Et si les licornes n’étaient pas ces magnifiques créatures magiques, inoffensives ? Avec Unicorn Wars, Alberto Vazquez vient bousculer notre conception de ces créatures féeriques.

Le paradis perdu

L’histoire se passe dans un monde où une guerre terrible oppose les licornes aux ours en peluche. Selon la propagande des oursons, à l’origine, licornes et oursons vivaient en paix dans la forêt magique. Mais un jour, les licornes ont pris les armes contre eux à cause de la jalousie suscitée par la connaissance que les oursons ont acquit au fur et à mesure de l’histoire. À l’issu de terribles batailles, les maléfiques licornes gagnent et chassent les ours en peluche de la forêt magique.

La contre-offensive

Le film débute dans le Camp Joli Cœur, lieu où la compagnie d’oursons, formée par le sergent Gros Câlin, prépare la contre-offensive. Au premier abord, ce camp ressemble au monde des Bisounours. Cependant, tout change lorsqu’on aperçoit écrit sur la plaque d’entrée : Honneur, douleurs et bisous. Dès cet instant, le spectateur comprend qu’il n’est pas devant un film d’enfant.

L’histoire se concentre sur le développement de deux frère, Dodu et Célestin. À travers le regard de ces deux ours en peluche, nous suivons la préparation de la compagnie à l’art de la guerre.

Un film pour enfants interdit aux enfants

Unicorn Wars est typiquement le film qu’un parent, peu attentif, peut aller voir avec ses enfants. En effet, l’affiche ne fait pas spécialement peur et donne peu d’information sur l’œuvre en soi. La réalité est tout autre car Alberto Vazquez signe une réalisation qui est plus proche d’un film d’horreur que de Bambi.

Hormis le sang qui est très présent, notons également qu’il règne une atmosphère drôle et malsaine. C’est illustré notamment par le fait que la relation entre les deux frères est tantôt fraternelle, tantôt flirt avec l’inceste. De l’autre côté, la devise une bonne licorne est une licorne morte m’a personnellement fait rire.

Hormis le style de dessin très beau, le point fort du film réside dans son humour. Le réalisateur en use de manière particulière. Il mélange l’humour noir à un humour plus grotesque, et cela donne des répliques à mourir de rire.

La nature profondément cruelle des êtres

Au-delà de son monde haut en couleur, à l’instar d’un film Barbie, Unicorn Wars nous compte le récit d’une lutte entre deux camps qui ont une haine infinie les uns contre les autres. Cette haine conduit ces deux races à n’aspirer qu’à une chose, éradiquer l’autre.

Et pour y parvenir, chaque camp n’hésite pas à user de récits de propagande pour alimenter et justifier la haine de l’autre. Finalement, via Unicorn Wars, Alberto Vazquez livre un conte aux couleurs chatoyantes qui sonne comme un terrible rappelle que la haine pervertit même les meilleurs.

Cette année, nous parlons peu du septième art. Mais un film retient l’attention. Bien plus qu’une production Marvel lancée par des scénaristes arriérés. Aftersun est une expérience cinématographique assez mémorable. Pourquoi ? Pour qui ? Pour tout le monde. Les films d’auteurs sont à surveiller. La première œuvre de Charlotte Wells ne fait pas figure d’exception. Elle s’adresse à un public prêt à trembler d’émotions.

Sophie se remémore ses vacances sur la côte turque avec son père, Calum. Elle s’amuse en faisant du karaoké, en se baignant. A cette période de l’histoire, elle se situe entre l’enfance et l’adolescence. Elle partage avec son père bonheur et conflit. À travers ses souvenirs, elle semble chercher des réponses. Les spectateurs deviennent ses yeux. Les yeux d’une jeune fille qui semble passer à côté d’un évènement tragique, d’un souvenir à la fois doux et amer.

