cam’ qui trainait. On aime bien aussi son rendu final car ça colle avec la musique qui est « à l’ancienne ».

Etait-il difficile de fonder votre propre label ? Que conseillez-vous aux artistes qui veulent faire de même ?

Notre collectif Flippin’ Freaks n’est pour l’instant qu’une association qui fait des soirées de concerts à Bordeaux. C’est vrai que nous avons déjà fait des co-productions avec des labels, tels que Howlin Banana ou Montagne Sacrée, pour la sortie de certains disques de groupes de notre collectif. Mais nous songeons à nous constituer en tant que label avec des sorties gérées de A à Z. Pour les artistes qui veulent faire de même, je leur conseillerais de commencer doucement avec des co-prods et surtout, d’être fiers de chaque sortie. S’ils veulent constituer un très bon label, il faut aussi démarcher la presse, les salles et faire marcher son réseau. Bref, il faut accompagner l’artiste qu’on signe, ce que pratiquement aucun petit label ne fait actuellement en France, faute de temps et de moyens, ce que je comprends.

« I Was Such An Idiot » raconte l’histoire d’une personne qui se pose trop de questions ?

« I Was Such An Idiot » parle de quelqu’un qui voit clair après une période de flou.
Le mec se rend compte qu’il a été un peu débile d’avoir fait des choix stupides.
Il s’en veut mais c’est du passé. Maintenant ça va.

Et « Techno Bullshit » fait de la techno le Mal incarné ?

Non pas le Mal Incarné mais juste de la connerie et un peu du foutage de gueule.
La chanson traite de quelqu’un qui vient mettre un morceau de techno au milieu de la playlist rock que tu avais prévue avec tes copains passionnés de rock.

Si vous deviez choisir un seul album indémodable, lequel serait-ce ?

Mellow Gold de Beck car il y a de tout dedans. Sa musique est expérimentale bien qu’accessible à tout le monde. C’est pour moi la meilleure chose qu’on puisse faire en musique.

« Freak » signifie « monstre » en anglais. Quel monstre symbolise le plus votre groupe ?

La créature de Frankenstein car il est un peu couillon.

Une dernière question me turlupine beaucoup trop. Sur votre clip « Thick Head », on y lit en description que votre invité spécial est Christian Bolognaise. J’ai besoin de résoudre ce mystère. Qui est-il ?

L’homme le plus cool d’Andernos-les-Bains et le chanteur du groupe de grunge CHEAAP.

DRAMA
Photos ©Raw Journey / Interview réalisée le 26/09/18

Tout droit venu d’Hasselt, The Guru Guru est un incroyable groupe de rock ! Leur premier album se nomme PCHEW et se prononce comme un rayon laser.

Pourriez-vous décrire l’image de la couverture votre album PCHEW ? Qu’est-ce que ça veut dire ?

C’est une photo de notre bassiste, Moreno. Sa mère poste des photos de lui comme ça sur Facebook. Notre batteur, Siemon, les trouvait drôles et les as gardées sur son ordinateur. Quand nous avons eu besoin d’une couverture pour l’album, Siemon a proposé cette image et l’accord fut unanime. L’expression et les sentiments qui ressortent de la photo sont les mêmes que ce que nous avons ressentis à la sortie de notre premier album.

Votre musique a un côté bipolaire. Dans vos morceaux, vos mélodies peuvent calmer comme exploser l’ouïe. Comment expliquez-vous cela ?

Notre guitariste, Jean, a démarré ce groupe inspiré par l’expression très limite, psychotique, extrême d’une imprévisible saute d’humeur. Je crois qu’on aime tout simplement l’énergie que le contraste peut amener.

Y a-t-il des musiciens de Ampersand Music avec qui vous aimeriez collaborer ?

En fait, nous avons collaboré avec Brutus en 2015. Nous avons fait des super split avec eux, avons partagé nos chansons et avons fait une interprétation de ‘Troy’ de Sinnead o’Connor. Les collaborations peuvent être une grande source d’inspiration. Ça élargit les zones de confort et chacun y apprend. Nous espérons en faire plus dans le futur.