Aftersun est une expérience naturiste. Je ne choisis pas ce mot au hasard. Le Larousse vient à la rescousse. Naturiste signifie une tendance à prendre la nature pour seul guide dans son comportement, sa manière de s’alimenter, de vivre. La caméra filme chaque action en prenant en compte l’ennui, la spontanéité et complicité des protagonistes. Les décors nourrissent un imaginaire paradisiaque, quelquefois trompeur. De fait, Calum perturbe durant certaines scènes. Lorsque l’œuvre arrive vers sa fin, vous devinerez sûrement pourquoi ce père souffre d’un mal-être visible depuis nos sièges, invisible pour la petite Sophie. La relation père-fille apparaît alors comme un énorme point d’interrogation. A la fin de l’aventure, que reste-t-il ? Une question. Pourquoi ce long métrage est intense à regarder ?

Ma personnalité et celle de mon père sont la base de celles de Calum et Sophie. Mais est-ce que tout ceci s’est produit, est-ce que j’ai vécu ces vacances ? Non. –Charlotte Wells

Nul besoin de voyager vers des galaxies pour décrire les failles des êtres humains. La mise en scène de la cinéaste est inspirante. Parfois, il suffit de puiser dans notre passé pour pondre un objet artistique poignant.

brunoaleas

Tu pleureras ; de tes lèvres montera le nom de l’ami que tu abandonnes et souvent ton pied s’arrêtera au milieu du chemin. Mais, moins tu auras envie de partir, plus tu dois penser partir.

Ces paroles viennent d’Ovide. Et s’il avait raison ? Existe-t-il un art d’aimer ? Faut-il le respecter ? Call Me by Your Name s’affranchit de ces questions. L’œuvre présente deux hommes, deux âges, deux personnages. L’un est fougueux et charmant (Elio, Timothée Chalamet), l’autre est séduisant et curieux (Oliver, Harmie Hamer).

Elio vit au sein d’une famille cultivée. Elle accueille Oliver, un Américain qui découvre les richesses de la Méditerranée. Il est censé aider le père du jeune adulte dans ses recherches archéologiques. La rencontre de nos deux acteurs bouleverse l’ambiance du film. Ils incarnent provocation, séduction et sensualité (tout en sueur !).

Il ne s’agit pas de dominant ou dominé. Ce film n’impose aucune règle dans leur relation. Nos protagonistes font l’expérience de l’hédonisme dans une Italie excessivement idyllique. Trop beau pour être vrai, comme cette histoire de fusion. Rien n’arrête leurs initiatives, même si elles sont secrètes.
Les bonnes mœurs apparaissent toujours comme un mur dans nos mentalités. Pourtant, les amoureux parviennent à évoluer main dans la main. Elio symbolise véritablement la jeunesse dans sa forme la plus aventureuse. Oliver voit une opportunité de goûter un fruit inoubliable. Rien ne semble superficiel. Sauf que le temps ne sauve rien. Tout a une fin.

Un monologue offre une séquence mémorable. Face à son fil, le père d’Elio adopte une vision optimiste. Il comprend la souffrance du garçon vivant une douloureuse rupture. Sa sincérité fait mouche : Aujourd’hui, tu es triste, et tu souffres. Ne te débarrasse pas de ces sentiments, ils s’en iraient avec la joie que tu as ressentie. Ses mots feront méditer bon nombre d’entre nous. Au lieu de sombrer dans un fatalisme, il joue l’érudit. Pourquoi ? Car les expériences amoureuses nous appartiennent. Personne ne peut détruire le goût d’un baiser, une joie d’antan, une chaleur inestimable.

Le final de l’œuvre ne laisse point indifférent. Les larmes d’Elio… quelle scène, quels frissons ! Le voici séparé d’Oliver, pour de vrai. Que reste-t-il ? Sûrement le souvenir d’un été où aucun code ne dictait aucune action, où chaque folie guidait chaque décision. Ces souvenirs brûlent chez l’adolescent, comme chez les spectateurs. Personne ne peut éteindre ce feu sacré.

brunoaleas