Quel est votre plus grand rêve en tant que musiciens ?

Peut-être que des petits rêves sont plus satisfaisants ? Un bus de tournée plus grand serait pas mal.

DRAMA – Interview réalisée le 11/06/18
Photos ©Kay Lacombe – Arctangent, Bristol

RIEN N’EST REVOLU !

Sale Gosse ravive un feu punk qui était nécessaire en nos terres belges. Ce trio familial jouait à La Zone, où tout leur talent de musicien s’était déchaîné. Intervertissant leurs rôles sur scène, le show était puissant. DRAMA les rencontre pour discuter rock, Liège, famille et désordre !

Sacralisez-vous Iggy Pop ? Si oui, pourquoi ?

Maman : J’ai très vite été séduite par Iggy Pop quand j’étais jeune à Lille. C’était un de mes premiers concerts et j’étais fascinée. Je ne m’attendais pas à ce qu’il déballe tout le matos. J’adore Iggy Pop et je suis contente qu’il soit encore vivant.

Surtout après tout ce qu’il a pris.

Randa : Oui c’est ça. Les autres sont tous tombés comme des mouches mais lui est encore là.

Maman : J’étais beaucoup plus fan des Stooges à l’époque mais ce qu’il a fait à côté, dont ses collaborations, je trouve ça fun.

J’ai écouté l’album Pop Post Depression où il joue avec Josh Homme et j’ai trouvé la fusion des deux géniale.

Randa : Et n’oublions pas aussi sa collaboration avec Michel Houellebecq.

Maman : Et Peaches, B-52’s, David Bowie et même avec Catherine Ringer des Rita Mitsouko.

Est-ce que vous aspirez à être comme lui ou vous vous en foutez complètement ?

Maman : Nan, nan.

Randa : Il fait du tai-chi, je fais du yoga donc la ressemblance s’arrête là.

(rire)

Quel est le truc le plus rock que vous ayez fait ?

Randa : Moi j’ai été au lit hier soir sans me brosser les dents.

(rire)

Maman : Le premier concert que j’ai fait avec mon groupe de filles quand j’avais 20 ans. J’ai fini à l’hôpital parce que j’avais glissé à cause de chaussures à la con qui ne m’aidaient pas à marcher. Je m’étais faite très mal.

Ah la maladresse.

Maman : C’était rock and roll.

Lino : Le groupe dans lequel je suis est je pense la chose la plus rock and roll que je fais.

Randa : Prendre un instrument et faire de la musique, c’est déjà rock and roll en soit. Ca dépend aussi de ton milieu, ton âge, ton genre et ta famille. Mais rien que le fait de se dire qu’on veut faire de la musique, c’est un acte rock.

Maman : Finalement, en ce qui nous concerne, la création du groupe est vraiment le truc le plus rock.

Randa : Malgré les impossibilités ou improbabilités.

Aviez-vous déjà fait de la musique avant Sale Gosse ?

Maman : Avec mon fils Lino on était dans groupe nommé Me And My Fucking Mum.

(rire)

Maman : On a 15 ans de différence tous les trois et continuer à jouer ensemble reste un bel exploit.

Randa : Au sinon, samedi passé j’ai craché de la bière sur Animal Youth et c’était bien rock.

Ils vont se venger.

Maman : Nan, ils sont cool.

Quels sont les avantages et inconvénients de faire de la musique en famille ?

Lino : L’avantage c’est qu’on se connaît déjà de base.

Maman : Qui a envie de jouer avec sa mère ?

Tout dépend à quel type de mère on s’adresse.

Randa : L’avantage c’est d’être tombé sur une famille existante vu j’ai été adoptée.

C’est une belle image d’un groupe.

Maman : Oui. Je pense que ce sera de plus en plus à la mode. Parfois, des personnes après nos concerts viennent nous trouver pour nous dire qu’elles aussi jouent avec des membres de leurs familles. Mais elles n’ont pas passé le cap, et nous on l’a fait.

Quel cap ?

Maman : Celui d’aboutir à former un groupe et de faire vraiment de la musique dans les règles de l’Art. J’ai commencé avec Lino dans Me And My Fucking Mom, puis il voulait que je le lâche jusqu’au moment où il a craqué dès l’arrivée de Randa dans la famille.

Pourriez-vous me décrire Luik Records et l’apport de ce label après y avoir signé?

Randa : On n’a rien calculé. Au début, on avait fait une démo de 3 titres qu’on jouait dans des bars. Elle était aussi postée sur Soundcloud. Quelques jours plus tard, Damien Aresta, avec qui j’avais déjà bossé par le passé, me contacte pour signer sur Luik Records. Il nous a trouvé des dates , dont une tournée en France, et apporté une aide pour l’enregistrement d’un EP.

Maman : Il a fait le papa.

Ordre ou désordre ?

Maman : Désordre. Putain c’est vaste le désordre. Je suis une fille assez désordonnée. Rien que l’endroit où l’on répète est un amoncellement de plusieurs choses. C’est tout petit chez moi et c’est toujours le bordel.

Lino : Je choisi « désordre ». J’aime surtout un désordre où j’arrive quand même à m’y retrouver. Appelons cela « un désordre ordonné ».

Randa : Ordre. Je suis passé par la case « désordre » et c’est casse-tête. Maintenant je suis obligée de choisir l’ordre malgré moi. Il le faut pour me simplifier la vie. L’ordre mène à une énorme tranquillité. Il t’arrive tellement de merdes au quotidien que si on devait choisir le « désordre », ce serait encore pire. C’est en cultivant un minimum d’ordre que tu arriveras à bien naviguer d’une manière ou d’une autre.

Maman : J’ajouterai que le rock and roll est parfois désordonné.

Si vous jouez comme des pros, vous serez ordonnés.

Randa : Ouais mais tu ne nous as pas encore vu.

(rire)

Randa : On en reparlera après le set.

The Beatles ou The Rolling Stones ?

Lino : Beatles. Tout est une question d’affinité. J’ai toujours été attiré par eux. J’aime leurs compositions même si leurs paroles ne sont pas toujours très recherchées. J’ai toujours trouvé les Beatles plus intéressants que les Stones.

Randa : Stones. J’aime leur coté sex-appeals même si ce sont des Anglais qui ont copié le style de musique des afro-américains. J’aime leur ambiance bluesy.

Maman : Je dirai les deux. Je suis la plus vieille et j’ai connu les deux.

Les as-tu vu en concert ?

Maman : Non pas du tout. A choisir, j’aurais vraiment voulu voir les Beatles. Quant aux Stones, quand j’avais vu à la télévision Keith Richard taper un fan avec sa gratte parce qu’il montait sur scène, j’avais trouvé ça dégueulasse.

Nirvana ou Guns N’Roses ?

Maman : Nirvana.

Lino : Nirvana.

Randa : Guns N’Roses !

(rire)

Randa : Je vote les Guns juste pour Axl Rose car c’est un sketch ce mec.

Lino : Et Kurt Cobain n’est pas un sketch.

Randa : Nan mais Kurt Cobain c’est autre chose. J’ai grandi avec MTV qui diffusait les deux groupes mais j’ai plus de souvenirs colorés et comiques d’Axl Rose. Il a quand même réussi à séduire Stephanie Seymour.

Lino : Mais ça on s’en fout.

(rire)

Maman : J’ai commencé la musique dans les années 90 avec une Américaine qui avait amené tout ce bagage grunge chez moi, en Lorraine. Je trouvais ça génial. Les Guns N’Roses sont trop surfaits pour moi.

J’ai l’impression que Nirvana s’était fait dépassé par leur succès. Est-ce que vous pensez que vous perdriez les pédales si le succès vous dépassait ?

Lino : Si on atteignait le même succès qu’eux, on deviendrait dingue.

Randa : Je pense qu’il faut remettre les choses dans leurs contextes. A l’époque, l’effervescence du rock indépendant et du rock grunge avait formé tout un mouvement récupéré par le mainstream. Aujourd’hui, ça ne nous arrivera pas parce que si on voulait que le succès nous rattrape, on ferait du rap. En ce qui concerne les succès à grande échelle, le rock est devenu démodé.

Maman : Pas en famille.

Randa : On restera dans une espèce de niche et ce n’est pas plus mal.

Maman : De toute façon, c’est chiant d’être connu.

Randa : Même si avoir son Tour Bus… C’est quand même la classe.

Bruxelles ou Liège ?

Maman : Bruxelles !

Lino : Bruxelles. J’ai toujours vécu là-bas. Même si Liège est très cool. J’ai toujours apprécié les moments où j’y étais.

Qu’aimez-vous le plus à Liège ?

Randa : Je trouve que les Liégeois sont les gens les plus méditerranéens de toute la Belgique. Il y a un vrai laisser-aller ici.

Maman : Je suis née à Dunkerque et Liège me rappelle vachement l’ambiance chez les Ch’tis. Les gens sont simples et hyper humains.

Randa : Rien qu’au marché de Noël liégeois, j’étais stupéfaite de voir à quel point les gens transpiraient la bonne humeur. A Bruxelles, ce n’est pas pareil. Les Liégeois sont plus accueillants. Cependant, mon cœur reste attaché à Bruxelles parce que c’est ma ville et que je l’adore.

Grande salle ou petite salle de concert ?

Lino : Petite !

Randa : On a déjà joué dans une douche, devant 10 personnes, et c’était un de nos meilleurs putain de concert. C’était génial.

Comment est-ce que c’était de jouer au Reflektor ?

Lino : J’avais bien aimé.

Randa : Je trouve que ce n’était pas un des meilleurs qu’on ait fait. On jouait avec Monolithe Noir ce soir-là. Cette soirée était organisée par Luik Records et on s’est retrouvé avec Monolithe Noir sur l’affiche, un artiste à l’opposé total de notre style de musique. A cause de cette énorme différence, il n’y avait pas beaucoup de gens.

Jouer en studio ou en live ?

Lino : Jouer en live.

Randa : Live.

Maman : Live.

Randa : Le studio c’est chouette mais ce n’est pas pareil. Les deux sont très chouettes.

Où naissent vos chansons ?

Randa : A la maison. Ta journée en studio peut te coûter 400 balles voir plus et c’est sûr qu’on n’est pas les Rolling Stones qui dormaient dans leurs studios, en fêtant et travaillant jour et nuit. C’était un vrai espace de création pour eux. Aujourd’hui, vu les prix, on a intérêt à avoir terminé le morceau avant de rentrer chez soi.

C’était une autre époque.

Randa : Ouais… L’âge d’or est loin derrière nous.

Maman : Mais faire du rock and roll est encore possible même avec très peu de choses. Notre studio est fait de briques et de broc, 10 mètres carrés d’instruments.

Randa : C’est rudimentaire.

Dormez-vous sur vos instruments ?

Lino : Exactement.

Randa : Maman oui. Elle se réveille le matin avec des amplis sur la face.

DRAMA
Interview faite le 21/11/17
Photos ©Alexis Docquier – La Zone, Liège

LE CLUB

Bagarre sort du lot avec des textes à la fois simples, efficaces et surréalistes, ornementés d’une instru directe et frontale. DRAMA reçoit l’aide de Pauline Wathelet pour une interview centrée autour d’un des groupes français des plus extravertis !

Est-ce que vous pensez qu’une petite bagarre vaut mieux qu’un dialogue parfois ?

Le dialogue ? On ne connaît pas… En fait, plus sérieusement, il n’y a pas de petites bagarres. Nous, on passe notre temps à mener des bagarres avant tout contre nos blocages, ou ce qui nous coince dans nos vies. C’est ce qu’on essaye de faire aussi musicalement, en faisant s’entrechoquer différentes influences musicales très variées, en donnant la liberté de les faire dialoguer entre elles, les mélanger. C’est en zonant sur SoundCloud qu’on est aussi arrivé à composer comme cela, en allant chercher plein de musiques différentes. Aujourd’hui, il n’y a plus vraiment de frontières, on peut vraiment tout écouter. Internet est super inspirant pour nous, même central dans notre processus créatif où on va chercher des influences très variées et parfois assez underground, de la ghetto house à la funk. Avec le temps qu’on passe aussi devant des écrans et la façon dont on communique avec les gens, Internet a pris une place de fou dans nos vies, dans nos intimités, et ça donne aussi envie d’en parler dans nos chansons. Il y a un morceau dans notre album CLUB 12345 qui s’appelle « La Vie C Nul » et qui parle d’un mec qui reste devant son ordi et tombe amoureux d’une X CAM par exemple. C’est aussi un lieu assez libre où la parole se libère ou se lâche, où il y a autant de dialogues improbables que de clashs à la con…

Le look semble important dans vos clips. Suivez-vous une mode ou un styliste en particulier ?

Ouais être bien sapé, avec nos chaînes, nos survets, c’est important pour nous. Déjà parce que c’est grave cool et aussi parce que dans Bagarre, on devient autre chose que ce qu’on est. On s’invente tous les cinq : c’est pour ça qu’on a créé ce lieu qu’est le CLUB 12345, où l’on projette toutes nos envies, nos fantasmes et nos pseudos. Tout ça nous permet d’être réellement nos personnages, de dire certaines choses qu’on n’oserait pas dire, de faire des choses qu’on n’oserait pas faire.

Quel est l’album français qui vous a le plus marqué l’esprit ?

Notre playlist sur Youtube ! On écoute plus vraiment d’album en entier. La musique qu’on fait est vraiment composite… Comme la façon dont ton écoute la musique, track par track, avec plein de trucs différents.

La chanson « Béton Armé » fait référence aux attentats du Bataclan et à l’état d’urgence que vit la France depuis ?

Clairement. Il y a eu après les années 2015 et 2016, une envie de faire retour sur ce qu’on avait vécu. C’est vrai que les attentats du 13 novembre ont vraiment eu lieu là où on habite, dans notre quartier, là où on passe tous les jours. On avait envie, besoin de parler de ce qui s’était passé, des attentats de janvier 2015, puis de novembre, puis de Nice… Quand on a commencé à écrire l’album à l’été 2016, on a beaucoup parlé de ces événements, alors on a voulu l’évoquer dans nos chansons, et être capable d’en dire quelque chose. On a essayé de se saisir de ce moment où tout est un flou dans ta tête, ou bien trop dense. Ce moment où les images et les mots s’enchaînent et tu comprends pas vraiment ce qu’il se passe, ou ce qu’il va se passer. C’est un peu cet état là qu’évoque « Béton Armé », tout en étant toujours tourné vers la danse, comme une réponse première à la noirceur.

Comment définiriez la ville de Paris ? Elle a une place assez particulière dans vos chansons. Paris danse entre mélancolie et fête pour vous ?

Paris est une inspiration permanente, par sa brutalité, la solitude qu’elle implique, son mouvement. C’était le thème de « Ris Pas » sur notre EP Musique De Club. Mais Paris nous inspire surtout l’inverse. La ville pousse aussi les gens les uns sur les autres au bon sens du terme, et le club, que ce soit un appartement avec des potes, un bar bondé, un hangar à Bobigny ou une vrai boîte, c’est toi qui le crée, c’est où tu veux. C’est une réponse à la semaine comme la nuit libre est une réponse à la journée. C’est le moment où tu te sens libre d’être plus toi, de casser des barrières. Le Club est un lieu de contact, où se crée vraiment des liens, dans la nuit, dans les basses. Où l’on va pour des raisons qui sont à la fois les mêmes et différentes pour tout le monde. C’est là où tu vas vivre plus fort. Et nous, en tant que groupe c’est vrai que depuis quelques années on a pu grâce à des collectifs comme nos potes Fils de Vénus (ou plein d’autres) voir la nuit changer : on voit des groupes lives à 2h du mat’, c’est moins cher. La nuit est vachement plus diverse et ouverte qu’avant et c’est trop bien !

DRAMA et Pauline Wathelet
Interview faite le 13/02/18